История искусств

Во Флоренции  Леонардо была начата еще одна живописная работа: портрет жены флорентийского купца Франческо ди Джокондо Моны Лизы, ставший одним из великих творений в мире. С созданием этого шедевра портретный жанр стал на один уровень с композициями на религиозные и мифологические темы.

В лице «Джоконды» ощущается волевое начало, напряженная  интеллектуальная жизнь; взгляд ее умный  и пронзительный. В портрете достигнута та степень обобщения, которая, сохраняя всю неповторимость изображенной индивидуальности, позволяет рассматривать образ  как типичный для эпохи Высокого Ренессанса.

Последние годы жизни на родине - это годы скитаний из Флоренции в Рим, из Рима в Милан. В 1515 г. Леонардо по предложению французского короля Франциска I навсегда уезжает во Францию.

21. Микеланджело как один из  титанов Возрождения.

Микеланджело  Буонарроти (1475-1564) родился в Капрезе в семье государственного чиновника. В 1488 г. семья переехала во Флоренцию, где он поступает в мастерскую к Гирландайо, через год - в скульптурную мастерскую при монастыре Сан Марко к одному из учеников Донателло. В эти годы он сближается с Лоренцо Медичи, смерть которого потрясла художника.

Микеланджело  был и скульптором, и живописцем, но приоритет отдавал скульптуре, считал ее наиболее значимой в искусстве.

«Мне всегда казалось, - утверждал Микеланджело, - что скульптура - светоч живописи и  что между ними та же разница, что  между солнцем и луной».

В 1496 г. молодой Микеланджело переезжает в Рим, где создает свои первые произведения, принесшие ему известность: «Вакх» и «Пьета». Буквально захваченный образами античности, Микеланджело изобразил античного бога вина Вакха обнаженным юношей, как бы чуть пошатывающимся, обратившим взор на чашу с вином. Обнаженное прекрасное тело становится главным в творчестве Микеланджело.

Вторая  скульптура - «Пьета» (Оплакивание Христа) - открывает цикл работ мастера на этот сюжет и выдвигает его в число первых скульпторов Италии. В скульптуре «Пьета» Микеланджело изобразил Христа распростертым на коленях Марии.

Молодое, прекрасное лицо мадонны скорбно, но очень сдержанно. Чтобы расположить  большое мужское тело на коленях  мадонны, скульптор увеличивает  количество складок плаща, спадающего с колен Марии. Фигуры образуют в  композиции пирамиду, сообщающую группе устойчивость и законченность. Хотя в этой скульптуре и есть не свойственная эпохе Возрождения внутренняя напряженность, но господствующими в ней являются черты, присущие Высокому Ренессансу: целостность героического образа, классическая ясность монументальною художественного  языка.

Возвратившись в 1501 г. во Флоренцию, Микеланджело создает фигуру Давида из испорченной до него мраморной глыбы. В 1504 г. Микеланджело закончил пятиметровую статую Давида, поставленную перед городской ратушей. Открытие памятника превратилось в народное торжество. Образ Давида привлекал многих художников. Если художники кватроченто изображали его мальчиком, то Микеланджело изображает Давида юношей в полном расцвете сил и не после сражения, а перед ним, в момент наивысшего напряжения сил. В прекрасной голове Давида, в его суровом лице со сдвинутыми бровями скульптор передал титаническую силу страсти, непреклонную волю, гражданское мужество, безграничную мощь свободного человека. Флорентийцы видели в Давиде близкого им героя, гражданина республики и ее защитника.

Выражая всеобщий восторг, Вазари писал, что  гигантская статуя Давида, исполненная  Микеланджело, «отняла славу у  всех статуй, современных и античных, греческих и римских».

В 1513-1516 гг. Микеланджело исполняет фигуру Моисея и рабов для гробницы папы Юлия П.

Образ Моисея - один из самых сильных в творчестве зрелого мастера. Он вложил в него мечту о вожде мудром, смелом, полном титанических сил, экспрессии, воли - качеств, очень нужных для  объединения его родины.

С 1520-1534 гг. Микеланджело работает над одним из значительных и трагических скульптурных сооружений - над гробницей Медичи, выражающей все переживания, выпавшие в этот период на долю самого мастера, его  родного города и всей страны.

Микеланджело  создал замечательные творения и  в области живописи. В 1508-1512 гг. он занимался росписью купола Сикстинской  капеллы.

Центральную часть потолка Микеланджело посвятил сценам священной истории, начиная  от сотворения мира. В девяти центральных  композициях развертываются события - первых дней творения, история Адама  и Евы, всемирный потоп, и все  эти сцены по сути являются гимном человеку, заложенным в нем силам, его мощи и его красоте. Бог – это, прежде всего, творец, не знающий преград на пути к созиданию. Главными выразительными средствами Микеланджело являются подчеркнутая пластичность, чеканность и ясность линии и объема.

 В 1535-1541 гг. Микеланджело выполняет вторую  часть работы в Сикстинской  капелле-росписи «Страшный суд». Это было грандиозное творение, выразившее трагедию рода человеческого.  Творящий суд, карающий Христос,  помещен в центре композиции, а вокруг него в круговом  движении изображены низвергающиеся  в ад грешники, возносящиеся в  рай праведники, встающие из могил  на божий суд мертвецы. Все  полно ужаса, отчаяния, гнева,  смятения. Даже Мария, вступающаяся  за людей, боится своего грозного  сына и отворачивается от его  руки, неумолимо отделяющей грешников  от праведников. 

Живописец, скульптор, поэт, Микеланджело был также  и гениальным архитектором.

Им исполнена  лестница флорентийской библиотеки Лауренцианы, оформлена площадь Капитолия в Риме. Микеланджело умер в Риме в возрасте 89 лет. Тело его было вывезено ночью во Флоренцию и погребено в старейшей церкви родного города Санта Кроче.

Историческое  значение искусства Микеланджело, его  воздействие на современников и  на последующие эпохи трудно переоценить.

22. Венецианская школа живописи эпохи Возрождения. Творчество Джорджоне, Тициана  

Венеция –  знаменитая торговая республика, «царица  морей». Посредине города проходит Большой канал, по берегам которого высятся великолепные дворцы и общественные здания. Перед Дворцом дожей –  знаменитая площадь – Пьяцетта. Одну из колонн на площади венчает статуя крылатого льва – символ евангелиста Марка, покровителя Венеции. Сам Дворец дожей – единственный образец соединения византийского и готического стилей. Здесь помещалось правительство республики. Справа от Дворца дожей расположены трехэтажный монетный двор, библиотека и знаменитая кампанилла, служившая ориентиром входящим в гавань кораблям. На галерее развевался алый флаг с изображением золотого льва – герба города. Свет, вода и небо – вот что придает Венеции неповторимость. 
    Живописная школа Венеции впитала в себя чувственное восприятие мира, создала пейзаж. Венецианцев отличает удивительное чувство колорита. 
Только Венеция после кризиса Высокого Возрождения удержала еще на сто лет высоту достигнутого идеала. Венецианская живопись начала 16 века носила откровенно светский характер. Уже в конце 15 века вместо икон в Венеции появились небольшие станковые картины, удовлетворявшие индивидуальным вкусам заказчиков. Художников интересует теперь не только человек, но и его окружение, пейзаж. Великолепный колорит северо-итальянской живописи, яркость, насыщенность и праздничность цветов картин, гармоничность и мягкость большой палитры тонов превращали работы венецианских мастеров в усладу для глаз зрителей. Ее знаменитые художники смогли создать свой неповторимый, живописный стиль, проникнутый чувственной любовью к жизни, а произведения Тициана стали поистине поразительным свидетельством взлета человеческого духа. 
Джорджоне (1477 – 1510) 
Глубокий лирик, созерцатель мира, создатель реалистического пейзажа в европейской живописи. Наиболее загадочная фигура среди гениев Венеции Джорджоне родился в небольшом городке Кастельфранко-Венето недалеко от Венеции. Он был учеником Джованни Беллини и усвоил себе глубину и блеск его тёплого колорита, даже превзошёл его в этих качествах и первый из всех итальянских живописцев стал отводить в религиозных, мифологических и исторических картинах важное место поэтически-придуманному, красивому, не чуждому натуральности пейзажу. 
   Основной период творческой деятельности Джорджоне приходится на первое десятилетие XVI века. 
Техника масляной живописи, к которой обратился Джорджоне, позволяла ему в полной мере передавать плавные цветовые переходы, насыщенные пятна цвета, сгущающиеся тени и мягкие очертания фигур и предметов. В этом заметно влияние Леонардо да Винчи. 
«Юдифь» (Эрмитаж) 
   На полотне предстает молодая мечтательная девушка. Но в ее руке тяжелый меч, которым она отрубила голову врагу своего народа Олоферну. Она как бы удивленно и осторожно наступает на голову врага. Торжествуют теплые краски, в первую очередь – красный со всеми оттенками. Этот цвет напоминает нам о пролившейся крови. Ранний рассвет удивительно гармонирует с несколько загадочной картиной. Сохраняя свойственные искусству Раннего Возрождения ясность объемов и мелодическую выразительность контуров, Джорджоне с помощью прозрачной светотени добивался зрительного слияния человеческих фигур с пейзажем. 
   «Гроза» 1505 г. 
Небольшая картина – один из самых загадочных шедевров Возрождения. Впервые в европейской живописи пейзаж занял главное место на полотне. Загадочен сюжет. На этой большой картине изображен ручей, несколько руин, деревья и, в глубине, деревня под грозовым с проблесками молний небом; слева стоит молодой солдат, справа - сидящая обнаженная фигура женщины с ребенком. Может быть, молодая мать – нимфа, тайно родившая ребенка, но и ее, и ее ребенка, и отца ребенка (возможно, молодой воин слева) ждала смерть. Об этом напоминают две сломанных колонны – символ насильственно пресекшейся жизни. Но главное – сама атмосфера приближающейся грозы, которую еще не видят и не чувствуют персонажи. На заднем плане мы видим совершенно пустынный город, на крыше которого есть только один обитатель – аист – символ чистоты и целомудрия в христианстве. Он тоже не чувствует приближения грозы. С этим белым цветом гармонирует белая рубашка воина и белое покрывало матери. Но подлинным героем «Грозы» является природа, с ее непредсказуемыми явлениями и изменчивыми состояниями; человек оказывается лишь частью природы, и даже надвигающийся ураган не может отвлечь его от вечного разговора с самим собой. 
   «Спящая Венера» 1508 – 1510) Дрезденская галерея. 
В 1500 году Джорджоне встретился с Леонардо да Винчи. Эта встреча произвела на него огромное впечатление. Художник увлекся поиском новых приемов передачи света и тени, воспринял знаменитое сфумато Леонардо. На основе этих размышлений он создал совершенно новое для того времени произведение, в котором главное – мягкий лиризм. 
Впервые после Боттичелли мы видим изображение обнаженного женского тела. Именно это произведение станет образцом для бесчисленных подражаний. Глаза богини закрыты: она спит или грезит. Безупречное тело богини написано очень мягкими линиями, волнистые линии обнаженного тела отвечают мягким изгибам холмов. Влияние Леонардо чувствуется в мягкой светотени, плавных очертаниях форм, в передаче складок одежды. Джорджоне полностью овладел техникой масляной живописи, о чем свидетельствует мастерская игра света и тени на складках ткани. Белая ткань помогает выделить теплые тона, которыми написано тело. Богиня поразительно вписана в пейзаж, и это достижение венецианцев станет вскоре общеевропейским. Пустынный город на заднем плане напоминает нам «Грозу» и создает ту же атмосферу загадочности и недосказанности. 
   Сохранилось всего пять картин этого молодого гения, который умер от чумы в возрасте 32 лет, но их достоинства ставят его в ряд величайших живописцев Возрождения.

Тициан (1488? – 1576) 
Величайший живописец венецианской школы

Этого гения  отличали вера в идеалы гуманизма, в волю и разум человека, в его возможности, любовь к жизни во всех ее проявлениях. 
Он родился в небогатой семье к северу от Венеции. Учился в мастерской Беллини вместе с Джорджоне. Быстро овладел открытиями Раннего Возрождения и вскоре сам стал создавать свой стиль. Уже первые работы принесли художнику известность. 
Идеал земной, телесной красоты и любовь мастера к игре с различными фактурами получили воплощение в картине «Любовь земная и небесная». 
«Динарий кесаря» (Дрезденская галерея) 
На небольшой картине мы видим Христа, которого искушаю фарисеи. Они спросили его, должно ли платить дань кесарю (римскому императору). Кто изображен на монете? – спросил Христос. Кесарь – ответили ему. Отдавайте кесарю кесарево, а Богу – богово, –ответил Иисус. Перед нами столкновение благородства и хитрости, алчности, жестокости. Фигуры противопоставлены и цветом: Светлое, немного бледное благородное лицо Христа противостоит загорелому, хищному лицу фарисея. Выразительна серьга в ухе последнего. Его руки цепко держат монету, а Иисус мягко показывает на нее. Колористическое мастерство Тициана сказывается в том, как написана ткань одежд Христа. 
   «Вакх и Ариадна» 1522 – 1523 г. 
Дочь критского царя Миноса Ариадна встретила на прогулке бога вина Вакха и полюбила его. Он сразу же влюбился в девушку. Торжеству любви посвящено это мифологическое полотно Тициана. Внезапная пылкая страсть передана сочетанием сияющих, глубоких красок. Это венецианская живопись во всем ее блеске. Розовый цвет накидки Вакха и красный пояс Ариадны связывают героев. Над Ариадной облако закручивается подобно накидке Ариадны, а над Вакхом напоминает положение его одежды. Гепарды, которыми запряжена колесница Вакха, обмениваются взглядами, повторяющими взгляды влюбленных. Сатиры и менады с бубнами и рогами сопровождают Вакха, но мысленно он уже с Ариадной. Фигуры спутников напоминают знаменитые греческие скульптуры: Лаокоона, Атланта Вверху слева мы видим созвездие Ариадны, в которое превратился ее венец, подброшенный Вакхом. Античный сюжет передан художником с потрясающей яркостью. 
   Картину Тициана «Венера Урбинская» 1538г. можно сопоставить с «Спящей Венерой» Джорджоне: у Тициана богиня изображена проснувшейся, она полулежит на своем ложе в изысканно убранной комнате. Прекрасная женщина представлена величавой, исполненной чувства собственного достоинства, но ее изображение уже не вызывает ощущения тайны, как в картине Джорджоне. 
Портрет в творчестве Тициана. 
   «Павел Третий с племянниками». (45 – 46 гг.) 
Это настоящий документ эпохи, на котором запечатлены, с одной стороны – дряхлость, подозрительность, былая власть и полная старческая слабость, а с другой - эгоизм, лицемерие, алчность. Точная характеристика при портретном сходстве отличают эту картину, на которой племянники папы как будто окружили его и ждут, когда же он, наконец, умрет, оставив им наследство. 
   «Карл Пятый в битве при Мюльберге» (1548 г.) Император заказал Тициану свой портрет в ознаменование победы, одержанной над протестантами в 1547 году. Это первый парадный конный портрет в европейской живописи. 
   Император запечатлен в парадных доспехах, при изображении которых Тициан показывает чудеса работы с масляной краской. Парадный портрет требовал, чтобы художник изобразил персону при всех ее регалиях, поэтому Тициан изображает императора с Орденом Золотого руна и алой перевязью. На заднем плане мы видим подножие гор и грозовое небо, написанные широко и свободно. Картина поражает колористическим богатством, в чем так сильны были венецианские мастера. 
   Поздний Тициан 
В поздних картинах художника уже нет прежнего колористического богатства, но именно в них он достиг наивысшего мастерства. Для него характерны работа более жидкими красками и звучные, как бы тлеющие изнутри цвета, подчиняющиеся игре света. Метод наложения плотных слоев краски резкими, прерывистыми мазками, смешение которых обретает определенные формы только при взгляде с достаточного расстояния, обусловил интерес многих художников 19–20 вв. к творчеству мастера. Это было время трагических размышлений художника о мире и человеке. Такой же период пережил во второй половине своей жизни Микеланджело. Два полотна передают нам характер поздней живописи Тициана. Оба они находятся в нашем Эрмитаже. 
   «Кающаяся Магдалина» 
Вечерние, ночные краски. Заплаканные глаза грешницы подняты к небу. Она читает Библию, которая лежит на черепе. Череп написан удивительно: всего несколько мазков белил по черному фону. Он напоминает о тленности всего в мире. Рука Магдалины прикрывает тканью обнаженную грудь. Кажется, что героиня находится где-то в пещере. Кувшин, книга и череп – вот и все убранство ее жилища. Грозовое небо напоминает о расплате за греховную жизнь. 
«Святой Себастьян» – это трагический крик о несовершенстве мира. В последние годы Тициан, отбрасывая кисть, наносил краску рукой, чтобы передать всю грубость и несовершенство этого мира. Таков и «Святой Себастьян». Пронзенный стрелами юноша кричит не от боли, а от того, что страшен мир вокруг него. Какой-то костер слева внизу, темные клубы дыма, желтое грозовое небо на фоне. Нет уже звонких красок. Вся картина создана в одной, почти монохромной гамме. Подобно Шекспиру, Тициан поднимается до осознания трагичности этого мира. Огромная жизнь Тициана завершилась в то время, когда в Европе уже прочно господствовала католическая реакция, но свои творчеством он сумел сохранить лучшие идеалы Возрождения. Таким, мудрым, верящим в разум человека, в его способности предстает перед нами художник на своем последнем автопортрете. 
Тициан продолжал активно работать до конца жизни, и pieta, которую он написал для собственной гробницы и которая осталась незаконченной, представляет собой одно из замечательнейших завещаний, когда-либо оставленных художником миру.

23. Особенности изобразительного  искусства в архитектуре Италии  ХVII в.Развитие барокко в Италии. Творчество Бернини

С начала XVII в. в Центральной Европе идет процесс  интенсивного образования  национальных  абсолютистских государств. Это, и определило характер новой культуры, которую  принято в истории искусства  связывать со стилем барокко, но которая не исчерпывается только этим  направлением. XVII век - это не только искусство барокко,  но  и классицизм, и реализм.

Если  мировоззрение Ренессанса строилось  на безграничной вере в гармонию мира, в силу и волю человека-героя, в  то, что человек - мера всех вещей, то в XVII в. оно пронизано ощущением  трагического противоречия человека и  мира, в котором он нанимает совсем не главное место,  а растворен  в его многообразии, подчинен среде, обществу, государству. Наука и искусство уже не идут рука об руку,  никогда не объединяются в одном лице.

Отражая сложную атмосферу времени, барокко  соединило в себе, казалось бы, несоединимые элементы. Черты мистики, фантастики, иррациональности уживаются  в  нем  с трезвостью и рассудочностью,  с  бюргерской деловитостью. При  всей противоречивости барокко имеет  свою систему изобразительных средств  и специфические черты:

- в религиозной тематике преобладают  сюжеты чудес и мученичества  с ярким проявлением гиперболичности,  эффектности, патетики;

- величавость, сдержанность искусства  Ренессанса сменяется любовью к динамике;

- преобладают контрастность, асимметрия, тяготение к грандиозному, перегруженность декоративными мотивами;

- для барокко характерна живописная  иллюзорность, желание обмануть  глаз, тяга к ансамблю, к организации  пространства: городские площади,  дворцы, лестницы, фонтаны, бассейны  построены по принципу синтеза   архитектуры  и скульптуры;

- барокко в живописи предпочитает  линии живописное пятно, массу,  светотеневые контрасты, с помощью  которых и создается форма.  Оно нарушает принципы прямой  линейной перспективы, которой  столько сил отдали художники  кватроченто;

- натюрморт и пейзаж становятся  самостоятельными жанрами изобразительного  искусства.

Парковые  и дворцовые ансамбли, культовая  архитектура, декоративная живопись и  скульптура, наводящиеся в тесной зависимости от архитектуры, доказательный (репрезентативный) портрет становятся основными видами

искусства барокко.

Барокко, прежде всего, утверждалось в искусстве  тех стран, где торжествовали  феодальные силы и католическая церковь. Так, этот стиль проявился в архитектуре  Италии, затем Испании, Португалии, Фландрии. В XVII в. барокко нашло своеобразное развитие в России. Ни во Франции, ни в Голландии барокко не получило широкого распространения.