Титаны Ренессанса

     4.3. Рафаэль Санти (1483-1520)

     Рафаэль прожил всего 37 лет , но и за этот недолгий срок сумел оставить многогранное творческое наследие. Первые уроки живописи ему  дал отец, Джованни Санти, живописец  и поэт. Затем Рафаэль учился у  известного мастера того времени Пьетро Перуджино.

     Ранние  работы Рафаэля не выделяются среди  произведений его учителей, но уже  в «Мадонне Конестабиле», написанной в 20 лет, проявляется удивительное умение Рафаэля выстраивать композицию, связывать фигуры на картине в единое целое.

     В 1508 г. По приглашению Папы, главы  католической церкви, он переехал из Флоренции в Рим, где полностью расцвёл его гении. Там он начинал работать над росписью комнат (станц) Ватиканского дворца. Здесь проявились исключительные качества Рафаэля как живописца: тонкое чувство цвета, мастерство рисунка, и, главное, - умение объединить многочисленные образы в гармонический ансамбль, как на большой фреске «Афинская школа».

     «Афинская школа»

     Под сводами просторного, величественного  храма собрались мудрецы Древней  Греции. В центре – Платон и Аристотель. Платон указывает Аристотелю на небо, подчёркивая духовную, божественную основу мира. Аристотель простёр руку над землёй, утверждая материальную сущность вещей. Платон и Аристотель окружены толпой последователей и учеников. На ступенях храма – мудрый Диоген, у подножия лестницы справа Геометрия и Астрономия, слева – Грамматика и Арифметика, Музыка, в центре группы – погружённый в книгу Евклид. Многих учёных древности Рафаэль наделил чертами своих современников [5, с. 60]. 
 

     Образы  Богоматери.

     Образ мадонны был одним из самых  любимых в творчестве Рафаэля. Он создал несколько всемирно известных  картин, в которых Богоматерь предстает  как богиня добра и красоты. Его  мадонна то величественно царит  в больших алтарных композициях, то как обычная женщина любуется первыми шагами своего сына, как  на картине «Мадонна в зелени». Рафаэль  настойчиво искал путь воплощения идеального образа Богоматери, и он достиг этого  идеала в прославленной «Сикстинской мадонне». Картина была написана по заказу Римского Папы Юлия II.

      Босая, но царственная и величественная, она идёт по облакам с младенцем в руках. На неё с благоговением смотрят снявший папскую тиару Сикст и святая Варвара. Два ангелочка устремляют вверх мечтательный взор. Юнная мадонна спокойна и величественна, но в её взоре, в жесте, с которым она прижимает к себе сына, чувствуется какая-то тревога и обречённость. Она словно предвидит крестный путь сына, свои страдания и страдания всего народа людского. Рафаэль раздвинул над изображением тяжёлый занавес, напоминая, что это не реальность, а мечта о лучшем мире, о совершенстве, к которому человек должен стремиться.         рис. 9. Сикстинская мадонна.

                                                                                               1515-1519 гг.

     В последние годы своей жизни Рафаэль  вместе с архитектором Донато Браманте работал над реконструкцией и  росписью лоджий Ватиканского дворца. Это длинная галерея, равномерно пересеченная 12-ю высокими арками. Рафаэль покрыл росписями все лоджии: здесь религиозные и мифологические картины, причудливый орнамент из растений и цветов. На плафонах - главнейшие события библейской истории, поэтому росписи иногда называют «Библией Рафаэля» [5, с. 61]. 

     4.4. Микеланджело Буонарроти (1475-1564)

     Микеланджело  в разные годы своей жизни отдавал  предпочтение то скульптуре, то живописи, в зрелые годы занимался архитектурой, в поздние – поэзией. Главным  героем его произведений стал человек  с героической или трагической  судьбой.

      Славу гения Микеланджело уже в  молодости составили несколько  его статуй, и в первую очередь глубоко трогательная «Пьета» (1498-1501). Мария изображена юной. Ее одежда дробится бесчисленными мелкими складками, оттеняющими прекрасные формы тела лежащего на ее коленях обнаженного мертвого сына. Лицо мадонны скорбно, оно опущено, но боль и скорбь переданы с глубоким величием без всякой внешней подчеркнутости: Мария только отводит в сторону свою левую руку как бы с выражением немого вопроса, укора, страдания [1, с. 40].                          рис. 10. Пьета. 1498-1501 гг.

     Двадцатипятилетний  Микеланджело завоевал громкую славу  благодаря статуи Давида. Обнаженный юноша, сухощавый и стройный, опирается  на правую ногу; левая рука готовится снять с плеча пращу, правая держит камень; гордая голова с шапкой вьющихся волос обращена навстречу врагу, лицо полно гнева, брови сдвинуты, ноздри трепещут, глаза широко раскрыты. «Давид» воспринимался современниками как призыв к гражданскому мужеству и защите республики. К решению вопроса о том, как лучше поставить «Давида» были привлечены самые авторитетные художники. Статуя была установлена под открытым небом на лестнице Синьории.

     В Риме Микеланджело приступает к осуществлению  грандиозного проекта надгробного памятника папе Юлию II, который папа хотел увидеть законченным еще при жизни. Но работа была приостановлена новым заказом папы. В 1508 году он предложил Микеланджело расписать потолок Сикстинской капеллы в Ватикане. Тщетно отговаривался художник тем, что живопись, и, особенно фреска, не его дело, что он скульптор. Но Юлий II не терпел возражений. Микеланджело с горечью оставляет работу над памятником, но постепенно все более увлекается новыми замыслами, отсылает всех предложенных ему помощников и в четыре года заканчивает грандиозную роспись, подобно которой мир не видел ни до, ни после него. Микеланджело изобразил историю возникновения мира и человечества. Но его творческое воображение очень скоро вышло далеко за пределы того, что предполагал видеть в росписи папа. Художник расчленил поверхность потолка написанной архитектурой, выделив ею девять композиций, из них четыре - во всю ширину потолка и пять меньших. Пиляст ры и выступы членения украшены великолепными фигурами обнаженных юношей, это славословие человеку, человеческому телу и духу, его мощи. В девяти панно Микеланджело показал историю Ноя и потоп, а также Адама и Еву и, наконец, творящего Саваофа. Окруженный сонмом юных ангелов       на       фоне   огромного

            рис. 11. Сикстинская капелла                          развевающегося плаща, Саваоф проносится над землей и водой, он указывает путь светилам, отделяет свет от тьмы. В росписи, изображающей сотворение Адама, Адам лежит на земле, пролетающий создатель протягивает к нему руку, и от его указательного пальца по телу созданного им человека как бы пробегает искра: оно оживает, мускулы напрягаются, в нем загораются мысль и воля. Величествен сам Саваоф - седобородый мощный старец, обуреваемый творческой волей. В картинах рая прекрасна Ева, тянущаяся к яблоку [1, с. 44].

     В 1535 году Микеланджело снова оторвали от работы над памятником Юлию Н  и опять для живописного поручения; Папа Климент VII хотел видеть на алтарной стене Сикстинской капеллы изображение «Страшного суда». Хотя художник вынужден был согласиться, папа не увидел своего заказа (он умер в следующем году). Роспись была закончена лишь в 1541 году.

     Микеланджело  скончался 17 февраля 1564 года на девяностом году жизни. Завещание его было коротким: душу - богу, тело - земле, имущество - близким.

     4.5. Тициан Вечеллио (1477 или 1480-1576)

     Тициан  Вечеллио прожил долгую жизнь, в которой  ему было дано многое: здоровье, богатство, благополучие, талант. У него была привлекательная внешность, благородная, величественная осанка. Он жил в собственном дворце в Венеции на берегу морской лагуны, где прозрачная вода искрилась под ярким солнцем. Он прогуливался в тенистом саду, куда не проникал шум богатого людного торгового города. Он был знатным и состоятельным человеком и славился как гениальный живописец. Влиятельные князья и государи, папы и кардиналы, учёные и писатели – все стремились иметь картину, написанную Тицианом [5, с. 66].

     Тициану могут быть достоверно приписаны  около 400 сохранившихся до наших  дней картин, и известно, что в  течение своей чрезвычайно длинной  и плодотворной карьеры он написал  множество других, ныне утраченных холстов.

     Почти всю свою жизнь, за исключением множества  коротких поездок в другие города, Тициан работал в Венеции. Он учился у известных живописцев Джентиле и Джованни Беллини, однако его стиль  сложился в основном под влиянием Джорджоне. Молодой Тициан полностью  освоил колористику и технику мазка Джорджоне и его возвышенное, поэтическое видение пейзажа и живописных фигур. Поэтому до сих пор продолжаются дебаты по атрибуции картин, когда возможно или сотрудничество между старшим Джорджоне и молодым Тицианом, или полная принадлежность одному или другому.

     Уже при жизни Тициан был признан  как великий живописец. Художественный критик Джованни Ломаццо в 1590 г. объявил  его «солнцем среди малых звезд  не только среди итальянцев, но и  всех живописцев мира». Гениальность Тициана  не подвергается сомнению и сегодня.

      «Святой Себастьян»

     К лучшим произведениям Тициана относится картина «Святой Себастьян». Себастьян – это герой эпохи Возрождения, и никакие мучения не могут победить силы человеческого духа. Себастьян – молодой римский воин - уверовал в христианское учение. Несмотря на истязания, он остался сторонником Христа. На картине Тициана герой, привязанный к стволу дерева и пронзенный стрелой, сохраняет мужественность и самообладание. На его лице читается глубокое страдание. Красные отсветы зловеще заволакивают небо, сообщая всей картине тревожное звучание. Но даже гибель этого прекрасного юноши пробуждает в зрителе не безнадёжность, а веру в величие человеческого духа [5, с. 67].         рис. 12. Святой Себастьян.

      Около 1570 г.

     Он  был велик во всех аспектах искусства  живописи. В портретах он блестяще проникал в человеческий характер. Его религиозные композиции охватывают полный диапазон эмоций, от обаяния его юных Мадонн до трагических  глубин последнего «Распятия» и «Положения во гроб». В основе культуры Ренессанса лежит возрождение культуры древнего мира в искусствах и в литературе; вдохновленный поэзией Овидия, Катулла, Теокрита Тициан новаторски возродил легенды о Греции и Риме в ряде несравненных живописных шедевров. В картинах на мифологические сюжеты он передал веселье и энергию древнего языческого мира; его образы обнаженной Венеры («Венера и Адонис») и Данаи («Даная с няней») устанавливают стандарт телесной красоты и роскошного эротизма, который никогда не был превзойден. Другие великие мастера, например Рубенс и Никола Пуссен, порой имитировали его приемы [4, с. 147].

     Тициан  умер с кистью в руках почти 90-летним старцем, завершая работу над картиной «Оплакивание Христа».

     В последние годы он разработал «позднюю манеру» письма, столь новую, что  она была оценена не сразу и  не нашла понимания у современников. Поверхность его поздних полотен, например «Коронование терновым венцом», на первый взгляд напоминает хаос мазков. Но на расстоянии эти мазки сливаются, и возникают человеческие фигуры, здания, пейзажи. Эта манера Тициана была взята на вооружение и развита живописцами XIX в. Во Флоренции. Это течение в живописи назвали импрессионизмом. В своих произведениях Тициан всегда остаётся художником Возрождения с верой в силу и разум человека [5, с. 67].

     Таким образом, итальянское Возрождение входит в новую стадию развития на стыке XV и XVI столетий. Кульминация искусства (конец XV и первые десятилетия XVI века), преподнесшая миру таких великих мастеров как Рафаэль, Тициан, Джорджоне и Леонардо да Винчи именуется этапом Высокого Возрождения. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

     Раздел  5. Позднее Возрождение

     Водоразделом  в развитии искусства итальянского Ренессанса был захват Рима германскими  войсками в 1527 г. и его разграбление. Город на какое-то время перестал быть покровителем искусств, и художники  разъехались по городам Италии, Франции и Испании.

     Еще перед смертью Рафаэля (1520) в римском  искусстве начали проявляться антиклассические тенденции. Трения между  христианской верой и классическим гуманизмом в конце XVI столетия (чинквеченто) привели к стилю, называемому маньеризмом.

     Маньеризм характерен для периода между  Ренессансом и барокко (ок. 1520 –  ок. 1570 гг.). Это не было художественное движение с определенными принципами или бунт против предшествовавших стилей. Напротив, маньеризм их как бы продолжал  и даже утрировал. Образцы совершенной  манеры, или «стиля», современники находили у Микеланджело и Рафаэля. Более  поздние художники, подражая их достижениям, начали ценить виртуозность не как  средство представления природы, но как самоцель. Маньеризм высоко ценил  рафинированное изящество и элегантность – красивую манеру (maniera), откуда и  произошло название стиля.

     К XVII в. слово «маньеризм» стало  уничижительным. Советские искусствоведы писали даже о разрушительном воздействии маньеризма на искусство.

     Сегодня о маньеризме часто пишут, что  это стиль, который акцентировал  технические навыки и причудливые  эффекты и, вместе с тем, отступил от стандартов классического искусства. Важным критерием художественных достижений стала демонстрация виртуозности, даже самореклама. Художники-маньеристы часто использовали приемы, которые первоначально имели свои выразительные функции, и применяли их непривычно, так, чтобы демонстрировать свое мастерство. Изящество этого стиля и его тенденции абстрагироваться от природы часто порождали работы исключительной красоты (например, «Мадонна с длинной шеей» Пармиджанино и «Мертвый Христос с ангелами» Россо Фьорентино).

     Маньеризм возник в Риме, но быстро распространился  по всей Италии в работах Джулио Романо и Перино Де Вага. У истоков  маньеризма были живописцы Якопо Каруччи Понтормо, Пармиджанино и Россо (Россо Фьорентино). Россо уехал из Рима в 1530 г., получив приглашение оформлять дворец Фонтенбло; он принес маньеризм во Францию. К 1540 г. этот стиль стал европейским явлением. Он оставался преимущественно итальянским, но Жан Гужон развил непосредственно французский маньеризм, а в Нидерландах Хендрик Гольтциус приспособил его к фламандской традиции. В северной Европе Альбрехт Альтдорфер примирил маньеризм с поздним готическим искусством [7, с. 132].