Образ Данаи в творчестве Тициана и Рембранта

     Я думаю, что эта картина была последней в цикле, потому что все мотивы здесь усилены. Вся композиция картины более динамична. Зевс едва просматривается среди облаков. Жадное лицо няни повернуто к нам, теперь она ловит монеты не в передник, а в золотой поднос. Стук монет по блюду контрастирует с тихим ливнем золота, который льётся на Данаю, подчёркивая  добродетельность Данаи и продажность её няни. Монеты щедро рассыпаны на переднем плане. Художник поместил на кровать Данаи розу, извечный символ любви.

     Посмотрев на Данаю из Музея Прадо, можно увидеть собачку на переднем плане (ил4). Маленькая собачка чаще всего является символом супружеской верности. На ложе Данаи в картине Тициана, она выглядит несколько странно, поскольку верность красавицы божественному возлюбленному носит явно вынужденный характер. Может быть, собачку стоит рассматривать как намек на чистоту Данаи?

       У Тициана есть более ранняя картина с похожей композицией: лежащая обнажённая женщина, роза и собачка.

     Это знаменитая "Венера Урбинская" из Галереи Уффици во Флоренции, написанная Тицианом в 1538 году. Эту картину Марк Твен называл "самой глупейшей, подлейшей и неприличнейшей картиной в мире". Известно, что существует два противоположных подхода к этой картине. Одни считают её "порнографией для элиты" (тот же Марк Твен обращал внимание на неприличное положение левой руки Венеры), а другие пишут о том, что это традиционная свадебная картина. В ней, действительно, присутствует свадебные символы: цветок мирта на окне, букет из роз в руках, служанки, достающие платья из сундука, а также собачка, которая в контексте этой картины трактуется как символ верности.

     Если  собачка - символ верности, тогда почему она появляется в постели Данаи  на картине из Прадо? И, если уж на то пошло, почему роза из "Венеры Урбинской" появляется на чрезвычайно откровенном варианте "Данаи" из Историко-художественного музея в Вене?¹⁵(ил.5) 

1.2 Образ « Данаи» в эпоху голландского барокко. 

     В Голландии, буржуазной республике, отринувшей католическую веру в пользу протестантизма, у  художников были иные возможности и  традиции.¹⁶

     Голландия успешно завершив первую в истории буржуазную революцию, выдвинулась на одно из ведущих мест в экономическом и культурном отношениях. Маленькая страна переживает в XVII веке кратковременный, но бурный расцвет. ¹⁷

     Живописцы работали в условиях рынка и не зависели от заказов короля или церкви. Их картины покупали зажиточные граждане, любившие украшать живописью стены своих домов. Следовательно, вкус горожан-обывателей, высшей ценностью для которых было благополучие и покой семьи, определял содержание полотен. Что хотели видеть на картинах голландцы? То, к чему они привыкли и что было не слишком обременительным для их интеллекта: уютные городские дворики, чистые комнаты домов, аккуратных, с неприметной внешностью хозяек в белых чепчиках, худосочных девушек, занимающихся шитьем, чтением или игрой на клавесине. Быт в этих полотнах представлен правдиво до мелочей, а простые обыденные сцены, изображенные художниками, можно было ежедневно наблюдать вокруг. Говорят, что по предметам, написанным на картинах голландцев, историки могут изучать экономику и торговые связи в XVII столетии.¹⁸

     Голландские живописцы впервые увидели человека таким, каков он есть в жизни, и отразили в искусстве различные стороны его повседневного бытия. 

     Творцов бытовой живописи назвали позднее  «малыми голландцами» и за простоту сюжетов, и за небольшие размеры  работ. Излюбленные жанры «малых голландцев» — портрет, пейзаж, натюрморт.

     Можно смело сказать, что ни в одной  стране до  того живопись не пережила такого быстрого и интенсивного подъема, не имела такого исключительного распространения, такой поразительной популярности, не вошла так глубоко в быт самых широких слоев общества, как в Голландии. Столь широкому распространению картин способствовало их невероятное обилие и, вследствие этого крайняя дешевизна. Произведения многих из числа ныне весьма ценимых мастеров приобретались буквально за несколько гульденов. Голландский художник работает на рынок, что делает его свободным в искусстве и выборе средств к существованию.¹⁹

     Вершина голландского искусства XVII в. — творчество гениального художника Харменса ван Рейна Рембрандта (1606—1669). Рембрандт  явился ярчайшим представителем направления, принятого называть вне стилевой линией и являющейся одной из трех основополагающих художественных концепций 17 века (вместе с барокко и классицизмом).²⁰

     Тема  искусства Рембрандта – реальная жизнь человека и, прежде всего, его внутренний мир. Глубокое человеческое переживание проходит в произведениях художника через все явления реального мира, оно преобразует обычное и будничное в образы высшей красоты.

     Удивительно, но никуда не выезжая из своей маленькой  бюргерской страны и не получив широкого образования, Рембрандт создал творения мирового общечеловеческого звучания. Но – Голландия 17 века была далека от Рембрандта. Она его не поняла, не поддержала и не прославила. Современники это не слишком понимали и относились к художнику снисходительно. Рембрандту дано было соединить простые житейские истины с высоким духовным опытом человечества, пройдя путь исканий от барочных композиций до высокого реализма.²¹

     На  собственном примере он понял, что  толпа отдает предпочтение посредственности. А он был слишком необыкновенным, слишком таинственным и великим. Маленькие нидерландские мастера выбирали для своих картин светские и изящные сюжеты или изображали легкомысленное веселье, проказы, шалости, фарсы, празднества. Но Рембрандт, по словам Э. Верхарна, стоит на тех высотах, которые господствует над вершинами, расами и странами.

     Творчество  Рембрандта воплощает его лучшие качества – силу реалистического  отражения действительности, глубокую индивидуализацию образов и явлений, несет в себе черты подлинного демократизма. Его произведениям присущи огромная глубина идейного содержания, исключительная сила эмоционально-образного выражения, непревзойденное художественное мастерство. Врожденное стремление Рембрандта к психологизму, исключительная виртуозность его техники поразила современников.²²

     Среди других голландских мастеров Рембрандт  выделяется широтой своей тематики: картины на библейские  и мифологические сюжеты, исторический жанр, портрет, жанровая живопись, пейзаж и натюрморт. Рембрандт работал в двух областях искусства – живописи и офорте, – и до сих пор не решен вопрос, в котором из них он более велик.

     Уже в первых своих произведениях  Рембрандт подходит к тому, что  будет занимать его всю жизнь: стремясь к раскрытию внутренних переживаний человека, он уделяет огромное внимание светотени.²³   

     В 1632 г. Рембрандт переезжает в Амстердам, богатой приморский город, главный  культурный и художественный центр  страны. Восприимчивый к пестрой  картине, которую развертывает перед  ним мировой город, Рембрандт находит богатый материал для своих работ.²⁴

     Продолжая поиски повышенной психологической  выразительности, он смело экспериментирует, применяя различный формат, композицию, меняя позы, повороты, движения, выражения  лица.²⁵

     В 1633 г. Рембрандт женился на Саскии ван Эйленбурх из богатой знатной семьи.

     Свою  жену Рембрандт любит изображать в образе различных мифологических героинь. Это – фантастические портреты.²⁶

     Так нам является Саския в чудесной картине 1636г. Фантазия художника на этот раз воплотила ее в образе Данаи. Сюжет картины был распространен в эпоху Возрождения(ил.6). ²⁷

     У художника Ренессанса тема обнаженного  тела была наиболее благодарным объектом для воплощения их эстетических норм – возвышенного героизма и идеальной  красоты человека.²⁸ Иначе подошел к этой теме Рембрандт. Только в изображении богатых и пышных аксессуаров он отдает дань традиции.

     Необычайная правдивость и жизненная сила рембрандтовской “Данаи” объясняется, прежде всего, тем, что художник дал  изображение человека во всем его  духовном богатстве.

     Данаи Тициана и Андромеды Рубенса  воспринимаются как обобщенные образы прекрасных женщин; Даная Рембрандта воспринимается, прежде всего, как изображение  человеческой индивидуальности.

     В картине «Даная» ощущается  чувственный порыв, сильный эмоциональный подъем граничит с духовным преображением человека, охваченного высоким чувством любви. Светотень, всегда имеющая у Рембрандта очень важное эмоциональное значение, в данном случае имеет и смысловую функцию: предвещающий появление Юпитера поток света, навстречу которому устремляется Даная, заливает ее фигуру, внося в картину атмосферу особой эмоциональной приподнятости. Обилие света содействует общей мажорности образа.²⁹

     Обратимся к месту «Данаи» в творчестве Рембрандта. И здесь нам не обойтись без пристального взгляда на его возлюбленную Саскию, которая послужила первой моделью для «Данаи».

     Через десять лет после создания полотна  «Даная» - в 1646 и 1647 годах картина  была им переработана, после того, как  минуло уже несколько лет со дня  смерти Саскии и потрясения, связанного с ее преждевременной кончиной. Долгое время картина вызывала недоумение. Почему нет золотого дождя? Отчего плачет амурчик? Ответы получены благодаря рентгеновским лучам, когда стало понятно, что на полотне две «Данаи». Рембрандт переделал картину, изменив овал лица, длину пальчиков своей героини, детали интерьера - о чем только не расскажет рентгеновский анализ... Именно Саския была под верхним красочным слоем. На первом полотне художник изобразил счастливую, ждущую своей любви женщину. Она была накрыта белым покрывалом, ведь Рембрандт не хотел, чтобы чужие глаза касались наготы любимой Саскии. Там амурчик улыбался, и картина дышала радостью, что было в унисон с душевным состоянием художника. У второй Данаи амурчик, изображен со связанными руками и плачет(ил.7). Наверно это были слёзы Рембрандта.

       Перед реставраторами стоит соблазн  расчистить нижнюю «Данаю», но  пока это только мечты. Стоит  остановиться на подробностях  личной жизни Рембрандта, чтобы  понять причину появления и  особенности этой второй «Данаи». Исследователей удивляла темноволосая головка Данаи, ведь Саския была совсем другой. ³⁰

     Единственным  утешением художника был сын  Титус, которого воспитывала служанка Гертье. Потихоньку Гертье заняла место  Саскии и завладела не только ключами, но и сердцем художника. Рембрандт изображает Гертье обнаженной и безразлично отдает зрителю неприкрытое тело служанки. По одной версии, именно с нее он пишет и вторую картину "Даная". Все чаще видят Гертье в украшениях и платьях Саскии - она стала полновластной хозяйкой дома. Забегая вперед, скажу, что Гертье кончила свою жизнь в тюрьме за мошенничество.

     По  другой версии, вторую «Данаю» Рембрандт  пишет с другой своей служанки – Хендрикье, в которой Гертье видела соперницу. Гертье заставляет Рембрандта жениться на себе и, получив отказ, подает жалобу в камеру семейных ссор, где его обвиняют в прелюбодеянии с двумя женщинами. Суд обязывает его выплачивать Гертье по 200 гульденов в год, что было огромной суммой по тем временам и отлучает Хендрикье от святого причастия. Преданная Хендрикье любит Рембрандта. Она готова быть с ним и в горе и в радости. Вскоре рождается дочь Корнелия, но Хендрикье тает на глазах. И вновь он теряет любимую, и вновь жизнь окрашивается в черные тона.³¹

       Итак, по одной версии, вторая Даная написана с жадной и нехорошей мошенницы, по другой – с преданной простой девушки, ненадолго украсившей жизнь художника. Но в любом случае важно, что с разрывом в десять лет для Данаи позировали две разные женщины – "светлая" и "темная", контрастные, как утро и вечер, из коих первая - Саския, являла собой ухищрения изысканной моды, вторая – простая девушка с естественной природной грацией. Таким образом, голова, правая рука и в значительной степени тело Данаи, ожидающей в своей темнице возлюбленного, а также фигура старухи-служанки оказались написанными заново, в смелой широкой манере середины и второй половины 1640-х годов.

     Почти все остальные детали картины  остались такими, какими были написаны в 1636 году, характерным для предшествующего периода аккуратным, рисующим мазком.

       Значительным изменениям подвергся  и колорит картины. В первоначально  варианте господствовали холодные  тона, типичные для середины 1630-х  годов. Заменив золотой дождь  первого варианта золотым светом, как бы предвещающим появление влюбленного бога, Рембрандт выполняет теперь центральную часть картины в теплом тоне с золотистой охрой и красной киноварью в качеств доминант. ³²