Средневековый театр в Европе и на Востоке

     Бхана - малый жанр классического  театра. Это небольшая пьеса, сцена  без сюжета для одного актера. Роль, исполняемая актером в бхане, - вита (о вите см. дальше).

     Первоначально различия между  этими жанрами драмы были, но  потом они практически исчезли. Из слияния этих трех видов драм получилась общая драма, построенная по общему канону.

     Сначала идет нанди - вступительное  благословение, обращенное к зрителям  и взывающее к покровительству  божества. После нанди обычно  идет интерлюдия. Интерлюдия содержит объявление имени автора и названия пьесы. Это небольшая, но очень эффектная диалогическая сценка между хозяином труппы (сутрадхарой) и актрисой (реже - актером). Создается иллюзия непринужденной беседы, которую ведут между собой актеры.

      Нанди и интерлюдия вместе  составляют пролог. Пролог убеждает  сперва в нереальности мира  пьесы, который будет разыгрываться  актерами, беседующими о том, все  ли готово к началу спектакля,  а в следующий момент представляет  этот мир как равноправно входящий в мир самого пролога и, значит, реальный.

     Переход к драме достигается  немногими остроумными приемами. Он состоит из представления  первого персонажа, появляющегося  на сцене. Иногда действие пьесы  просто врывается в беседу  пролога - за сценой репликой, криком, и сутрадхара, объясняя причину шума, вводит первое действующее лицо. Иногда персонаж связывается с ситуацией пролога по ассоциации ("Сакунтала").

     Известная нам литературная драма  (III - V вв.) - продукт искусства, уже  далеко ушедшего от своих синкретических истоков. Присутствие сверхъестественных персонажей, печать священности сохраняют в натаках аромат мистерии, но это не более чем дань традиции и, может быть, даже плод сознательной стилизации под мифическую архаику. Мистериальные мотивы оттеснены на задний план, на переднем плане - любовь героя к героине. Персонажи превращены здесь в изысканно-чувствительных влюбленных, поведение которых полностью подчинено правилам галантного этикета. В натике же сюжет принадлежит к не священной легендарной традиции, мистериальный элемент снят в них полностью, любовная линия предстает менее возвышенной и идеальной, чем в "настоящей" натаке.

     Следует также отметить, что индийская  классическая драма представляла  собой нечто иное, нежели греческая.  Во-первых, здесь нет трагедии, так как трагическая развязка не допускалась. Во-вторых, сложные философские проблемы не обсуждались, ибо драматурги придерживались общепринятых религиозных убеждений. К их числу относились доктрины перерождения и причинно-следственной связи. Случайности и беспричинное зло исключались, ибо то, что происходит сейчас, есть неизбежный результат какого-нибудь события в прежней жизни. Нет никакого вмешательства слепых сил, с которыми следует бороться человеку, к тому же эта борьба бесполезна.[11] 

2.3.Театр Китая 

    Знакомство с культурой китайского народа невозможно без посещения китайского национального театра. Чтобы понять его самобытность, разобраться в условностях приёмов игры на сцене, следует познакомиться с историей его развития.  
     Истоки китайского театра восходят к народным песням и пляскам. Простейшие формы театрализованных представлений существовали в Китае еще в эпоху Хань (206 год до н. э.   220 год н.э.). 
     Первая театральная школа появилась в эпоху династии Тан (618   906 гг.) при императоре Сюань-цзуне. Была создана система придворных учебных заведений под общим названием " Грушевый сад", в которых готовились театральные актёры с детского возраста. 
     Одним из ранних видов китайского театра является жанр цза-цзюи , в котором пьеса была составной частью программы, включавшей в себя вокальные, танцевальные и музыкальные номера. В Х-ХII веках происходит формирование национального китайского театра, который принято называть традиционной музыкальной драмой сицюй. Само это понятие восходит к XV веку и сохраняется в наши дни. Это общее название национального театра, включая его ранние и поздние разновидности. Сицюй представляет собой такой вид театрального искусства, где драматические произведения воплощаются средствами музыки, пения, танца, речи, циркового искусства, гимнастики и пантомимы.[6] 
     Примерно в XVI веке в музыкальной драме появился жанр кунцюй. Имя новому театральному жанру было дано по названию местечка Куншань в провинции Цзянсу. Мелодии этой южной музыкальной ветви отличались мягкостью и лиричностью звучания, которое оттеняло сопровождение духовых музыкальных инструментов. В начале XVI века театр Кунцюй достиг расцвета. Однако с середины XVI века жанр кунцюй начал уступать свои позиции простонародным иъянским мелодиям, обладавшим более свободной музыкальной формой, позволявшей приспосабливать их ко вкусам широкого народного зрителя. Соответственно и театр Кунцюй постепенно терял популярность в народе и превратился в театр для избранной публики.  
     В начале XIX века большую популярность, особенно в ropoдах, получает цзинцзю и   столичная музыкальная драма, так называемая пекинская опера.   История её берёт начало в театральной жизни городов Янчжоу и Пекина, где  существовали труппы кунцюй, а затем появились труппы сипи и эрхуан. В пекинской музыкальной драме слились многочисленные потоки различных театральных жанров, сохранились черты актёрской игры школы Кунцюй и репертуар традиционных пьес, воссоздающих жизнь и образы людей древнего и средневекового Китая. 
     Пекинская опера характеризуется большим разносторонним мастерством исполнителей, владеющих средствами пластической, драматической и музыкально-вокальной выразительности, приёмами акробатической техники. Основой актёрского мастерства является пение. Оно играет первостепенную роль в передаче мыслей и чувств персонажей. Поют артисты с особой интонацией, фальцетом,  совершенно не похоже на привычное для нас пение. 
     Музыкальные инструменты в оркестре пекинской оперы   хуцинь (китайская скрипка) и ударные: гонг и барабан, издающие звуки ярко выраженного восточного характера.[7] 
     Сложная, многовековая культура классического театра Китая обладает большим художественным своеобразием. В спектаклях этого театра почти нет декораций. Время и действие обозначаются определёнными музыкальными мелодиями. 
     Характерной особенностью актёрского мастерства является игра с воображаемыми вещами, аллегорически-образное использование отдельных предметов театрального реквизита (например, хлыст в руках актёра означает, что он едет на лошади, весло   плавание на лодке и т.п.). Стремление исполнителей к обобщению средств сценической выразительности привело к канонизации приёмов актёрской игры. Определённые жесты, походка, грим, цвет и покрой костюма актёра указывают на особенности характера персонажа, его общественное положение и т.п. Так, если исполнитель испытывает страх, то он трясёт руками над головой, ярость   втягивает голову в плечи.

     Особое значение придаётся актёрскому жесту, который не только выражает действие, но и даёт его психологическую мотивировку, помогает раскрыть характеристику самого персонажа. Условный жест китайского актёра служит не только дополнением речи героя, но и тесно взаимосвязан с его мыслями. Разнообразное значение театральных жестов позволяет разыгрывать спектакли - пантомимы, способные рассказать зрителю порой больше, чем слова. 
     Большое значение для характеристики персонажей имеет грим. Лицо у актёра ярко раскрашено, при этом каждый цвет имеет определённое значение для показа нравственных, по конфуцианским понятиям, качеств персонажей и их судьбы. У честного и мужественного героя лицо раскрашено в красный цвет; у низкого и коварного   в белый; у храброго, свирепого, жестокого   в жёлтый; золотая раскраска применяется для обозначения богов, духов ; чёрный цвет указывает на душевную прямоту. 
     В классическом китайском театре существует несколько постоянных амплуа:  
 
1. Шэн   положительные мужские роли, подразделяются на "вэнь" гражданские и "у"  военные. По возрасту бывают "лаошэн"   старики и "сяошэн"   молодые;  
 
2. Дань   женские роли, подразделяются на "лаодань"   пожилые женщины, "чжэндань"   молодые добродетельные женщины, "хуадань"   служанки , куртизанки, "даомадань"   амазонки, "удань"   военные героини;  
 
3. Дахуалянь   мужские персонажи с раскрашенным лицом (чаще военные)   объединяют характерные роли, положительные и отрицательные; 
 
4.  Чоу   комические роли;  
 
5. Мо   второстепенные роли. Каждому амплуа присущи свои изобразительные средства. 
 
     Костюмы персонажей в пекинской опере заимствованы из гардероба китайской знати времен Танской и Сунской, Минской и Цинской династий. В основном используются костюмы периода Минской династии (1368-1644 гг.), которые, однако не механически перенесены на сцену, а сделаны более красочными, их детали несколько гиперболизированы. В большинстве случаев костюмы расшиты яркими узорчатыми рисунками. 
     Характерной особенностью китайского классического театра является то, что в женских ролях могут выступать мужчины и наоборот. 
Выдающимся исполнителем женских ролей в театре пекинской музыкальной драмы был Мэй Ланьфан (1894 1961 гг.). Он создал новые комплексы актёрских движений и мимики, в частности выразительных взглядов, движений кистей рук. Основываясь на традиционных законах вокала, создал свою исполнительскую школу, имеющую многих последователей. Мэй Ланьфан гастролировал во многих странах мира, в том числе и в СССР. Его искусство высоко ценил К. С. Станиславский. 
     Наряду с пекинской оперой, в Китае имеется более 300 видов музыкальной драмы сицюй, распространённых в местных театрах: 
на востоке   люцзыси, на западе   банцэы, на юге   куньшанские мелодии, на севере  иъянские мелодии. 
     Восприятие традиционной китайской драмы требует определённой подготовки как в знании сюжетов из истории и классической литературы, так и в понимании театральных канонов. Трудным является даже для китайцев восприятие на слух, так как тексты диалогов, монологов, арий написаны на старом письменном языке вэнъте. Поэтому в театральных программах рассказывается краткое содержание драмы. Порой рядом со сценой проецируется на экран текст, а при показе по телевидению даются титры. Для иностранцев эти трудности умножаются непривычностью музыкального сопровождения. Поэтому, чтобы лучше оценить своеобразие этого жанра искусства, необходимо заранее подготовиться к его восприятию. По возможности узнать содержание спектакля, его действующих лиц. Ещё лучше, если вы будете смотреть спектакль с человеком, который по ходу действия сможет пояснить вам происходящее.  
     В Китае с начала XX века, особенно после образования КНР, развивается драматический театр. Наиболее известными драматургами Китая считаются Цао Юй, Тянь Хань, Го Можо и Лао Шэ. Наряду с пьесами китайских авторов на сцене ставятся постановки зарубежных, в том числе русских и советских драматургов.  
     Давнюю историю имеет искусство театральной куклы Китая. Театральные куклы разнообразны и совершенны. Это и марионетки, и "петрушки", надеваемые на пальцы рук, и куклы на тростях, и необычный театр теней. Китайские марионетки владеют сложными движениями, их жесты непринуждённы, естественны и пластичны. Они могут проделывать акробатические трюки, фехтовать, менять выражение лица. 
     В театре теней, получившем становление к Сунскому периоду (X- ХIIIвека), представление напоминает ожившую живопись китайских художников. Фигурки людей, животных, различных персонажей вырезаются из кожи (на западе страны чаще из воловьей, на востоке   ослиной). Они ярко раскрашены и сильно освещены сзади. Тонкими палочками кукловод почти вплотную прижимает их к экрану и управляет их движениями. Контур лица обычно чёрный, чем достигается большая чёткость силуэта. Тени   цветные. Каждая тень, каждая кукла   не просто традиционная маска театра. У них свой характер, свои жесты и повадки. При всей условности представления оно обладает привлекательностью, чему способствует сопровождающая музыка и пение. Размер экрана   60   80 см в высоту, 1   1,5м в ширину. Размер фигурок 20-40 см.  Театр похож на переносной складывающийся домик. 
     Ещё следует заметить, что известное изречение "Театр начинается с вешалки" к Китаю не подходит. Так как обычно в театре гардероб отсутствует, и зрители сидят в верхней одежде. Правда, в холодную погоду это вполне оправданно, так как зрительный зал не отапливается. Не стоит торопиться и с аплодисментами, отмечая игру актёров. Китайский зритель хлопает гораздо реже и меньше, чем принято у нас. Так что лучше ориентироваться на окружающих. Не принято артистам вручать живые срезанные цветы. Чтобы отметить мастерство актёров, им могут на сцене вручить почётные грамоты в рамках или штандарт из красного материала, на котором золотым цветом написаны или вышиты похвальные слова типа " Чувства   глубоки, искусство   высоко" и указано, кому и от кого он вручается.[8]

2.4. Театр Японии 

     Традиции и история японского театра уходит корнями в очень далёкое прошлое. Прямая преемственность традиции прослеживается, чуть ли не полтора тысячелетия, к эпохе, когда в Японию с материка проник буддизм, а вместе с ним - музыка и танцы из Китая, Индии, Кореи. Знаменитый знаток японской культуры академик Н.Конрад предположил, что классический японский театр сохранил в себе и элементы античной драмы, проникшей на Дальний Восток долгим и окружным путем - через эллинистические государства Передней Азии, Индию и Китай. 
         Важнейшие атрибуты традиционного японского театра: маски и танцы использовались ещё в добуддийском, напоминающем шаманские пляски лицедействе Кагура, входившем в синтоиский ритуал богопочитания. Удивительно, что даже этот ранний, относительно примитивный вид театрального искусства в Японии не умер, кое-где в провинциях представления Кагура устраиваются до сих пор.        Традиционный японский театр - это сложный и многоцветный мир, каждому из компонентов которого (актерскому мастерству, музыке, сценографии, маскам, декорациям, костюмам, гриму, куклам, парикам, танцу) посвящено немало книг и статей.[12]

     Одной из традиционных форм  театра является театр «НО».Театр Но зародился в XIV веке и быстро стал "модным" среди самураев и высшей аристократии сёгуната Токугава. То есть, театр Но изначально был ориентирован на высшее сословие и недоступен для широких масс населения. В наши дни, конечно же, представление театра Но может посетить любой желающий, но всё равно, необходимо ощущение избранности и понимания происходящего на сцене, где малейшие нюансы наполнены глубоким и непонятным случайному зрителю смыслом.  На протяжении веков театр развился в мощную национальную традицию и наполнился эстетической полнотой музейной миниатюры. Простое, но несущее глубокий смысл, убранство сцены подчёркивает глубину чувств масок, обрамлённых во временами красочные, временами простые кимоно. И маски и кимоно передаются из поколения в поколение внутри каждой школы, и не редки маски с трёхсотлетней историей. Хотя маски могут быть очень впечатляющими - как "Хання" - маска мстящего демона - большинство имеет спокойное, можно даже сказать отрешённое выражение, призванное вызывать полный спектр зрительских эмоций.[18]

     Под аккомпанемент хора, барабанов и флейт основное действующее лицо или Ситэ повествует истории из жизни смертных и духов, богов и демонов, сражений выигранных и проигранных, убийцах и Буддийских монахах архаичной Японии. Архаичный язык, на котором ведётся повествование, углубляет "великую загадку" масок. 
       Представление длится обычно часа три с половиной - пять и состоит из нескольких пьес, прерываемых небольшими миниатюрами из жизни простых - Кёгэн, и рафинированными танцами пьес Но - Симаи, призванными подчёркивать возвышенность главного действия. 
      В основном, представления театра Но даются в специальных театрах. Однако в последнее время представления на открытом воздухе - Такиги - вновь набирает популярность среди японцев.[13]

Рождение японского театра обычно связывают с появлением пантомимы Гигаку ("актерское искусство") и танцев Бугаку ("искусство танца"), заимствованных из континентальной культуры в VII веке.

     Бугаку — самый древний  экзотичный из всех жан­ров театрального искусства Японии. В VII— VIII веках он был создан как искусство аристократии. В этом жанре помимо японских традиций содержатся, заим­ствованные элементы Индии, Юго-Восточной Азии, Китае,  Корее. Это бесценное культурное наследие и   уникальное искусство.

     Музыка бугаку носит на­звание гагаку, она сложна и своеобразна. Именно она и легла в основу японской традиционной музыки. Музыка и танец существовали в Японии с древнейших времен и были незаменимыми атрибутами обрядо­в и ритуалов. Пик заимствований в сфере культуры начался в Японии в конце VI — начале VII века вместе с проникно­вением буддизма.  Музыка и танцы из Китая, Кореи, Индии, Вьетнама, с Явы и из других стран Азии. Новое искусство встретило  поддержку придворной аристократии и буддийского духо­венства. Популярность этого искусства стала причиной появления многочисленных ана­логичных произведений японских авторов, создавались школы для обучения этому искусству. Пред­ставления бугаку являлись  частью придворных церемоний, храмовых праздников и бого­служений.

     Расцвет искусства бугаку связан с деятельностью талантливых японских музыкантов Ото-но Киёгами  и Овари-но Хамануси и приходится на конец VIII — начало IX века.  Они  упорядочили, осмыслили и обработали  множество мелодий, создали искусство бугаку в том виде, в котором оно существует в наши дни. Количество профессиональных музыкантов и танцоров возрастало, и  официально было введено наследование крупных артистических имен, ставшее традицией для всех жанров театральной классики Японии. К началу XII века искусство бугаку  вытесняли новые виды музыкальных пред­ставлений дэнгаку и саругаку более удовлетворявшие вкусам и запро­сам воинского сословия, которое захватило власть и влияние в стране. Новый творческий подъем пережило искусство бугаку в конце девятнадцатого века. Традиционно танцы бугаку исполняются под открытым не­бом на специально сооружаемых перед храмами или на двор­цовых территориях прямоугольных деревянных помостах высотой 91 см и площадью 52,8 кв. м. Центральная часть по­моста, составляющая примерно половину его площади, приподнята,  на ней исполняются основные танцы. Помост огорожен невысоким деревянным барьером, покрытым ярко-красным лаком и украшенным позолотой. Нижняя  часть затянута голубой тканью. С задней сторо­ны к помосту пристраивается широкая лестница с ярко-красными перилами. По лестнице исполнители поднимаются на сцену и уходят с нее. С двух сторон  помоста ставятся большие барабаны (дадайко) высотой более 3 м, украшенные  вензелем в форме запятых, изображающих дракона и феникса. Все присутствующие свободно располагаются вокруг сцены. Прямо на земле лицом к помосту распола­гаются музыканты. Во время некоторых храмовых праздников танцы бугаку происходят при свете костров. Освещаемые  пламенем, фантастические маски и костюмы танцоров производят не­забываемое впечатление,  торжест­венное и таинственное. В танцах бугаку используются яркие е костю­мы и маски, они вырезаны из дерева или нарисованы на бумаге. Текст к музыке гагаку отсутствует, но в некоторых пьесах иностранного происхожде­ния танцоры иногда произносят короткие возгласы, которые не имеют смыслового содержания и называются саэдзури (чириканье). Программа представления бугаку  разнообразна. Она состоит из динамичных и спокойных танцев, которые исполняются одним или несколькими танцорами в масках или без них. Большую роль в танцах отведена пантомиме. Маски представляют собой либо человеческие лица неяпонского типа, либо лики фан­тастических существ или животных. Неяпонскими явля­ются также костюмы и обувь исполнителей. Они похожи на древние одеяния народов различных стран Азии.