Современный дизайн становление промышленного дизайна в США. Пионеры американского дизайна

Современное искусство и дизайн. Поп-арт и хай тек

Дизайн, будучи видом деятельности, тесным образом  связанным с художественным творчеством, неоднократно за свою историю испытывал более или менее сильное влияние со стороны различных художественных течений. Можно вспомнить влияние художников модерна на пионеров дизайна, влияние авангардных течений в живописи на конструктивистов 1920-30-х гг. В середине XX столетия дизайнеры также не переставали черпать идеи в новейших течениях современного искусства.

Одним из самых  ярких явлений в искусстве XX в. был поп-арт. Он возник в середине 1950-х гг. в США, а расцвет его наступил на десять лет позднее. Считается, что поп-арт возник в противовес абстрактному экспрессионизму, который порвал последние связи с видимой реальностью. Молодые художники стали обвинять его в том, что он сделал искусство утонченным развлечением высших классов, лишенным связи с действительностью. В 1951 г. была издана антология дадаизма, одного из авангардных направлений живописи начала XX в. Методы Дада - коллаж, комбинирование реальных объектов на холсте - вдохновили молодых художников на новое «опредмечивание» живописи и уничтожение границ между искусством и реальностью.

Основоположниками нового течения стали Джаспер  Джонс и Роберт Раушенберг, хотя предпосылки для его возникновения заложил еще до Первой мировой войны известный провокатор от искусства Марсель Дю шан. Современник Пикассо и Малевича, он в свое время продемонстрировал на выставке обычный белый унитаз, который был объявлен «готовым объектом». Именно он может по праву считаться первым объектом поп-арта.

Классики  поп-арта выражали типичные постмодернистские  идеи: отсутствие личностного начала в творчестве, сведение произведения к простой комбинации готовых элементов. Роберт Раушенберг сочетал покрытые масляной краской плоскости и куски фотографий, вырезки из газет и реклам и самые неожиданные предметы. Рой Лихтенштейн делал в огромном увеличении серии картинок наподобие комиксов. Иногда такая картинка была настолько огромна, что воспринималась как абстракция.

Не менее  знаменитым представителем поп-арта стал Клас Ольденбург, прославившийся созданием предметов, существующих в реальности, но переиначенных им с большой долей юмора. Еще когда он работал ночным мойщиком посуды, ему пришла мысль сделать еду произведением искусства. В 1961 г. он выставил целый ряд гипсовых пирожных, раскрашенных в яркие, сочные краски. В дальнейшем он стал делать огромные, размером с автомобиль, гамбургеры и куски торта, сшитые из плюша и парусины.

Из гипса  сделаны также произведения Джорджа  Сигела - это помещенные среди настоящей мебели белые человеческие фигуры в натуральную величину - все без исключения дряблые, неуклюжие и некрасивые. Справедливости ради стоит отметить, что подобные произведения отпугивали публику и критиков своей неординарностью и безысходностью.

Творчество  всех этих художников критики единодушно отнесли к поп-арту, хотя сами художники, работавшие в стиле поп-арт, никогда не объединялись в группу,;не сочиняли творческих манифестов. Критики же заговорили о поп-арте, благодаря Энди Уорхолу (1928-1987). Признанный король поп-арта, он сделал из себя не просто известного художника, но одну из икон западной массовой культуры XX в.

Энди Уорхол (настоящее  имя - Андрей Вархола) родился и вырос  в Питтсбурге в семье бедных эмигрантов из Словакии. Мать Энди, Юлия Вархола, была художницей примитивистского толка. Энди учился в Технологическом институте Карнеги в Питтсбурге, а в 1949 г. после окончания института переехал с матерью в Нью-Йорк. Здесь он пишет акварели и ищет заказы, создавая торговую рекламу и выполняя коммерческие заказы. Он сотрудничал со многими модными журналами, в том числе «Bor» и «Харпер'с Базар».

В начале 1960-х гг. Уорхол начинает использовать главный прием поп-арта: умножение образа одного персонажа или предмета, причем заимствованного. В 1963 г. он создает программную черно-белую шелкографию «Тридцать лучше, чем одна» - 30 репродукций Джоконды на одном холсте. Из этого же приема мультипликации вырастает нескончаемая серия шелкографий 1962 г. с изображением долларов- Эти работы имели большой успех у публики, коллекционеры стали жадно раскупать их.

Уорхол делает серию  «портретов замечательных людей», среди  которых наиболее знаменито изображение Мэрилин Монро. Первый ее портрет работы Уорхола был основан на кадре из фильма «Ниагара» 1953 г. Отдельная работа 1962 г. называлась «Губы Мэрилин Монро».

Героями других работ были Элвис Пресли, актер  Уоррен Битти, Жаклин Кеннеди (четыре изображения, сделанные из фотографий Жаклин на похоронах мужа, назывались «Джеки»). В 1980-е гг. создается серия «Америка Первая», в которую входят портреты Джона Кеннеди, Ричарда Никсона, Джимми Картера, Мухаммеда Али, опять Жаклин Кеннеди, Элизабет Тэйлор и Элвиса Пресли. Все работы, едва они выходят из студии Уорхола, мгновенно получают статус классических и великих.

Еще большую  известность Уорхолу обеспечила серия «замечательных американских предметов». Среди них - «Три бутылки кока-колы», своеобразная антиреклама «Тунец - ядовитые рыбные консервы» и другие изображения «символов» Америки. Самый же знаменитый предмет, который Уорхол нашел в море товаров и обессмертил, - банка супа «Кэмпбелл». Она изображалась им и отдельно, и группами. Самое раннее концептуальное и крупное из всех изображений - полотно под названием «Campbell's Soup Can», созданное в 1961-1962 гг. и составленное из 32 рисунков, каждый размером 50,8 х 40,7 см. На каждом рисунке изображена жестяная банка, однако названия не повторялись, а слегка варьировались, демонстрируя весь торговый ассортимент.

Именно после  «суповой» серии модный, но до тех  пор еще не знаменитый Уорхол произвел в Нью-Йорке художественный фурор. И именно с этого момента он навсегда стал королем поп-арта - с 1961 г., когда он впервые догадался сделать из банок супа, которыми завалены универсамы, объект искусства.

К 1968 г. Уорхол был уже признанным мастером поп-арта. Его выставки с успехом проходили по всему миру, в Америке не было художника популярнее - за одну из его картин на аукционе заплатили $ 60 тысяч.

Искусство поп-арта тесно переплеталось с искусством торговой рекламы, ставшей неотъемлемой частью американского образа жизни. Громкие имена художников помогали продавать товар. Энди Уорхол стал кумиром промышленников, ведь именно он в своем творчестве поднял изображение товаров до уровня икон. Подписанные им банки консервов раскупались моментально. Таким образом, поп-арт в Америке органично слился с рекламным бизнесом, который в Соединенных Штатах развился до высот настоящего коммерческого искусства.

В Европе поп-арт  еще какое-то время пытался существовать как чистое искусство. Француз Ив Клайн, совсем не умеющий рисовать, обливал женщин синей краской и валял их по холсту, выставляя получившиеся картины на выставках. Христо прославился грандиозными проектами упаковки зданий в мешковину. Жан Тэнгли создавал механизмы, которые сами себя разрушали. Но все это тяготело к постмодернизму и концептуализму. Америка же благополучно переварила поп-арт, сделав его одной из составляющих массовой культуры.

Основные  идеи поп-арта сразу были взяты на вооружение разного рода дизайнерами и изготовителями. Появилась мебель в виде женских тел, обои, состоящие из долларовых купюр, и прочее. Идея лепить кадры комиксов на майки и футболки посетила дизайнеров одежды почти сразу же после изобретения Лихтенштайна. Майки с кадрами из комиксов можно купить и по сей день. Они по-прежнему остаются модной вещью.

Промышленные  дизайнеры и художники действовали  здесь в теснейшей взаимосвязи: первые создавали проекты товаров для промышленного производства, вторые делали из них фетиши, ставшие символами общества потребления.

Таким образом, идеи художников поп-арта получили свое воплощение в жизни, ведь все они пытались работать в «прорыве» между жизнью и искусством. Они предложили изображать окружающие человека повседневные предметы и технические изделия, примитивные образы национальных фетишей, объекты телевизионной рекламы, современную городскую среду - в надежде сделать искусство понятным широкому зрителю, сделать его популярным. Отсюда и сокращение «поп» в названии направления.

В 60-х гг. XX в. еще одно направление в искусстве, на этот раз в архитектуре, оказало значительное влияние на дизайнеров. Речь идет о стиле хай тек, название которого произошло от английского словосочетания high technology - высокие технологии. Его создатели искали вдохновения в произведениях архитектуры 1920-1930-х гг., главным образом в произведениях конструктивистов. Хай тек в архитектуре прежде всего ассоциируется с обилием стекла в сочетании с металлическими конструкциями.

Одним из первых знаменательных явлений хай тека миру был знаменитый Центр Жоржа Помпиду, более известный под именем «Бобур». Авторами проекта были два молодых и никому тогда еще не известных архитектора - итальянец Ренцо Пьяно и англичанин Ричард Роджерс. Их замысел как нельзя лучше отвечал требованиям конкурса на сооружение Центра: создать музей, куда бы ходил весь Париж, - и это при том, что в конце 1960-х - начале 1970-х гг. музеи скорее ассоциировались с пыльными заведениями для образованной элиты. По замыслу президента Франции Жоржа Помпиду, объявившего конкурс, новый Центр должен был стать таким пространством, в котором нашлось бы место не только музею, но и библиотеке, кинозалам, студии детского творчества, кафе, книжным магазинам и так далее. До окончательной реализации проекта Помпиду не дожил, но Центр, открывшийся в 1976 г., был назван в его честь.

Это строение из стекла, металла и бетона называют «городской машиной» - все трубопроводы вынесены наружу и окрашены в разные цвета в соответствии со своим назначением, что создает впечатление красочной нарядности. Лестницы заменены эскалаторами, заключенными в прозрачные трубы, находящиеся также снаружи здания. Таким образом, различные внутренние коммуникации, необходимые для эксплуатации здания, превращаются в архитектурные элементы, участвующие в формировании облика всего сооружения. Этот принцип является основополагающим для стиля хай тек.

В архитектурную композицию зданий хай тек активно включает элементы их инженерного оборудования: воздуховоды, трубопроводы, вентиляционные шахты, а все элементы обстановки подчиняются функциональному назначению. Большинство элементов инженерного оборудования открыты, а конструктивные узлы, крепеж, всевозможные сочленения и заклепки, обилие стеклянных и металлических деталей являются своеобразным декором.

Облик хайтековского  здания приобретает «технотронный» вид за счет использования различного рода аксессуаров. При разработке своих проектов архитекторы хай тека часто используют источники, которые находятся далеко за пределами строительной индустрии. Например, они применяют разработки дизайнеров авиастроительных и автомобильных компаний, копируют конструкции мостов и промышленных предприятий. Излюбленный металл этого стиля - алюминий.

Для оформления жилых интерьеров в стиле хай  тек применяются конструкции, свойственные промышленным зданиям, металлические каркасы и технические коммуникации. Напоказ нарочито выставляются трубы, арматура, воздуховоды, лифты, перемычки, балки, кабели. Такая конструкционная открытость создает сложное структурирование пространства. Адепты стиля не стесняются демонстрировать публике то, что обычно принято прятать, - архитектурные и сантехнические элементы. Чаще всего функциональной нагрузки эти элементы не несут, но являются выразителями образного ряда. Здесь они не просто участвуют в создании интерьера - они его основа. Функция предмета выставляется напоказ и сама становится элементом дизайна.

Для этого  направления характерны прямые стремительные  линии, резкие формы, использование новейших технологий, материалов и оборудования. Однако существует множество изящных интерьеров, созданных под влиянием эстетических идеалов хай гека.

Материал  всегда определял специфику творчества художника и ремесленника: гончара, кузнеца, краснодеревщика и т. д. XX в. принес с собой новые материалы. Сегодня нас повсюду окружают изделия из металлоспла-вов, полиэтилена, полиуретана и других различных соединений органической химии, композитов, делающих керамику прочнее металла, стекло -легким и небьющимся, как пластик, а металл по теплопроводности таким же, как стекло и керамика.

Хай тек в  дизайне - стиль, пропагандирующий эстетику материала, причем всегда самого современного материала. Наиболее распространенными являются стекло, металл (они в отделке помещения являются основными), бетон, камень, натуральное дерево. К этому могут добавляться открытая кирпичная кладка и разнообразные современные синтетические материалы. Никаких особых ограничений у стиля нет. Главное здесь - принцип техногенности, потому что хай тек родился как производственный стиль. Полное отсутствие украшений в интерьере компенсируется «работой» фактуры: игра света на стекле, рисунок натуральной древесины, блеск хромированных труб, стержней и металлических полированных поверхностей. Демонстрируются высокие качества пластиков, легких сплавов, новых композитных материалов, цветных блестящих и прозрачных поверхностей.

Мебель хай тек монтируется из стандартных металлических элементов, выпускаемых для стеллажей заводских складов, раздевалок в бытовках промышленных предприятий, различных контейнеров, ящиков, лотков. В число предметов мебели стали вводить автобусные, самолетные и даже зубоврачебные кресла, а в качестве бытовой посуды - использовать лабораторное стекло. Очень эффектно использование в интерьере жилища промышленных и медицинских светильников. Эффект достигается за счет как нетрадиционной формы, так и характера освещения.