Театральное искусство Японии Кореи и Китая

                Одним из основателей исполнительского оперного искусства в стране по праву считается О Хун Мен - старейший бас оперной сцены. После окончания Сеульского университета он много ездил по стране, совершил творческое турне по странам Азии, пел на сцене театров США. Как оперный певец, дебютировал в спектакле «Травиата» и с тех пор пел ведущие басовые партии в более чем 50 операх. Певец известен также своими сольными программами из корейских национальных лирических песен, которые пользовались большой симпатией у зрителей.

                Два известных тенора страны Пак Ин Су и Пак Се Вон сочетают творческую деятельность с преподаванием. Первый учился пению в США, где дебютировал в опере Моцарта «Волшебная флейта». Затем были интересные партии в оперных спектаклях на родине, в Национальной оперной компании. Его однофамилец Пак Се Вон дебютировал в 1982 г. в Италии, где продолжал учебу после окончания Сеульского университета. Через два года, в 1984-м, молодой певец был назван лучшим исполнителем года. Обладая удивительно чистым голосом и своеобразным исполнительским стилем, на протяжении ряда лет он пел главные партии в операх «Кармен», «Травиата», «Принцесса Турандот» на многих сценах мира.

                Более тридцати главных оперных партий в шедеврах мировой оперной классики «Аида», «Тоска», «Богема», «Риголетто», поставленных в Корее, исполнила Чон Ун Сик. Как ведущее сопрано страны, она обладает богатыми оттенками голосом и совершеннейшей техникой исполнения. Сейчас профессор Чон является членом Национальной оперной компании и преподает в Сеульском университете.

Среди оперных певцов, работающих в различных театрах мира, заметно выделяются подлинные мастера: сопрано Хун Хи Кен поет в оперном театре Нью-Йорка. На американской сцене работает также Син Юн Ок. Длительное время на оперных сценах Германии выступал бас Кан Бён Вун, дебютировавший на Вагнеровском фестивале в 1988 году. В классических оперных партиях он исполнил свыше 60 ролей, и ему рукоплескали в Париже и Брюсселе, в Берлине и Лиссабоне, в Вене и Мадриде, в Риме и Лондоне. В сезоне 1993-1994 гг. на сцене Лондонской королевской оперы он исполнил заглавные партии в спектакле «Волшебная флейта» В. А. Моцарта. Сейчас всемирно известный оперный бас работает на родине, передавая свой опыт и мастерство молодым.

               В середине 1990-х гг. в столичном Центре искусств было выстроено специальное здание для проведения оперных спектаклей, где помимо государственных трупп выступают и частные оперные компании. С 1999 г. в Сеуле с целью поддержки малых театров и расширения рядов любителей оперной музыки проводится ежегодный Фестиваль камерной оперы. Камерная опера дает возможность наглядно продемонстрировать, что опера - это не элитный жанр, предназначенный исключительно для высших слоев, а искусство, доступное всем. Обычно классическая опера исполняется на языке оригинала - итальянском или немецком, что делает ее трудной для понимания. На фестивале все оперные партии исполняются на корейском языке. Еще к одним отличительным особенностям оперных представлений фестиваля относится замена живого оркестра на музыкальное сопровождение электронного синтезатора, способного воспроизводить звучание многих оркестровых инструментов.

БАЛЕТ

                Становление балетного театра в Южной Корее началось около пяти десятилетий назад. За такой короткий промежуток времени классический танец не только получил развитие, но и достиг мирового уровня. За последние 10-15 лет заметно повысилось исполнительское мастерство артистов балета, и в этом главная заслуга принадлежит русской балетной школе, выдающимся российским хореографам, педагогам, балетмейстерам и танцорам. Сегодня в Сеуле существуют две крупные профессиональные балетные компании - «Национальный Балет Кореи» (НБК) и компания «Юниверсал».

                Национальный балетный театр. «Национальный Театр Танца» (впоследствии «Национальный Балет Кореи») был создан в 1962 г., и возглавил его Лим Сон Нам. Занимавший в течение 30 лет пост артистического директора, он был несомненным лидером в области балета в Корее. Балет «Жизель», представленный в 1973 г., положил начало цельным постановкам. В 1977 г. «Лебединое озеро» было поставлено целиком и шло в сопровождении оркестра.

                За последние двадцать лет труппа освоила около 30 спектаклей. Количество артистов (около 80 человек) позволяет ставить массовые спектакли. Среди них всемирно известные классические балеты «Корсар», «Золушка», «Дон Кихот», «Кармен», «Спящая красавица» и др. Соединение западных классических традиций и элементов традиционного корейского танца явило зрителю новый самобытный стиль, который продемонстрирован в полной мере в хореографии балета «Любовь Чхунхянг» (1986). В репертуаре театра есть также современные постановки, такие, как «Реквием» Б. Эйфмана, «Ромео и Джульетта» Ж. Майо, «Кармина Бурана» Ф. Наульта.

               В 2000-2001 гг. компания тесно сотрудничала с Ю. Григоровичем. Российский мастер перенес на корейскую сцену три московских спектакля - «Щелкунчик», «Лебединое озеро» и «Спартак». С этого времени налаживается контакт с педагогами Московской государственной академии хореографии, а также Большого театра, которые приезжают в Корею работать. Некоторые из корейских репетиторов и артистов получили образование в России. В 2000 г. на сцене театра был показан балет «Свадебка» на музыку И. Стравинского в постановке корейского директора труппы Кима Гын Су. Корейская балерина Ким Чу Вон собрала за последние годы довольно внушительную коллекцию наград, была лауреатом Московского международного конкурса артистов балета, стала прима-балериной Корейского национального балета. В апреле 2008 г. она получила приз как лучшая балерина прошедшего года на конкурсе «Бенуа де ла дане» в Москве. Этот приз был учрежден в Москве Международным Союзом деятелей хореографии и представлен впервые в 1991 г. на сцене Большого театра. Президентом Союза деятелей хореографии и одновременно председателем жюри конкурса является выдающийся хореограф Юрий Григорович. Приз «Бенуа де ла дане» быстро обрел высокий престиж, и его теперь нередко называют «балетным Оскаром». Номинантов на «Бенуа де ла дане» выдвигают члены международного жюри, состоящего из самых авторитетных деятелей мировой хореографии - руководителей крупнейших балетных трупп, выдающихся хореографов, известных педагогов, звезд мирового балета. И затем данное жюри выбирает тех, кто достоин «балетного Оскара» в текущем году. Ким Чу Вон стала второй кореянкой, получившей приз «Бенуа де ла дане». Первой была Кан Су Чжин, но она только родилась в Южной Корее, а жила и работала в Германии, танцевала в Штутгартском балете.

                Балетная компания «Юниверсал». В 1984 г. была организована частная балетная компания «Юниверсал» (Universal Ballet Company, UBC), президентом фонда которой является глава Церкви Объединения Мун Сан Мён. Под опекой Муна два филиала академии балета «Юниверсал», базирующиеся в Сеуле и его пригороде Пундане, и академия балета «Юниверсал» (в 2002 г. переименованная в Kirov Ballet Academy), располагающаяся в Вашингтоне. В этих учебных заведениях основополагающей была объявлена русская школа классического танца. В настоящее время здесь работают Л. Морковина, А. Сизова, Ан. Кучерук, Ан. Армейская и другие педагоги под артистическим руководством О. Виноградова. Генеральным директором труппы является Мун Хун Сук (Джулия Мун). Получив хорошее образование в Европе и Америке, она работала в балетной труппе в Вашингтоне и в компании «Юниверсал». Последними спектаклями в ее карьере были «Баядерка» (2000) и «Сомнамбула» в постановке Дж. Баланчина (2001).

                Компания «Юниверсал» раньше, чем Национальный Балет, начала сотрудничать с педагогами-репетиторами и хореографами из других стран. Арт-директорами были А. Деллас, Д. Леванс, Р. Тобиас, Б. Стейвл. С середины 1990-х гг. стали приглашаться российские репетиторы, в том числе А. Мирзоян, О. Балтачеева, Н. Спицина, В. Семенов, Г Кекишева и др. Евгений Нефф с 1995 г. по настоящий момент является одним из главных педагогов-репетиторов коллектива. В 1998 г. пост арт-директора занял Олег Виноградов.

                Премьерой труппы стала «Золушка» на музыку С. Прокофьева. За годы своего существования труппа представила 14 больших балетов и 40 одноактных, в общей сложности дала около 1400 спектаклей в Корее и за рубежом. Компания насчитывает около 60 артистов и 40 человек технического и административного персонала. Труппа представляет мировой классический и современный репертуар, в том числе такие спектакли, как «Лебединое озеро» (1992), «Спящая красавица» (1994), «Коппелия» (1985), «Тщетная предосторожность» (1987), «Баядерка» (1999), «Щелкунчик» в постановке В. Вайноне-на (1986), «Дон Кихот» (1997), «Жизель» (1985), «Ромео и Джульетта» (2002), «Сим Чхон» (1986) и др. В 1999 г. труппа совершила большое европейское турне и вышла на международный уровень. Сейчас она является интернациональной, объединяя артистов и педагогов из России, Америки, Италии, Кореи и т. д.

МЮЗИКЛЫ

               Сегодня в Южной Корее пользуются успехом театральные представления «легкого жанра» - мюзиклы, среди их множества особо отмечается популярный рок-мюзикл «Первая линия метро». История этого мюзикла насчитывает уже 15-й год. Его премьера состоялась весной 1994 г. в небольшом театре «Хакчон», и до сегодняшнего дня прошло свыше 4 тыс. спектаклей, и он уже является рекордсменом-долгожителем среди корейских мюзиклов. В основу постановки положен немецкий мюзикл «Первая линия», созданный в берлинском театре «Грипс» в середине 1980-х годов. Корейскую версию написал Ким Мин Ги - руководитель театральной труппы «Хакчон». В корейской версии немецкого мюзикла сохранена музыка оригинала, но все жизненные истории написаны на местном материале. Сатира и критика общественных порядков - это то, что обеспечивало популярность мюзикла в течение долгого времени. Общее число зрителей, которые побывали на мюзикле «Первая линия метро» начиная с 1994 г., достигло 700 тыс. человек, количество занятых артистов составило 250 человек. В спектакле более чем 80 персонажей, роли которых играют 11 актеров, т. е. каждый исполняет по 8-9 ролей. Из-за высоких требований и интенсивных репетиций труппа      «Хакчон» заслужила репутацию «военной академии» для актеров.

                Премьера мюзикла «Танцующие тени» прошла в 2007 г. после 8 лет с момента зарождения идеи. Затраты на его постановку были необычайно велики - более 5 млн долларов. Сценарий написал чилийский писатель и драматург Ариэль Дорфман. В качестве композитора был приглашен шотландец Эрик Вулфсон. Режиссером стал Пол Гаррингтон - создатель мюзикла «Мамма миа!», который обрел большую популярность в Корее. В работе над «Танцующими тенями» приняли участие лучшие корейские специалисты по музыкальным постановкам. Для Кореи это был первый опыт такого международного сотрудничества, и это не случайно, так как с самого начала планировалось, что мюзикл создается не только для корейской, но и для международной аудитории. Поэтому вместо войны между Югом и Севером Кореи по сценарию оригинальной корейской пьесы борьба в мюзикле идет между армией Солнца и армией Луны.

                Телевизионный сериал «Тэчжангым» имел огромную популярность в Корее. Последняя серия была показана весной 2004 года. Три года спустя этот исторический сюжет вновь выставлен на суд зрителей - только уже не в виде телевизионного фильма, а на сцене, в форме мюзикла, который показывали в Сеульском центре искусств. Переработка этого сериала в музыкальную постановку приносит дополнительные доходы его создателям, что соответствует требованиям в мировом шоу-бизнесе.

ТЕАТРАЛЬНОЕ ИСКУССТВО КИТАЯ

               Становление театрального искусства Китая принято относить к началу XII века, однако в исторических источниках есть записи о существовании в период «Весны и Осени» (772—481 годы до н. э.) артистов ю, умевших петь, танцевать, копировать внешность и повадки людей. В письменных памятниках последующих эпох часто встречаются термины чан-ю (певец, поющий актер) и пай-ю (комик, шут, лицедей).  
    Из представлений этих актеров позже рождается новая форма представлений байси (сто представлений) или цзя одиси (бодание). Эти представления устраивались на открытом воздухе в большие праздники. В них входили разнообразные цирковые номера — акробатика, фехтование, хождение по канату, состязание в силе, танцы с гигантскими макетами фигур животных. 

                Дальнейшее развитие песенно-танцевальных форм представлений происходит в Танскую эпоху (VII—IX века н. э.). Большой популярностью пользуются театрализованные танцевальные представления на исторические сюжеты — «Танец с мечами», который исполняется и в современном театре сицюй. В представления включаются и пьески-диалоги комического характера. Здесь впервые появляются устойчивые амплуа — находчивого остряка цань-цзюня и цаньгу. Танские представления носили импровизированный характер. Актеры пользовались яркими масками, специальными костюмами, реквизитом. При дворе императора Сюань-цзуна были созданы первые специальные учебные заведения «Грушевый сад», «Двор весны», где из детей опальных сановников и чиновников готовили музыкантов, певцов и танцоров для придворных представлений. 

                В XII—XIV веках появляется новый вид представлений — цзацзюй. В комических импровизационных сценках появляются новые герои, оформляются новые амплуа. Одновременно и на юге страны ставятся большие народные драмы наньси. Известны названия этих драм — «О женщине по имени Чжао», «Чжан Се, сдавший столичные экзамены первым» и др. Представления таких драм давались в балаганах — это были огороженные, крытые навесом площадки. Зрители сидели на скамьях, сцена находилась на одном уровне со зрительным залом и отделялась от него перилами. Балаган назывался ланцзы. 

               К XIII—XIV векам относится расцвет драмы цзацзюй. Своеобразие театрального искусства Китая строилось на сочетании речевых и вокальных партий, музыки, танца, акробатики. Музыка подбиралась самим драматургом из традиционных китайских мелодий — они переходили из одного спектакля в другой. Драматург же давал советы по трактовке пьес. Наиболее важные сцены разыгрывались в замедленном ритме, с многочисленными мелкими подробностями. Спектакли представлялись на пустой сцене, что давало возможность свободного перемещения действующих лиц как во времени, так и в пространстве. Об этих переменах актер устно извещал зрителей.  
                Для спектаклей цзацзюй использовались два типа строений: балаганы, сцена которых находилась в центре здания и напоминала цирковую арену, и прихрамовые сцены, приподнятые над землей. Зрители располагались на прилегающей к сцене площадке. Сцены часто украшались вышитыми плакатами — афишами, в них сообщалось название труппы, имена главных актеров. Спектакли были платными, существовал также обычай одаривать актеров во время представления. В труппу входили, как правило, члены семей, редко принимались 1—2 актера со стороны. Ведущее место в них занимали женщины, которые исполняли и мужские роли. Но существовала длительное время и практика исполнения женских ролей мужчинами. 

                Другой крупной формой юаньского театра была драма чуаньци, которая следовала во многом традиции южной драмы. Спектакли, как правило, были очень большими, шли по несколько дней подряд. Дальнейшее развитие китайского театра относится к XIV— XVII векам. В этот период возникают два крупнейших направления китайского театра — иянское и куньшаньское.

                Иянский театр зародился в провинции Цзянси — для него характерно обращение к народной тематике, народным мелодиям. Вначале представления этого театра состояли из коротеньких пьес на сюжеты из жизни ремесленников и кустарей. В дальнейшем актеры иянского театра стали ставить пьесы на сюжеты популярных романов — «Троецарствие» Ло Гуань-чжуна, «Речные заводи» Ши Най-яня, «Путешествие на Запад» У Чэн-эня, а также хроник — «Генералы из семьи Ян», «Биография Юе Фэя» и др. Спектакли-циклы шли по нескольку дней подряд, и каждый из них обрывался на острой ситуации, чтобы обеспечить присутствие зрителей и денежный сбор на следующий день. Изображение больших исторических событий потребовало введения в спектакль массовых батальных сцен. Другое крупное театральное направление этого периода — куньшаньский театр — возник в месте Куньшань (провинция Цзянси). Это было излюбленное место отдыха и развлечения китайской аристократии. Сюда в поисках заработка съезжались актеры, музыканты, драматурги, поэты. Постепенно на базе местных представлений сложился театр. Этот театр был придворным. Спектакли разыгрывались обычно в гостиных или в дворцовом зале (поэтому куньшаньский театр называли еще «театром на ковре»). На искусство этого театра оказали большое влияние аристократическая литература и изобразительное искусство XV—XVII веков. Это проявилось в высокой технике актерской игры и в вокальном мастерстве актеров. В отличие от иянского театра, музыка которого строилась на разнообразных ритмических рисунках, для куньшаньского театра характерно большое мелодическое разнообразие. Музыка к спектаклям создавалась композиторами. Пережив громкую славу, оказав влияние на ряд местных театров, куньшаньский театр к концу XVIII — середине XIX века постепенно теряет свою популярность и почти совсем исчезает.  
                В XVII—XIX веках театральными центрами становятся крупные города Китая, в том числе город Янчжоу, через который проходит путь императора, совершающего поездки по стране, а позднее — Бэйпин (Пекин). Сюда съезжались труппы местных театров. Наибольших успех имели труппы, получившие название хуабу (популярные). Постепенно в столице Китая-Пекине формируется театр, известный как столичный театр  (цзинси), были достаточно известны и аньхойские труппы — «Саньцин», «Сыси», «Чуньтай» и другие. Пекинскому (столичному) театру принадлежала инициатива создания нового типа спектакля, построенного на основе наиболее ярких отрывков из различных пьес. Большую известность приобретали пьесы жанра уси, изобилующие батальными сценами, построенные на акробатике и манипуляции бутафорским оружием. В искусстве театра цзинси нашли выражение основные черты традиционного китайского театра.