История искусств

 

Донателло (Donatello) (около 1386–1466) 
 
Собственно, Донато ди Бетто Барди (Donato di Betto Bardi). Итальянский скульптор эпохи Раннего Возрождения. В 1404-1407 учился в мастерской Лоренцо Гиберти. Работал главным образом во Флоренции, а также в Сиене (1423–1434 и 1457–1461), Риме (1430-1433), Падуе (1444–1453), в 1451 посетил Мантую, Венецию, Феррару. Одним из первых в Италии Донателло творчески осмыслил опыт античной пластики и пришел к созданию классических форм и видов ренессансной скульптуры – свободно стоящей статуи, настенного надгробия, конного памятника, “живописного” рельефа. 
 
В творчестве Донателло воплотились свойственные искусству Возрождения поиски новых выразительных средств, глубокий интерес к реальности во всем многообразии ее конкретных проявлений, стремление к возвышенному обобщению и героической идеализации. Ранние произведения мастера (статуи пророков для бокового портала флорентийского собора, 1406–1408) еще отмечены готической скованностью форм, измельченной дробностью линейного ритма. Однако уже статуя Святого Марка для фасада церкви Орсанмикеле во Флоренции (мрамор, 1411–1413) отличается ясной тектоникой пластических масс, силой и спокойным величием. Ренессансный идеал воина-героя воплощен в образе Святого Георгия для той же церкви (мрамор, около 1416, Национальный музей, Флоренция). 
 
Своеобразную галерею остроиндивидуальных портретных образов представляют собой статуи пророков для кампанилы флорентийского собора (мрамор, 1416–1435, Музей собора, Флоренция). В “живописных” рельефах (“Пир Ирода” на бронзовой купели сиенского баптистерия, 1423–1427; рельефы Старой сакристии церкви Сан-Лоренцо во Флоренции, 1434–1443) Донателло создавал впечатление большой глубины пространства с помощью линейной перспективы, точного разграничения планов и постепенного понижения высоты изображения. Ренессансным претворением античных форм отмечены такие произведения Донателло, как надгробие Бальдассаре Коша (антипапы Иоанна XXIII; совместно с архитектором Микелоццо ди Бартоломмео, мрамор, бронза, 1425–1427, баптистерий во Флоренции), в котором использованы античный по форме саркофаг, аллегорические фигуры и ордерное обрамление, алтарь “Благовещение” (так называемый алтарь Кавальканти; известняк, терракота, около 1428–1433, церковь Санта-Кроче, Флоренция) с пышным антикизирующим декором, певческая трибуна флорентийского собора (мрамор с мозаикой и позолотой, 1433–1439, Музей собора, Флоренция) с жизнерадостным хороводом веселящихся путти, статуя Давида (бронза, 1430-е годы, Национальный музей, Флоренция) – первое изображение нагого человеческого тела в статуарной пластике Возрождения. 
 
Работая в Падуе, Донателло создал первый светский монумент эпохи Возрождения – конный памятник кондотьеру Гаттамелате (бронза, мрамор, известняк, 1447–1453) и большой скульптурный алтарь для церкви Сант-Антонио (1446–1450), украшенный рельефными сценами, мастерски развернутыми в иллюзорном пространстве. Поздние, исполненные во Флоренции, произведения Донателло обостренно экспрессивны, отмечены чертами духовного надлома (группа “Юдифь и Олоферн”, бронза, около 1456–1457, площадь Синьории; рельефы кафедр церкви Сан-Лоренцо, бронза, 1460-е годы). 
Влияние Донателло на развитие ренессансного искусства Италии было огромным, его достижения восприняли многие живописцы и скульпторы - П.Уччелло, А. дель Кастаньо, Мантенья, позднее Микеланджело и Рафаэль.

Аллегория Эроса, 1430-е  Национальный музей, Флоренция

Давид, около 1430  Национальный музей, Флоренция Статуя Давида скульптора Донателло изображает юного героя  в мечтательном, созерцательном настроении после победы над Голиафом. чья голова лежит у его ног. Свободная естественная поэа Давида в сочетании с его застенчивым видом и чувственной фактурой бронзы придают статуе жизнь. Величайшим даром Донателло было умение вдохнуть человеческие чувства в классические изваяния. Наряду с другими замечательными скульпторами, архитекторами и живописцами, которые совершили революцию во флорентийском искусстве, Донателло считается одним из создателей ренессансного стиля. Он был любимым художником знаменитого покровителя искусств Козимо Медичи-старшего. До Микеланджело Донателло оставался крупнейшим флорентийским скульптором и, возможно, самым смелым и влиятельным художником Ренессанса. В своей статуе Давида он впервые со времен античности изобразил в бронзе обнаженную фигуру в рост.

 

19. Творчество Рафаэля

Идеи монументального  искусства Возрождения, в которых  слились традиции античности и дух  христианства, нашли наиболее яркое  выражение в творчестве Раффаэлло Санти (Рафаэль)(1483-1520).

Родился он в городе Урбино, одном из центров художественной культуры Италии, в семье придворного живописца и поэта, который и был первым учителем мастера. Затем он учился в мастерской художника Петро Перуджино под влиянием, которого написано «Обручение Девы Марии». Чувство ритма, соразмерности пластических масс, пространственных интервалов, соотношение фигур и фона, согласование основных тонов, создают ту гармонию, которая проявляется в ранних работах Рафаэля.

На протяжении всей своей жизни он ищет гармоничный  образ и стремится воплотить  его в мадоннах. Этим он снискал  себе всемирную славу.

Заслуга художника, прежде всего в том, что он сумел  воплотить все тончайшие оттенки  чувств в идее материнства, соединить  личность и глубокую эмоциональность  с монументальным величием.

Это видно во всех его мадоннах, начиная с юношески робкой «Мадонны Конестабиле», в «Мадонне в зелени», «Мадонне со щегленком» и особенно в вершине рафаэлевского мастерства - в «Сикстинской Мадонне». Если в предшествующих картинах чувствовалась идеализация, то в «Сикстинской Мадонне» она отодвигается на задний план и уступает место трагическому чувству, исходящему от идеально красивой женщины с младенцем - богом, которого она отдает во искупление человеческих грехов.

Взгляд мадонны полон скорбного  предвидения трагической судьбы сына. «Сикстинская Мадонна» - одно из самых довершенных произведений Рафаэля и по языку: фигура Марии  с младенцем, строго вырисовывающаяся на фоне неба, объединена общим ритмом движения с фигурами св. Варвары  и папы Сикста IV, жесты которых обращены к мадонне, как и взгляды двух ангелов.

Но главное в картине - это  тип лица мадонны, в котором античный идеал красоты синтезируется  с духовностью христианского  идеала.

В 1509 г. Рафаэль был приглашен в Рим папой Юлием II для росписи личных папских комнат (станц) в Ватиканском дворце.

Рафаэль расписывает первые две  станцы. В станце делла Сеньятура (комнате подписей, печатей) он написал четыре фрески - аллегории основных сфер духовной деятельности человека: философии, поэзии, богословия и юриспруденции. В эпоху средневековья и раннего Возрождения было принято изображать науки и виды искусства в образе отдельных аллегорических фигур. Рафаэль решил эти темы в виде многофигурных композиций, представляющих иногда настоящие групповые портреты. Именно в этих портретах он воплотил гуманистический идеал совершенного человека.

Официальная программа росписи  станцы делла Сеньятура явилась отражением идеи примирения христианской религии с античной культурой. Художественная реализация этой программы Рафаэлем означала победу светского научала над церковным в искусстве.

Во фреске «Афинская школа», олицетворяющей философию, Рафаэль представил Платона  и Аристотеля в окружении философов  и ученых разных исторических эпох. Их жесты (один указывает на небо, другой на землю) характеризуют различия их учений. Справа в образе Евклида  Рафаэль изобразил своего великого современника архитектора Браманте, далее показаны знаменитые математики и астрономы; у самого края правой группы художник написал себя.

На ступеньках лестницы Рафаэль изобразил основателя школы киников Диогена, в левой  группе - Сократа, Пифагора, на переднем плане в глубокой задумчивости - Гераклита Эфесского.

Размещенные свободно в пространстве, в разнообразных ритме и движении отдельные группы объединены фигурами Аристотеля и Платона. Логика, абсолютная устойчивость, ясность и простота композиции вызывают у зрителя впечатление необычайной цельности и гармоничности.

Если в  «Афинской школе» воспевается непреходящая ценность человеческой мудрости и высокое  служение истине, то, в другой фреске этой же станцы под названием «Парнас» раскрывается стремление людей Возрождения к искусству и красоте, их преклонение перед античной поэзией, их восприятие непосредственной связи культуры античного мира с культурой Возрождения.

В центре композиции античный бог Аполлон в окружении  муз, а на склонах горы Парнас расположились  античные и итальянские поэты.

Во второй станце, называемой «Элиодора», Рафаэль написал фрески на исторические темы, прославляющие римских пап: «Изгнание Элиодора» - на сюжет Библии о том, как кара господня в образе ангела - прекрасного всадника в золотых доспехах - обрушилась на сирийского вождя Элиодора, пытавшегося похитить из Иерусалимского храма золото, предназначенное для вдов и сирот.

Рафаэль, выполняя заказ папы Юлия II, не случайно обращается к этому сюжету. Дело в том, что  в это время французы готовились к походу в Италию и папа напоминает о божьем наказании всех посягающих на Рим. Рафаэль сознательно ввел в композицию изображение самого папы, которого несут в кресле к  поверженному преступнику.

В Риме Рафаэль  пишет много портретов, которые  в отличие от портретов флорентийского периода не ограничиваются передачей  внешнего облика портретируемого, а  раскрывают его духовный облик, устремленность, внутренний мир.

Портрет папы Льва Х с кардиналами - одно из самых значительных произведений Рафаэля этого жанра - представляет собой групповой портрет.

Стремясь возвысить и облагородить образ папы, Рафаэль изображает его  в момент изучения миниатюр старинной  рукописи. В руках у папы лупа (он был близорук). Богато иллюстрированной рукописью Рафаэль стремится  подчеркнуть интерес папы к искусству, его духовные устремления.

К портрету папы Льва Х близок написанный в тот же период портрет кардинала. Это один из самых глубоких психологических  портретов Рафаэля.

На нейтральном фоне выделяется фигура кардинала в ярко-красном  облачении. Он сидит в спокойной позе, устремив серьезный, задумчивый взгляд на зрителя. Перед нами не столько духовное лицо, сколько ученый, В этом портрете Рафаэль создал возвышенный образ благородного и умного, полного сознания собственного достоинства человека.

В 1514 г. Рафаэль был назначен руководителем всех строительных работ в Риме. Много работал как архитектор, мечтал о восстановлении Древнего Рима с его античной архитектурой. Но мечтам не суждено было осуществиться. В расцвете творческих сил в возрасте 37 лет в 1520 г. Рафаэля не стало.

Творчество  Рафаэля знаменует собой одну из вершин мирового искусства. Высокий  идеал Возрождения - прекрасный, гармоничный  человек - был тем идеалом, которому посвятил свое искусство Рафаэль.

Третий величайший мастер Высокого Возрождения Италии - Микеланджело, который намного пережил Леонардо и Рафаэля. Микеланджело жил в  период расцвета и упадка искусства  Высокого Возрождения. Он превзошел  всех художников своего времени по насыщенности образов гражданственным  пафосом, чуткостью к смене общественного  настроения.

20. Леонардо да Винчи как крупнейший  представитель Высокого Возраждения

Виднейшим представителем, воплотившим это отличие в  живописи, был Леонардо да Винчи (1452-1519). Он родился в Анкиано в семье нотариуса. Первым учителем Леонардо был Андреа дель Вероккьо.

Леонардо  был величайшим художником своего времени, гением, открывшим новые горизонты  искусства. Он оставил после себя немного произведений, но каждое из них явилось этапом в истории  культуры. Леонардо известен как человек  разносторонних знаний: его интересовали строительство мостов, мелиорация, архитектура, скульптура, живопись, музыка, математика, астрология и многое другое.

Тысячи страниц  рукописей Леонардо по различным  областям знаний свидетельствуют об универсальности его гения. В  1482 г. Леонардо переехал в Милан. Начал он здесь с большого произведения - «Мадонна в гроте». Это первая монументальная алтарная композиция эпохи Высокого Ренессанса, в которой в полной мере выразились особенности леонардовской манеры письма.

Композиция  картины конструктивна, логична, строго выверена. Группа из четырех человек  образует как бы пирамиду, но жест руки Марин и указующий перст ангела создают внутри картины движение по кругу, и взгляд естественно переходит  от одной фигуры к другой. От обликов  мадонны и ангела исходит покой, но вместе с тем они загадочны, пейзажный фон усиливает волнующую  таинственность.

Высшим достижением искусства  Леонардо была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие на сюжет «Тайной вечери» (1495-1498). Христос в последний раз встречается за ужином со своими учениками, чтобы объявить им о предательстве одного из них: «Истинно говорю вам, один из вас предаст меня». Леонардо изобразил момент реакции всех двенадцати на слова учителя. Эта реакция различна. Замком композиции является фигура Христа, помещенная в центре. Глаза Христа опущены, на лице - покорность высшей воле, печаль, сознание неизбежности ожидающей его судьбы. Остальные двенадцать человек разбиты на четыре группы по три человека в каждой. Все лица освещены, за исключением Иуды, обращенного в профиль к зрителю и спиной к источнику света. Это отвечало замыслу Леонардо: выделить его среди учеников, сделать почти ощутимой физически его предательскую суть.

Для художника  главное - через реакцию людей  раскрыть извечные вопросы человечества: о любви и ненависти, преданности, предательстве и подлости. Вот  почему произведения Леонардо являются современными и сегодня. На картине  «Тайная вечеря» видно, как по-разному  ведут себя люди в момент душевного  потрясения: весь поник, кротко опустив  глаза, любимый ученик Христа Иоанн, судорожно вскинул руки Андрей, схватился за нож Петр, развел в недоумении руки Исаков.