Художественная культура «Серебряного века»

     Однако  законодателем моды стал модерн. Модернистские искания затронули творчество таких крупных художников-реалистов, как К.Коровин, В.Серов.

     Истоки  творчества Серова — в 80-х годах XIX века. Он выступил продолжателем лучших традиций передвижников и в то же время открывателем новых путей в искусстве. Он умел в малом видеть большое, значительное. В его портретах «Девочка с персиками» и «Девушка, освещенная солнцем» не столько конкретные образы, сколько символы юности, красоты, счастья. Позднее Серов стремился выразить представления о красоте человека в портретах творческих личностей, утверждая важную для русской художественной культуры идею: человек красив, когда он творец и художник (портреты К.Коровина, И.Левитана). Созданные в первое десятилетие нового века серовские портреты свидетельствуют о слиянии лучших традиций русской живописи и формировании новых эстетических принципов. Таковы портреты М.Врубеля, Т.Карсавиной, позднее — «изысканно стилизованный» портрет В.Гиршман и прекрасный, выдержанный в духе модерна портрет Иды Рубинштейн.

     В конце XIX века в русской живописи начинает пробуждаться интерес к натюрморту. Характер новых тенденций можно определить, как стремление художников связать натюрморт - сюжетно и живописно - с окружающей средой. «Мертвую натуру» выносят под открытое небо, связывают с пейзажем или же, напротив, органически соединяют с интерьером комнаты. Одно из ранних полотен Коровина «За чайным столом» прекрасно иллюстрирует эти новые тенденции. Очарование коровинского искусства заключается в его теплоте, солнечности, в умении мастера непосредственно и живо передавать свои художественные впечатления, в щедрости его палитры, в колорическом богатстве его живописи («У балкона», «Зимой»).

     Связь натюрморта с пейзажем прослеживается и в творчестве И.Грабаря. Грабарь - художник не только другого поколения, но и несколько другого направления, чем Коровин, но его также причисляют к лучшим и типичным представителям русского импрессионизма. Большинство из его работ отражают реальную бытовую обстановку: «Цветы и фрукты на рояле», «Сирени и незабудки», «Утренний чай», «За самоваром».

     Многие  художники стремились отыскать в  жизни, прежде всего, ее поэтические  стороны, поэтому даже в жанровые картины они включали пейзажи, часто обращались и к древнерусской истории. Эти веяния в искусстве отчетливо прослеживаются в творчестве таких художников, как А.Рябушкин («Московская улица XVII века», «Свадебный поезд в Москве»), Б.Кустодиев, М.Нестеров («На горах», «Великий постриг»). К этому времени относится творчество пейзажиста и анималиста А.Степанова, лучшие картины которого посвящены русской природе («Журавли летят», «Лоси», «Волки»).

     Глубокой  лирической поэзией проникнуто и искусство В.Борисова-Мусатова. Его лучшие картины, такие как «Водоем», «Призраки», «Изумрудное ожерелье», «Реквием», трудно безоговорочно причислить к модерну. В своих произведениях художник шел не от «стиля», а от «настроения», от желания воплотить гармонию и красоту природы и возвышенной женской души.

     А.Бенуа по праву считается идеологом «Мира искусства». Он был широко образованным человеком и обладал большими познаниями в области искусства. Бенуа занимался главным образом графикой и много работал для театра. В своих исторических композициях, населенных маленькими, словно бы неживыми фигурами людей, он тщательно и любовно воспроизводил памятники искусства и отдельные детали быта («Парад при Петре 1»).

     Ярким представителем «Мира искусства» был К.Сомов. Он получил широкую известность как мастер романтического пейзажа и галантных сцен. Сомов прекрасно владел рисунком. Особенно это сказалось в его портретах. Художник создал галерею портретов представителей художественной интеллигенции, в том числе поэтов А.Блока и М.Кузмина.

     Еще один художник из «Мира искусств» - Билибин - представлял то направление в русском искусстве, которое искало опоры в национальных духовных традициях, поэтическом мире сказок и былин, в образно-пластической системе народного ремесла. Но вместе с тем с графикой Билибина в русский модерн вошло влияние японской цветной гравюры, которое особенно сильно сказалось в созданных им известных иллюстрациях к «Сказке о царе Салтане» А.Пушкина.

     На  рубеже столетий расцветает творчество одного из крупнейших мастеров русской живописи М.Врубеля («Демон», «К ночи», «Сирень»). В его творчестве фантазия соединена с реальностью. Врубелевские образы — это образы-символы. Художник добивался того, чтобы краски на его холстах сияли внутренним светом, светились, как драгоценные каменья. Мир Врубеля - эпоха в истории не только русской, но и мировой культуры. Он оставил более 200 произведений. Среди них - портреты, картины, декоративные панно, иллюстрации, эскизы театральных занавесей, скульптурные произведения, проекты зданий, поражающие по размаху и широте творческого диапазона.

     Размышления о национальной духовной традиции, связанными с историческими событиями древности, с нераскрытыми тайнами природных сил и верований, нашли отражение в творчестве Н.Рериха. Ему принадлежат великолепные полотна на сюжеты древней Руси и Индии, декорации к «Князю Игорю» Бородина, «Весне Священной» Стравинского.

     В некоторых отношениях Рерих был  близок к Врубелю - оба они шли  навстречу модерну в желании  облечь свои романтические идеи в декоративную систему устойчивых пластических образов, оба видели путь к решению своих художественных проблем в синтезе различных видов искусства. Сильное и устойчивое воздействие Врубеля испытали почти все крупные русские художники XX века, он стоит у истоков авангардных поисков русского искусства.  

     2.3.2. Авангард 

     Авангард, как и модерн, был нацелен на радикальное преобразование человеческого сознания средствами искусства, на эстетическую революцию, которая разрушила бы духовную косность существующего общества, при этом его художественно-утопические стратегия и тактика были гораздо более решительными, анархически-бунтарскими. Авангардисты ввел в свои образы грубую материю жизни, «поэтику улицы», хаотическую ритмику современного города, природу, наделенную мощной созидательно-разрушительной силой. Они отвергали не только прежние, более традиционные стили, но и устоявшееся понятие искусства в целом.

     Спектр  направлений авангарда велик: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм, конструктивизм и др.

     Один  из самых ярких представителей авангарда, В.Кандинский, принадлежит к числу открывателей нового художественного языка XX столетия и не только потому, что именно он «изобрел» абстрактное искусство - он смог придать ему масштаб, цель, объяснение и высокое качество. Кандинский, как все крупные мастера нового времени, был универсален в своей художественной деятельности. Он занимался не только живописью и графикой, но и музыкой, поэзией, теорией искусства; оформлял интерьеры, делал эскизы мебели и росписей по фарфору, проектировал модели платьев, занимался фотографией, интересовался кинематографом.

     Другой яркий представитель – К.Малевич, которого, к сожалению, многие считают художником одной картины «Черного квадрата». Эту славу отчасти Малевич поддерживал сам, считая «Черный Квадрат» вершиной своего творчества. Однако он был разносторонним живописцем: среди его работ есть крестьянский цикл, портреты в духе старых мастеров, пейзажи в духе импрессионизма. Малевич - основатель супрематизма (стиль основан на комбинировании на плоскости простейших геометрических фигур, окрашенных в контрастные цвета), один из немногих в России, работавших в направлениях кубизма, футуризме.

     На  рубеже десятилетий супрематизм  становится заметным увлечением в художественных кругах, каждый мастер, так или иначе причисляющий себя к современности, стремился сделать что-то «супрематическое». В искусстве того времени легко обнаружить где угодно если не черные квадраты (С.Чехонин, М.Шагал), то обязательный геометрический акцент (П.Филонов, В.Кандинский). Идеями супрематизма были увлечены И.Пуни, И.Клюн и др.

     В.Татлин - российский художник, дизайнер, сценограф, один из крупнейших представителей новаторского движения в искусстве ХХ века, родоначальник художественного конструктивизма. Самыми значительными работами стали холсты «Матрос (Автопортрет)», «Продавец рыб». Татлин быстро выдвинулся в среде русских авангардистов и до конца 1920-х гг. был одной из центральных фигур русского авангарда, наряду с К.Малевичем.

     Творения  русских художников-авангардистов начала века взорвало художественное сознание. В 1920-е гг. возникают многочисленные новые группировки, объединяющие как художественную молодежь, так и маститых авторов. Многие из живописцев старших поколений переживают своеобразную смену приоритетов. Ряд крупнейших мастеров - В.Кандинский, А.Лентулов, М.Шагал, П.Филонов и др. - вошли в историю мировой культуры как представители уникальных стилей, соединивших авангардные тенденции с русскими национальными традициями.

     Однако  к рубежу 1920-1930-х годов нереалистические направления были полностью запрещены. Некоторые художники уехали в другие страны; иные были репрессированы или, поддавшись жестокой неизбежности, оставили авангардные поиски. В 1932 году были окончательно закрыты многочисленные художественные объединения; властями был создан единый Союз художников. 

2.4. Театр и музыка

    Театр не остался в стороне от общего увлечения экспериментами. Причем, они были настолько удачными, что  на многие годы определили развитие не только русского, но и мирового театрального искусства.

     К.Станиславский и В.Немирович-Данченко стали выразителями реалистического направления. Станиславский  открыл и сформулировал законы жизненно правдивого поведения актера на сцене. Созданная им система учила раскрывать внутренний  мир человека в убедительно художественной форме,  помогала актеру овладевать техническим мастерством. Эти идеи были воплощены на сцене Московского художественного театра,  открытие которого в 1898 г. стало большим событием в художественно-театральной  жизни страны.

    Выдающийся  театральный эксперимент, восторженно  встреченный демократической общественностью, не был принят консервативной критикой, а также представителями символизма. Сторонникам эстетики условного символического театра были более близки эксперименты В.Мейерхольда. Ученик Станиславского и основатель, так называемого, «условного театра» Мейерхольд является одним из реформаторов сценического искусства. Он старался отойти от «ненужной правды», использовал «гротеск», «стилизации», искусство символов, аллегорий, иносказаний.

     В 1904 г. в Петербурге возник театр В.Комиссаржевской, репертуар которого отражал устремления демократической интеллигенции. В 1915 г. Е.Вахтанговым создана 3-я студия МХАТ, позднее ставшая театром его имени (1926 г.).

     Новые принципы режиссуры предложил А.Таиров, который был сторонником «синтетического театра». Таиров стремился к созданию преимущественно романтического и трагедийного репертуара, а основой успеха считал виртуозное мастерство актеров. В 1914 г. Таиров организовал Камерный театр.

     На  рубеже XX века раскрывается разнообразная и плодотворная деятельность многих замечательных русских композиторов – С.Танеева, А.Аренского, А.Глазунова. Вступают в жизнь представители молодого  поколения – С.Рахманинов, И.Стравинский, Р.Глиэр, Б.Асафьев. Здесь также шли бурные споры о проблеме «старого» и «нового», традиционализма и новаторства, классического наследия и модернистских исканий и открытий. В творчестве композиторов молодого поколения на рубеже XX века наблюдался отход от социальной проблематики, усиление интереса к философско-этическим проблемам. Наиболее полное выражение это нашло в творчестве гениального пианиста, дирижера и композитора С.Рахманинова; в эмоционально напряженной, с резкими чертами модернизма музыке А.Скрябина; в произведениях И.Стравинского, в которых гармонично сочетались интерес к фольклору и самые современные музыкальные формы. 

     Развитие  лучших традиций музыкального театра связано с петербургским Мариинским и московским Большим театрами, а также с частной оперой С.Мамонтова и С.Зимина в Москве. В это же время началась творческая карьера вокалистов Ф.Шаляпина, А.Неждановой, Л.Собинова. Пожалуй, впервые высочайшая вокальная техника так органично  сочеталась с драматической выразительностью. Недаром их стали называть «поющими актерами».

     Реформаторами балетного искусства стали балетмейстер М.Фокин и А.Павлова. Идеи освобождения от академических канонов, поиск новых форм, стремление к синтезу искусств в пространстве хореографического спектакля, откровенное эстетствование и увлечение фантастически-пряной восточной экзотикой – эти черты сделали балетный «Серебряный век» явлением цельным, законченным и художественно убедительным.

     В это время русский балет получает мировое признание. Во многом это произошло благодаря организатору парижских «Русских сезонов» С.Дягилеву. Дягилев был деятелем искусства в широком смысле этого слова. Его занимали «Мир искусства», художественные выставки, издание журнала. Первые организованные им «Русские сезоны» 1907-08 годов были оперно-симфоническими. Однако последние 20 лет своей жизни Дягилев целиком посвятил балету. Он являлся генератором идей и организатором, обладал феноменальным чутьем на всё новое, талантливое, способное понравиться избалованной, эстетствующей европейской публике.