Этика и эстетика

Древний и  средневековый этикет.

Ни для  кого не секрет, что великая цивилизация  Древнего Рима, создавая свою национальную культуру, за основу взяла культуру Греции, в силу родственного воинствующего  менталитета. Вспыльчивый нрав, невоздержанность в поведении, желание превосходить других в роскоши нарядов, непокорный характер древних римлян – все это нашло отражение в этикете одной из самых мощных и величественных цивилизаций древности. В эпоху средневековья для многих стран был характерен свой неповторимый этикет. История этикета Византии очень интересна, так как он отличается своей пышностью и каноничностью, тем самым воплощая в себе черты Восточной и Западной культуры.

Этикет на Востоке.

Еще за долго  до того, как возникло само понятие  «этикет», это явление существовало на Востоке. Коренным жителям Европы до сих пор с большим трудом и усилием дается японский этикет. История этикета в Японии очень своеобразна и самобытна. Этикет в этой стране очень тонок и деликатен. Главное в нем – это забота о том, чтобы в общении собеседник чувствовал себя комфортно и ни в коем случае не оказался в неловкой ситуации. Но не только Япония славилась своей тактичностью. Как себя правильно вести и преподать в обществе знали и жители Древнего Китая.

Этикет за океаном.

В США первые упоминания о правилах поведения в обществе относятся к периоду президенствования Джорджа Вашингтона. История этикета в США началась с того момента, когда будущий президент, будучи четырнадцатилетним подростком, изучил перевод книги французского монаха, датируемой 1640 годом, и собрал около ста десяти "Правил приличного поведения". Некоторые из них гласили: «Не дави блох на людях, не чешись за столом…» В настоящее время в Америке открыт и действует Институт этикета, основательницей которого является Эмилия Пост. Ее книги по этикету и культуре поведения в обществе известны и популярны не только в Америке.

Российский  этикет.

Достаточно  длительный период времени жители России в своем быту опирались на традиции «Домостроя». Эта книга – величайшее культурное наследие Средневековой  Руси, была написана в период правления Ивана IV священником Сильвестром и оставалась актуальной и почитаемой вплоть до XVIII века. Основные принципы быта по «Домострою» заключались в том, что отец являлся единоличным главой любой семьи, он мог и жестоко наказать любого члена семьи в случае неповиновения ему. С приходом на российский престол Петра I, в быт населения Российской империи стали активно внедряться европейские манеры. Для этого Петр I велел переиздать известную европейскую книгу «Юности честное зерцало». Многие из норм этикета, приведенных в этом произведении, не потеряли актуальности и в наши дни.

Тема 8. Основные принципы искусства: мимесис, канон, стиль, форма  – содержание.

В процессе исторического функционирования в культуре выработалась целая система принципов, на которых основывалось искусство в том или ином культурно-историческом ареале.

Мимесис (от греч. mimesis — подражание, воспроизведение) — принцип, выражающий основу творческой деятельности художника. Понятие мимесиса является важнейшим для понимания природы и специфики художественной выразительности, отношений реального мира и мира художественного. 

Первая теория мимесиса принадлежит Аристотелю, по мнению которого природа художественного удовольствия заключена в радости узнавания: вид знакомого явления актуализирует воспоминания о подобном, ассоциации, сопоставления и т.п. Подчеркивая очевидное своеобразие художественной реальности по сравнению с действительным миром, Аристотель ставит проблему соотношения правды и правдоподобия в искусстве.

В разные исторические эпохи вопрос об окружающем мире как  образном источнике искусства рассматривался в эстетической науке в качестве фундаментального. Высказывались многочисленные соображения о чрезвычайной сложности  процесса смыслообразования в искусстве, о влиянии в нем едва заметных «рекомбинаций» окружающего мира на резкое изменение символики искусства. Постепенно утвердилась идея, что «синтаксис действительности» не совпадает с «синтаксисом искусства». Искусство добывает истину не путем простого подражания действительности, а через сгущение, уплотнение, модификацию реальной предметности, особую организацию пространственной и временной композиции произведения.

Канон.

Для ряда эпох и  направлений в искусстве, где  преобладающим был художественный символ, а не образ, видную роль в процессе творчества играло каноническое художественное мышление, нормативизация творчества, канонизация системы изобразительно-выразительных средств и принципов. Отсюда, прежде всего, на уровне имплицитной эстетики канон стал одной из существенных категорий классической эстетики, определяющих целый класс явлений в истории искусства. Обычно он означает систему внутренних творческих правил и норм, господствующих в искусстве в какой-либо исторический период или в каком-то художественном направлении и закрепляющих основные структурные и конструктивные закономерности конкретных видов искусства.

Каноничность  в первую очередь присуща древнему и средневековому искусству. В пластике с Древнего Египта утвердился канон пропорций человеческого тела, который был переосмыслен древнегреческой классикой и теоретически закреплен скульптором Поликлетом (V в. до н.э.) в трактате «Канон» и практически воплощен в статуе «Дорифор», также получившей название «Канон». Разработанная Поликлетом система идеальных пропорций человеческого тела стала нормой для античности и с некоторыми изменениями для художников Ренессанса и классицизма. Витрувий применял термин «канон» к совокупности правил архитектурного творчества. Цицерон использовал греческое слово «канон» для обозначения меры стиля ораторской речи. В патристике каноном называлась совокупность текстов Св. Писания, узаконенная церковными соборами.

В изобразительном  искусстве восточного и европейского Средневековья, особенно в культовом, утвердился иконографический канон. Выработанные в процессе многовековой художественной практики главные композиционные схемы и соответствующие им элементы изображения тех или иных персонажей, их одежд, поз, жестов, деталей пейзажа или архитектуры уже с IX в. закреплялись в качестве канонических и служили образцами для художников стран восточнохристианского ареала до XVII в. Своим канонам подчинялось и песенно-поэтическое творчество Византии.

Еще одной значимой в философии искусства и в  искусствознании категорией является стиль. Фактически это более свободная в формах проявления и своеобразная модификация канона, точнее — достаточно устойчивая для определенного периода истории искусства, конкретного направления, течения, школы или одного художника, трудно описуемая многоуровневая система принципов художественного мышления, способов образного выражения, изобразительно-выразительных приемов, конструктивно-формальных структур и т.п. 

В XIX—ХХ вв. эта  категория энергично разрабатывалась многими историками и теоретиками искусства, эстетиками, философами. Школа искусствоведов Г. Вёльфлина, А. Ригля и других понимала под стилем достаточно устойчивую систему формальных признаков и элементов организации произведения искусства (плоскостность, объемность, живописность, графичность, простоту, сложность, открытую или закрытую форму и др.) и на этом основании считала возможным рассматривать всю историю искусства как надындивидуальную историю стилей («история искусства без имен» — Вёльфлин). 

Содержание и форма  – философские категории, отражающие взаимосвязь двух сторон природной и социальной реальности: определённым образом упорядоченной совокупности элементов и процессов, образующих предметы или явление, т.е. содержание , и способа существования и выражение этого содержания, его различных модификаций, т.е. формы. Понятие Формы употребляется также в значении внутренней организации содержания, и в этом значении проблематика формы получает дальнейшее развитие в категории структуры.

В истории философии, особенно идеалистической, форма сводилась к структуре, а содержание отождествлялось с некой неупорядоченной совокупностью элементов и свойств, что способствовало закреплению и сохранению в течение длительного исторического периода идеалистических представлений о примате формы над содержанием.

Взаимоотношение Содержания и Формы – типичный случай взаимоотношения  диалектических противоположностей, характеризующихся  как единством Содержания и формы, так и противоречиями и конфликтами  между ними.

Вся история искусства  свидетельствует о том, что художественная ценность и сила воздействия произведений искусства во многом зависят от выразительности художественной формы и от её соответствия содержанию произведения. Это обусловлено тем, что в художественном отображении действительности решающая роль принадлежит художественной форме, а определяющая – содержанию произведения.

Тема 9. Художественное сознание греческой  архаики и классики.

8-6 века до  н.э. были периодом значительного  подъёма культуры древней Греции. Во многом эта культура была  основана на достижениях старых рабовладельческих государств Востока. К началу 8 века или, быть может к несколько более раннему времени относится возникновение греческого алфавита, основанного на применении финикийских знаков. В 7 – 6 вв. начинается запись мифов греческой древности, обычное право постепенно оттесняется письменным законом, литературное творчество вступает в новый период своего развития. Существенные сдвиги происходят также в развитии изобразительных искусств и архитектуры.

К началу рассматриваемого периода уже успели сложиться религиозные верования, которые с большими или меньшими оговорками могут быть названы общими для всех греков. К концу этого периода в основных чертах складывается так называемая олимпийская религия. Семья олимпийских богов, возглавляемая отцом богов и людей – Зевсом, - это сколок патриархальной семьи времён распада первобытнообщинного строя. Все подчинённые Зевсу олимпийские боги связаны с ним узами кровного родства. Окружённый сонмом богов на Олимпе царит Зевс, охраняя порядок во всём мире.

Культ олимпийских  богов в несколько изменённом виде продолжал существовать и в  дальнейшем.

Важную роль в религиозной жизни всей Греции в 8-6 вв. играли храм Аполлона в Дельфах, храм Аполлона на Делосе – религиозный  центр всех ионийских греков, храм Зевса в Олимпии и др.

8-6 века являются  важным этапом в развитии греческого  искусства. Наибольшего развития  достигает архитектура. Среди  архитектурных памятников этого  периода первое место по своей  художественной значительности  занимали храмы. Древнейшие храмы были деревянными; черты деревянного зодчества сохранились и в позднейших каменных храмах. Постепенность перехода от дерева камню наглядно выступает на примере храма Геры в Олимпии, где дубовые колонны мало-помалу заменялись каменными.

Архитектура ранних греческих храмов отличалась суровостью. Достаточно посмотреть на храм Посейдона в Пестуме (начало 5 в. до н.э.), чтобы почувствовать мощь тесно стоящих колонн с нависшими тяжёлыми капителями и массивными каменными балками, которыми перекрыты колонны.

Вершина греческой  архитектуры – Парфенон – храм богини Афины Парфенос. К концу 7-го в. сложились два вида колонн, два  основных типа так называемых архитектурных  ордеров – дорический и ионический. Дорический стиль получил наибольшее распространение в Южной Италии и Сицилии.

В более строгом  и мощном дорическом ордере несколько  утончающиеся к верху колонны  лишены баз, каннелюры на стволе колонны  образуют при встрече острые рёбра, венчающая капитель состоит из круглой, несколько расширяющейся к верху  части и лежащей на ней четырёх угольной плиты.

В отличие от дорической ионическая колонна имеет  сложную профилированную базу, каннелюры  её отделены друг от друга дорожками; характерным отличием её капители являются завитки, так называемые валюты. Фриз над колоннами представляет собой сплошной пояс или ленту, покрытую скульптурными изображениями. Выработанная греками система форм осталась важным средством художественной выразительности в архитектуре.

Лучшие памятники  древнегреческой скульптуры также  были созданы в 5 веке до н.э. Но до нас дошли и более ранние произведения – статуи 7 – 6 вв. до н.э. курос – статуя обнажённого мужчины и кура – женщины одетой в тунику. Вот описание одной из таких статуй: Курос (архаическая статуя атлета или бога); 6 век до н.э. Мрамор. Одна половина тела – зеркальное отражение другой. Скованные позы, вытянутые руки прижаты к мускулистому телу. Ни малейшего наклона или поворота головы, но губы открылись в улыбке. Улыбка словно изнутри освещает скульптуру выражением радости жизни.

Архаическая скульптура совершила громадный путь от примитивных идолов в виде столбов, увенчанных грубо схематичным изображением человеческой головы, до почти свободной передачи очертания тел в таких произведениях как скульптурная группа “гигантомании” (война богов и титанов), созданная афинскими мастерами в конце 6 века. Одно из наиболее ранних произведений ионийской художественной школы – так называемая делосская Артемида (7 век.) стоит ещё неподвижно лицом к зрителю, с опущенными вдоль тела руками. Сзади и сбоку фигура ограничена почти гладкими плоскостями, которые придают ей четырёхгранный характер.

Дальнейшее  развитие скульптуры, достигшей высокого совершенства в изображении человеческого  тела, определялась не только ростом профессионального  мастерства древнегреческих ваятелей, но и особенностями общественной жизни в древнегреческом полисе.

Вершина греческой  архитектуры – Парфенон – храм богини Афины Парфенос (Девы), построенный  в 5 веке до н.э. зодчим Иктином и Калликратом  в Афинах. Его белокаменный силуэт чётко вырисовывался на фоне неба. На первый взгляд Парфенон очень прост – мраморный четырёхугольник, окружённый невысокими дорическими колоннами. И всё-таки здание бесконечно величественно. Его секрет в исключительной ритмичности и гениальной соразмерности частей. Пропорции Парфенона рассчитаны так, что человек приближаясь к нему, чувствует себя выше, шире в плечах: греки стремились к тому, чтобы архитектура вселяла в человека бодрость и внушала уверенность в себе.