История искусств

В архитектуре Испании XVII в. исконно национальные черты переплелись с элементами мавританского зодчества и с традициями народного ремесла. Архитектура переходит к большой праздничности, нарядности, пышной орнаментике.

Скульптура  словно ковер украшает фасады и порталы  испанских архитектурных сооружений.

Испанская пластика раньше архитектуры вступает на путь самостоятельного развития: создаются  деревянные культовые произведения, статуи святых, раскрашенные в естественные тона. Ноги и руки таких статуй делались на шарнирах, волосы были естественными, в глаза вставлялись стекла. В  статуях много от готической скульптуры, как в общем выражении, так  и в религиозной экзальтации.

В конце XVII в. испанское искусство переживает упадок.

29. Основные направления в изобразительном  искусстве Франции в первой  половине XVII в. Творочество Н. Пуссена и К. Лоррена

В живописи дело обстояло сложнее. На французскую  живопись первой половины XVII в. имели  влияние фламандское и итальянское  барокко, караваджизм и реалистическое искусство Голландии. Эти влияния отчетливо прослеживаются в творчестве Луи Ленена. В живописи Ленена нет социальной критики, но его герои полны внутреннего достоинства и благородства. Бытовое в его картинах подано возвышенно («Посещение бабушки», «Крестьянская трапеза»).

Классицизм  возник на гребне общественного подъема  французской нации и государства.

Основой теории классицизма стал рационализм, опирающийся на философскую систему  Декарта.

Предметом искусства классицизма провозглашалось  прекрасное и возвышенное, этическим  и эстетическим  идеалом служила  античность.

Основателем классицистического направления в  живописи Франции XVII в. стал Никола Пуссен (1594--1665). Еще в ученические годы он проявляет интерес к античному искусству. В 1623 г. едет в Италию, сначала в Венецию, а затем в Рим.

Тематика  полотен художника разнообразна: мифология, история, Новый и Ветхий завет. Герои Пуссена - люди сильных  характеров и величественных поступков, высокого чувства долга перед  обществом и государствам. Мера и  порядок, композиционная уравновешенность стали основой классицизма. Колорит  построен на созвучии сильных, глубоких тонов. Как программное произведение классицизма можно рассматривать  картину «Танкред и Эрминия». Пуссен избирает этот сюжет не случайно, ибо он дает ему возможность показать доблесть рыцаря Танкреда, найденного Эрминией на поле брани, страстность и силу чувств Эрминии, отрезающей волосы, чтобы перевязать раны героя и спасти его. Композиция строго уравновешена. Все поэтично-возвышенно, во всем царит мера и порядок.

Единство  человека и природы, мироощущение характерны для его картин «Царство Флоры», «Спящая Венера», «Венера и сатиры».

В его  работах нет тициановской чувственной  радости бытия. Чувственная стихия в них овеяна целомудрием, на смену  стихийному началу пришли элементы логики, упорядоченность, сознание непобедимой  силы разума, все обрело черты героической, возвышенной красоты.

В 40-х  годах в творчество Пуссена врывается  тема смерти, бренности и тщеты  земного. Это новое настроение выражено в его «Аркадских пастухах». Философская тема трактуется Пуссеном вроде бы очень просто: действие разворачивается только на переднем плане, как в рельефе,  юноша  и девушка, случайно натолкнувшиеся на надгробную плиту с надписью «И я был в Аркадии» (т. е. «И я был молод, счастлив, беззаботен», но помни о смерти), похожи скорее на античные статуи. Тщательно отобранные детали, чеканный рисунок, уравновешенность фигур в пространстве, ровное рассеянное освещение - все это создает определенный возвышенный строй, чуждый всего суетного и преходящего. Мудрое приятие смерти, стоическое примирение с неизбежным, роднит классицистическое мироощущение с античным.

Лучшими в  творчестве Пуссена последних лет  жизни являются пейзажи. Художник в  природе ищет гармонию. Человек трактуется им как часть природы. Пуссен является создателем классического идеального пейзажа - это не реальная природа, а  сочиненна художником,  ибо только такой она достойна быть предметом искусств. Около 1648 г. Пуссен пишет «Пейзаж с Полифемом», где чувство гармонии мира, близкое античному мифу, проявилось особенно ярко. Игру на свирели усевшегося на скале и слившегося с ней циклопа Полифема слушает не только нимфа Галатея, но вся природа: деревья, горы, пастухи, сатиры, дриады.

Вначале Лоррен писал небольшие работы с пасторальными фигурами на холсте или меди; затем — порты, с заходящим солнцем. Со временем под влиянием художников-классиков его композиции становятся всё масштабнее, с литературными сюжетами (сам Лоррен не получил особого образования — он был самоучкой; тем не менее, читал и писал на французском и итальянском). В позднем периоде работы художника становятся всё более интимными по характеру и отличаются очень деликатной фактурой (часто это эпизоды «Энеиды» Вергилия).

 
С большим мастерством художник изображал игру солнечных лучей  в различные часы дня, свежесть утра, полуденный зной, меланхолическое мерцание сумерек, прохладные тени теплых ночей, блеск спокойных или слегка колышущихся  вод, прозрачность чистого воздуха  и даль, застилаемую лёгким туманом. В его творчестве можно различать  две манеры: картины, относящиеся  к ранней поре его деятельности, писаны сильно, густо, в теплых тонах; позднейшие — более плавно, в холодноватом тоне. Фигуры, которыми обыкновенно оживлены его пейзажи, принадлежат, в основном, не его кисти, а его друзей — Ф. Лаури, Я. Миля, Фр. Аллегри и Н. Колонбеля.

Лоррен, в отличие от Пуссена, выходил за рамки метафизического (читай — академического) пейзажа. В его работах всегда важен свет. Он — первый, кто исследовал проблему солнечного освещения, утреннего и вечернего; первый, кто серьёзно заинтересовался атмосферой, её светонасыщенностью. Его работы оказали влияние на развитие европейского пейзажа, в частности, на Уильяма Тёрнера (нач. XIX века).

В последние десятилетия (1660—80 гг.) Лоррен работает медленнее, но всегда с успехом. К этому периоду относятся эрмитажные «Времена суток». В поздних работах Лоррен сам пишет фигуры. Он их помещает в воображаемые строения; тематически — это вольные интерпретации римских поэтов, особенно Овидия и Вергилия: «Вид берега Делоса с Энеем», 1672 (Национальная Галерея, Лондон), «Парнас» (Музей Изящных Искусств, Бостон).

Последняя работа Лоррена — «Пейзаж с Осканием, стреляющим в оленя» (Музей в Оксфорде) закончена в год смерти художника и считается настоящим шедевром.

 
Картины Лоррена имеются почти во всех крупных галереях Европы. Особенно много их в общественных и частных коллекциях Англии, Лувре, палаццо Дориа в Риме, мюнхенской пинакотеке, Дрезденская галерее и Эрмитаж в Санкт-Петербурге; в последнем находится 12 картин, в том числе «Четыре времени года», едва ли не самые замечательные из всех произведений художника.

30. Характерные черты эпохи Просвещения  (на выбор А. Ватто, Шарден, Ж.  Гудон)

Искусство Франции века Просвещения  развивалось в условиях упадка феодализма, роста и сплочения  демократических  сил общества накануне буржуазной революции.

Деятельность  французских просветителей,  их  философские и политические воззрения  были важнейшим элементом прогрессивной  культуры эпохи. Французская  художественная культура XVIII в. отражала облик эпохи.

В изобразительном искусстве, безусловно, побеждает светское начало, а позднее - гражданское: в борьбе против дословного неравенства  утверждается достоинство  личности. В развитии французского искусства XVIII в. выделяются несколько  этапов:

- первые два десятилетия характеризовались  пестротой принципов, стилей. Рядом  с академизмом развивались декоративные  принципы рококо, но они еще  не сложились в единую систему;

- 1730-1740 гг. развитие стиля рококо, расцвета реализма в бытовом  жанре Шардена и реалистическом  портрете Латура;

- начиная с 70-х годов классицизм становится  ведущим направлением во всех видах искусства.

Архитектура. В XVIII в. строительство переместилось  в города. Потребности эпохи выдвинули  задачу строительства жилого дома - особняка, бирж, торговых помещений, публичных  театров. Единство внешнего и внутреннего  архитектурного облика к началу века распадается.

В отличие от пышности и импозантной  представительности, свойственных дворцам XVII в., теперь в создаваемых особняках, отелях большое внимание уделяется  удобству жизни.

В отелях первой половины XVIII в. наиболее ярко проявилось характерное противоречие зодчества этой эпохи - несоответствие наружной архитектуры декору интерьера. Часто здание строилось одним  архитектором, а оформлялось другим. Период раннего и зрелого рококо знает плеяду мастеров, создавших  изысканные шедевры украшения внутренних помещений (Жиль Мари Оппенор, Жюст Орель Мейссонье и др.). Комнаты в особняках-отелях имели ровные панели, лепные орнаменты, живописные панно: сплошным ковром устилали стены и потолок.

Культовое строительство имело несравненно  меньшее значение, нежели светское. В основном завершались постройки, начатые в предшествующем столетии.

Таковы  церкви Сен Рош (архитектор Роберт и Ж.-Р. де Котт) и Сен-Сюльпис (архитектор Жан Никола Сервандони, 1695-1766).

В связи  с ростом городов идет реконструкция, создаются площади. Одной из площадей нового типа стала площадь в Бордо. Проектировщик и строитель Жак Габриэль (1667-1742). В ХVIII в. возникает площадь, сыгравшая громадную роль в создании ансамбля  парижского центра - нынешняя площадь Согласия. Основным творцом ее был виднейший архитектор Жак Анж Габриэль (1699-17б2). Им также создан Малый Тритон в Версале.

Из сооружений общественного характера, построенных  в  ХVIII в., выделяется, «Хирургическая школа» Жака Гондуэна (1737-1788) и красивейшее здание театра в Бордо, построенного, в. 1775-1780 гг. архитектором Виктором Луи (1731-1807). Массовое здание, в форме прямоугольника поставлено на открытом участке местности. Двенадцатиколонный портик украшает, одну из узких сторон здания театра. На антаблементе портика установлены статуи муз и богинь, определяя назначение здания. Парадная лестница театра, вначале одномаршевая, расчленяется затем на два рукава.

Простая, ясная и торжественная архитектура  театра в Бордо, четкое функциональное решение его внутреннего пространства делают это сооружению одним из наиболее ценных памятников французского классицизма.

Французская скульптура. ХVIII века развивалась иначе, чем в ХVII столетии. Главным образом, решительно меняются тематиками и формы. Развитие скульптуры идёт от принципов рококо к нарастанию черт классицизма.

Монументальность  форм, дух барокко еще живут  в двух группах укротителей коней, исполненных Гийомом Кусту (1678-1746) для увеселительного замка Марли (теперь на Елисейских полях). Изображение королевы Марии Лещинской в образе Юноны говорит о новом эстетическом идеале эпохи: быстрое движение, резкий поворот, нога, обнаженная почти до бедра, - такое изображение никогда не могло появиться в ХVII веке.

Новаторски  подходит к созданию скульпторы молодой Пигалль (1714-1785). Его Меркурий, подвязывающий сандалию, полон прелести, легкости, непосредственности, стремительного движения.

Трудно представить, как бы сложилась творческая  биография такого прекрасного мастера, как Этьен Морис Фальконе, если бы он не был приглажен в Россию, где обрел своего Героя и, проявив талант монументалиста, создал в «Медном всаднике» истинное произведение эпохи.

Младший современник  Фальконе Жан Антуан Гудон (1741-1828) передал в своей портретной галерее духовную атмосферу века.

Среди множества портретов ученых, мыслителей, фигур и бюстов выделяется статуя Вольтера. Скульптор облачил  Вольтера в античную тогу, скрыв  его худое, немощное тело. Но он не поступился правдой и изобразил лицо старика  с ввалившимися щеками, проваленным  ртом. Но в этом: лице напряженно живет  неугасающий, насмешливый ум философа, что в целом превращает произведение в гимн человеческому интеллекту, провозглашает победу бессмертного духа над слабым и бренным телом.

Представителем  стиля рококо в живописи был Жан Антуан Ватто (1684-1721), создавший свой неповторимый образ.

Главная его  тема - галантные празднества: аристократическое  общество в парке, музицирующее, танцующее; праздное («Капризница», «Праздник  любви», «Общество в парке»).

Ватто был  искуснейшим мастером колорита, с  помощью цветовых оттенков он умел передать все тончайшие оттенки  любовного чувства.

Для живописи Ватто характерна театральность, и  он этого не скрывает: действие развертывается на переднем плане, он всегда пишет  кулисы - обрамление главной сцены, как в театре располагает группы фигур.  Это не случайно, так как  театром была вся жизнь.

Подлинным представителем французского рококо стал Франсуа Буше (1703-1770). «Первый художник короля», как он официально именовался, директор. Академии Буше был истинным сыном своего века. Он все умел делать сам: панно для отелей, картины для богатых домов и дворцов, книжные иллюстрации, рисунки обоев, эскизы костюмов и т. д.

Во всех его  произведениях показано откровенно чувственное наслаждение жизнью. Типичные сюжеты - «Триумф Венеры»  или «Туалет Венеры», «Венера  с Амуром», «Щупанье Дианы».

Искусство Ватто  и Буше во второй половине XVIII в. подвергалось резкой критике со стороны Дидро, бывшего теоретиком эстетических идей.

В 60-70-х годах появляется интерес  к голландскому реализму, вызванному влиянием буржуазии.

В русле этих новых эстетических идей развивается  искусство батиста Жан - Батист Симеон Шардена (1699-1779). Шарден начинает с натюрморта, а затем находит свою тему - это вещи кухонного обихода, котлы, кастрюли, бачки («Медный котел», здесь проявляется величайшее живописное мастерство художника).