Жизненный и творческий путь Джузеппе Верди (1813 –1901)

   В душе Аиды отчаяние сменяется бурной радостью, а затем мольбой о  смерти. Вокальный стиль более  ариозный, с преобладанием скорбных, молящих интонаций (например, ариозо «Прости и сжалься», основанное на печальной лирической мелодии, звучащей на фоне арпеджированного аккомпанемента). В этом дуэте Верди использует «прием вторжения» – как бы в подтверждение торжества Амнерис в его музыку врываются звуки египетского гимна «К берегам священным Нила» из I картины. Еще одна тематическая арка – тема «Боги мои» из монолога Аиды из I действия. 

   Развитие  дуэтных сцен всегда обусловлено  конкретной драматургической ситуацией. Примером могут служить два дуэта из 3 д. Дуэт Аиды с Амонасро начинается их полным согласием, что выражается в совпадении тематизма (тема «Возвратимся мы скоро в край родной» звучит сначала у Амонасро, затем у Аиды), но его итогом становится психологическое «отдаление» образов: Аида морально подавлена в неравном поединке. 

   Дуэт  Аиды с Радамесом, наоборот, начинается контрастным сопоставлением образов: восторженные возгласы Радамеса («Опять с тобой, дорогая Аида») противопоставлены  скорбному речитативу Аиды. Однако, через преодоление, борьбу чувств достигается радостное, восторженное согласие героев (Радамес в любовном порыве решается бежать с Аидой). 

   В виде дуэтной сцены выстроен и  финал оперы, действие которого разворачивается  в двух параллельных планах – в  подземелье (прощание с жизнью Аиды и Радамеса) и в храме, расположенном над ним (молитвенное пение жриц и рыдания Амнерис). Всё развитие финального дуэта направлено к прозрачной, хрупкой, устремленной ввысь теме «Прости, земля, прости, приют всех страданий» (№ 268). По своему характеру она близка лейтмотиву любви Аиды. 

   Массовые  сцены. Психологическая драма в  «Аиде» разворачивается на широком  фоне монументальных массовых сцен, музыка которых рисует место действия (Африка) и воссоздает суровые величавые  образы древнего Египта. Музыкальную основу массовых сцен составляют темы торжественных гимнов, победных маршей, триумфальных шествий. В I действии две такие сцены: сцена «прославления Египта» и «сцена посвящения Радамеса». 

   Главная тема сцены прославления Египта – торжественный гимн египтян «К берегам священным Нила», который звучит после того, как фараон объявил волю богов: египетские войска поведет Радамес. Все присутствующие охвачены единым воинственным порывом. Особенности гимна: чеканность маршевого ритма, оригинальная гармонизация (ладовая переменность, широкое использование отклонений в побочные тональности), суровый колорит. 

   «Сцена  посвящения» – это 2 картина оперы, отличающаяся яркой восточной (ориентальной) окраской. Для того чтобы создать  ощущение ориентализма Верди использует:

     тембровую красочность (арфы в  молитве великому богу Ра, ансамбль  трех флейт в священном танце);

     изысканно-красочные созвучия и  нетрадиционные гармонические обороты;

     узорчатость и прихотливость  мелодического и ритмического  рисунка, обилие пониженных ступеней, гармонический и мелодический мажор, ладотональную переменность. 

   Яркий пример ориентального тематизма  – молитва великой жрицы (№245). Эта печальная заунывная мелодия  с пониженными ступенями лада, ум.З, с изменчивым ритмом, несколько раз чередуется с сосредоточенным хоралом жрецов, а своеобразным продолжением ее является священный танец жриц, по музыке очень близкий молитве и в той же тональности. 

   После величественного речитатива Рамфиса  следует торжественный хор жрецов «Боги, победу дайте нам». Мощное нарастание приводит к кульминации – одновременному звучанию хора жрецов и молитвы жриц. 

   Самая грандиозная по масштабу массовая сцена  «Аиды» – финал 2 действия. Как и  в сцене посвящения, композитор использует здесь самые разнообразные элементы оперного действия: пение солистов, хор, балет. Наряду с основным оркестром применяется духовой оркестр на сцене. Обилие участников объясняет многотемность финала: в его основе множество тем самого различного характера: торжественный гимн «Слава Египту», певучая тема женского хора «Лавровыми венками», победный марш, мелодию которого ведет труба соло, зловещий лейтмотив жрецов, драматическая тема монолога Амонасро, мольба эфиопов о помиловании и т.д. Множество эпизодов, составляющих финал 2 д., объединяются в стройную симметричную конструкцию, состоящую из трех частей. 

   I часть трехчастна. Она обрамляется  ликующим хором «Слава Египту»  и суровым пением жрецов, основанном  на их лейтмотиве. В середине  же звучит знаменитый марш (соло  трубы) и музыка балета. 

   2 часть контрастирует крайним  своим драматизмом; ее образуют  эпизоды с участием Амонасро  и эфиопских пленников, молящих  о помиловании. 

   3 часть – динамическая реприза,  которая начинается с еще более  мощного звучания темы «Слава  Египту». Теперь она объединяется с голосами всех солистов по принципу контрастной полифонии. 
 
 

   6. Опера «Бал-маскарад»

         Опера в трех действиях Джузеппе  Верди на либретто (по-итальянски) Антонио Сомма, основанное на  тексте Огюстина Эжена Скриба, написанном в свое время для Даниеля Обера, который уже использовал его для своей оперы «Густав III, или Бал-маскарад». 
 

   «Бал-маскарад»  — единственная из опер Верди, место  действия которой Соединенные Штаты  Америки. Более того, оно было перенесено туда случайно или, вернее, цензором. Сюжет оперы Верди был написан по пьесе французского драматурга Эжена Скриба, и его пьеса первоначально была основана на эпизоде убийства короля Швеции Густава III. Но в 1858 году, почти накануне премьеры, произошло покушение на Наполеона III. Власти Неаполя были напуганы: они сочли, что опера об убийстве короля может вдохновить неаполитанцев на восстание. В результате от Верди потребовали внести в сюжет определенные изменения. Цензоры (народ всегда очень умный и хитрый) согласились, что сюжет никого не заденет, если убитым будет никакой не король вообще, а просто наместник в каком-нибудь колониальном Бостоне. Возможно, они знали (хотя я в этом сомневаюсь), что в Бостоне вообще не было никакого наместника, таковой был, скорее, в Массачусетсе. Да и вообще, кого это волновало? Таким образом, опера в конце концов была исполнена на следующий год — не в Неаполе после всех этих перипетий с цензурой, а в Риме. И теперь мы это с уверенностью говорим — не было никакого восстания, и ни один король не был убит в результате постановки этой оперы. 

   Когда «Метрополитен-опера» возобновила  постановку в 1940-х годах, а затем  снова в 1950-х, место действия было перенесено в Швецию, где оно и  должно было быть по первоначальному  замыслу. Но и при этом не обошлось без курьезов. Например, постановщики сохранили имена персонажей — так их певцы и выучили. Таким образом, герой по-прежнему был Риккардо, то есть Ричард, граф Уорик, который мог быть прекрасным губернатором Массачусетса, но уж никак не королем Швеции. И два злодея — Сэм и Том, которые порой предстают на сцене в виде негров или индейцев, — неожиданно превратились в Самуэля и Томмазо, пару элегантно одетых шведских аристократов! 

   Так что, дабы избежать больших несуразностей, давайте придерживаться меньших  и изложим этот сюжет в том виде, как он впервые был поведан со сцены театра «Аполло» в Риме 17 февраля 1859 года. Это действительно очень хороший оперный сюжет. 
 

   История создания 

   В 1857 году в поисках либретто для  новой оперы Верди обратился  к пьесе французского драматурга Э. Скриба (1791—1861) «Густав III Шведский», в основу которой был положен подлинный исторический факт. Убийство шведского короля Густава III в 1772 году на маскарадном балу представителем дворянской оппозиции начальником гвардии графом Анкарстремом произвольно трактовалось в романтическом духе. Мотивы личной ревности, таинственных предчувствий (предсказание колдуньи Ульрики), борьбы между любовью и долгом — все это обедняло идейное содержание драмы. Пьеса в это время шла в Риме в исполнении одной из драматических трупп. В 1832 году в Париже была поставлена пятиактная опера Обера «Густав III, или Бал-маскарад», либретто для которой написал сам драматург по своей пьесе. Однако оно не отвечало замыслам Верди, который хотел создать произведение политически актуальное, близкое итальянскому народу, боровшемуся за свою независимость. Композитор предложил Антонио Сомма (1810—1863), венецианскому адвокату и литератору, автору ряда драматических произведений, написать новое либретто по драме Скриба. 14 января 1858 года, когда Верди приехал в Неаполь с готовой оперой, названной им «Месть в домино», чтобы передать ее для постановки в неаполитанский театр Сан-Карло, в Париже политический эмигрант итальянец Феличе Орсини произвел покушение на Наполеона III. Это вызвало новый взрыв реакции в Италии. И раньше либреттисту и композитору приходилось обходить многочисленные рогатки цензуры, теперь же опера была категорически запрещена. Новый вариант либретто написал заново один из служащих полицейского цензурного управления. 

   Дирекция  театра, желая заставить композитора  примириться с навязанным ему  либретто, попыталась подвергнуть его  аресту, пока он не переделает оперу  или не уплатит неустойку. В ответ  Верди подал в суд. Когда об этом узнали неаполитанцы, в городе поднялось такое возмущение, что король Фердинанд II повелел прекратить дело и разрешить композитору выезд из Неаполя. Однако оперу все же пришлось переделывать. 

   Действие  было перенесено из Швеции в Северную Америку, король Густав стал английским губернатором Бостона графом Ричардом Варвиком, его убийца граф Анкарстрем превратился в секретаря Ренато. Изменились некоторые мотивировки, что несколько приглушило политическое звучание произведения — на первый план выступила личная драма героев. Сомма не счел возможным подписаться под либретто, искаженным подобным образом. Вместо фамилии либреттиста оперы «Бал-маскарад» (так она стала теперь называться), ставились буквы NN. Позднее окончательную доработку либретто под руководством композитора осуществил Ф. Пиаве (1810—1876). 

   Премьера  «Бала-маскарада» состоялась 17 февраля 1859 года в римском театре Аполло. Успех был огромный, благодаря  замечательным достоинствам музыки Верди. 

   В настоящее время при постановках  на отечественной сцене действие оперы переносится либо в Италию начала XVII века, либо в Швецию XVIII века.

   Музыка 

   Музыка  оперы отличается живостью, красотой и богатством мелодий, выразительностью оркестровых красок. Действие изобилует  яркими контрастами: мрачные сцены  сменяются радостными, драматическая  развязка происходит на фоне бала. Композитор широко использовал песенные и танцевальные жанры, что придало музыке особую выразительность. Драматургическое мастерство Верди наиболее полно проявилось в превосходных хоровых и ансамблевых сценах. Увертюра построена на двух противостоящих друг другу лейтмотивах — лирической теме любви Ричарда и зловеще звучащей «колючей» теме заговорщиков. 

   Первый  акт обрамлен хоровыми сценами. В  центре его — арии-характеристики главных действующих лиц. Ария Ричарда  «Вновь передо мной блеснет она», построенная на лейтмотиве любви, рисует обаятельный, восторженный и искренний образ молодого влюбленного. Полно благородства ариозо Ренато «Облеченный свыше властью», написанное в ритме болеро. Баллада Оскара «С ней звезды заодно» звучит весело и беззаботно. 

   Мрачный характер носит оркестровое вступление к второму акту. Заклинание Ульрики  «Царь тьмы подземной» зловеще и  величественно. Печальное обращение  Амелии к колдунье «Позабыть хочу я» своими интонациями напоминает бытовой  романс. В терцете широкий мелодический распев партий Амелии и Ричарда сплетается с короткими речитативными репликами колдуньи. Романтически приподнятая баркарола Ричарда «Волна не изменит мне в море седая» дополняет музыкальный портрет графа, данный в первом акте, новыми чертами — мужеством, отвагой, юношеским задором. Беспечность Ричарда, не верящего предсказанию, трепет заговорщиков, боящихся разоблачения, страх и смятение Оскара, удивление Ульрики переданы в квинтете. 

   В третьем акте большая оркестровая  прелюдия рисует старое кладбище, выражает чувства, волнующие Амелию. Очень выразителен ее монолог «Вот то место», развивающийся от спокойной грусти к напряженному, полному отчаяния драматизму. Большой диалог Ричарда и Амелии богат контрастами: короткие восклицания, мольбы испуганной Амелии, подвижная, словно задыхающаяся мелодия страстного признания Ричарда, поэтически возвышенная лирика заключительного раздела подводят к драматическому терцету (Амелия, Ричард и Ренато). Великолепен финал акта: насмешливые реплики заговорщиков подчеркивают отчаяние Амелии, гнев и горечь Ренато.