Рембрандт Харменс ван Рейн

Башкортостан

Детская художественная школа  №2

 

Реферат по теме:

Рембрандт Харменс ван Рейн

 

Выполнила

Кашапова Камиля

37 группа

 

Проверила

Севастьянова И.А.

 

 

 

Уфа

2010-2011 уч.год

 

Содержание:

Биография и творчество

 

Анализы работ:

«Возвращение блудного сына»

«Жертвоприношение Авраама»

 «Урок анатомии  доктора Тульпа»

«Даная»

 «Заговор Юлия Цивилиса»

«Ночной дозор»

«Пир Валтасара»

 

Список  литературы

 

Заключение

 

 

 

 

 

 

Биография

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669) – голландский живописец, офортист и рисовальщик.

Рембрандт родился 15 июля 1606 года (по некоторым данным, в 1607) в многодетной семье состоятельного владельца мельницы Хармена Герритсзоонна ван Рейна в Лейдене.

В Лейдене Рембрандт посещал латинскую школу при университете, но наибольший интерес проявлял к живописи. В 13 лет он был отдан учиться изобразительному искусству к лейденскому историческому живописцу Якобу ван Сваненбурху. Рембрандтовские работы этого периода исследователями не выявлены, и вопрос о влиянии Сваненберха на становление его творческой манеры остаётся открытым: слишком мало известно сегодня об этом лейденском художнике.

В 1623 году Рембрандт  занимался в Амстердаме у Питера Ластмана, прошедшего стажировку в Италии и специализировавшегося на исторических, мифологических и библейских сюжета. Вернувшись в1627 году в Лейден, Рембрандт совместно с другом Яном Ливенсом открыл собственную мастерскую и начал набирать учеников. За несколько лет он завоевал значительную известность. 

 

 

 

 

 

Ластмановское пристрастие к пестроте и мелочности исполнения оказало огромное влияние на молодого художника. Оно явственно сквозит в его первых сохранившихся произведениях — «Побиении камнями св. Стефана» (1629), «Сцене из древней истории» (1626) и «Крещении евнуха» (1626). В сравнении с его зрелыми работами они необычайно красочны, художник стремится тщательно выписать каждую деталь материального мира, как можно достовернее передать экзотическую обстановку библейской легенды. Почти все герои предстают перед зрителем наряженными в причудливые восточные наряды, блистают драгоценностями, что создаёт атмосферу мажорности, парадности, праздничности («Аллегория музыки», 1626; «Давид перед Саулом», 1627).

«Христос во время шторма на море Галилейском» (1633), единственный морской пейзаж Рембрандта был выкраден в 1990 году из музея Изабеллы Гарднер и до сих пор находится в розыске.

Итоговые произведения периода — «Товит и Анна», «Валаам и ослица» — отражают не только богатую фантазию художника, но и его стремление как можно выразительнее передать драматичные переживания своих героев. Подобно другим мастерам барокко, он начинает постигать значение резко вылепленной светотени для передачи эмоций. Его учителями в отношении работы со светом были утрехтские караваджисты, но ещё в большей степени он ориентировался на произведения Адама Эльсхаймера — немца, работавшего в Италии. Наиболее караваджистские по исполнению полотна Рембрандта — «Притча о неразумном богаче» (1627), «Симеон и Анна в Храме» (1628), «Христос в Эммаусе» (1629).

 

 

 

В 1632 году Рембрандт  навсегда переехал в Амстердам. После написания картины «Урок анатомии доктора Тульпа» получает признание публики. На этом полотне внимательные хирурги не были выстроены в параллельные ряды обращённых к зрителю голов, как то было принято в портретной живописи того времени, а строго распределены в пирамидальной композиции, позволившей психологически объединить всех действующих лиц в единую группу. Богатство мимики каждого лица и драматическое использование светотени подводит итог под годами экспериментирования, свидетельствуя о наступлении творческой зрелости художника. Теперь амстердамские богачи наперебой заказывали художнику свои портреты.

В 1634 году он женился  на юной Саскии ван Эйленбюрх. На портрете этого года жена художника, в цветочном венке и просторном причудливом платье, преображается в богиню цветения Флору, окруженную лесным полумраком. Выбор наряда не случаен: Саския готовилась стать матерью. В автопортрете 1635 года художник изобразил себя весёлым и нарядным кавалером за пиршественным столом с красавицей Саскией на коленях. Его лицо, обращенное к зрителю, излучает заразительное веселье, а Саския лишь сдержанно улыбается.

В 1642 году Рембрандт  выполнил большой заказ – картину  «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока».

В 40-е годы Рембрандт  особенно увлекся пейзажем. В жизни  природы он искал утешения в вечной разлуке с Саскией и отдыха после титанических трудов над большими полотнами. Встретив среди полей три дерева, художник делает их «героями» одноименного офорта. Они стоят под пасмурным небом на невысоком холме посреди плоской равнины. Эти три дерева кажутся центром мира, его животворным началом – так ясно и полнозвучно воплотились в них природные стихии: терпеливая сила земли – в кряжистых стволах, вольное стремление воздуха – в трепетании ветвей и листьев.

В 50-е годы на долю Рембрандта выпало немало испытаний. В 1649 году он принял в семью любимую  женщину – служанку Хендрикьё Стоффелс. Их брак не был официально оформлен, и обывателей раздражала эта «безнравственность». Но и без того публика охладела к художнику – в Голландии вошла в моду манера Антонинса ван Дейка. Рембрандт не мог и не желал потакать подобным вкусам. Потерявший заказчиков, оказавшийся на грани разорения, мастер не опускал рук.

Тогда, как и в  лейденские годы, Рембрандт писал  особенно много портретов, причем сам  выбирал модели, а не ждал, пока заказчики  выберут его. Художнику позировали родственники, соседи, случайные знакомые. Среди прочих он обессмертил неизвестного пожилого человека («Старик в красном»). Богатое событиями прошлое героя  отразилось в его чертах. Для Рембрандта старость – не крушение человеческой жизни, а достойное ее завершение.

В 1657-1660 годах разразилась  катастрофа: Рембрандт был объявлен банкротом, его дом продали, имущество и коллекции за бесценок пошли с молотка.

Мир мыслей и переживаний  Рембрандта в эту тяжелую пору раскрывается в трагическом автопортрете 1658 года. Мастер изобразил свое лицо крупным планом, как бы оставаясь  наедине со зрителем. Его черты  освещает яркий сноп света: морщины, жилки, складки напоминают о пережитом, это шрамы от ударов судьбы. Навстречу  беспощадному свету обращен прямой и твердый взор больших темных глаз – в них читается несломленная воля.

В работах последних  лет Рембрандт достиг высочайшей человечности, его образы ярки и  глубоки. В 1666 году он завершил две картины, сюжеты которых навеяны Библией. «Еврейская невеста» - условное название произведения, воспевающего любовь супругов и будущих родителей.

Картина «Возвращение блудного сына» (1668-1669) завершает творческий путь Рембрандта. В ней художник говорит о всепрощающей любви  и силе раскаяния.

В старости Рембрандта преследовали утраты: в 1663 году умерла Хендрикьё Стоффелс, в 1668 – двадцатисемилетний сын Титус. А через год не стало и самого художника.

В нищете и забвении ушел из жизни великий мастер, подаривший миру около шестисот пятидесяти картин, множество гравюр и рисунков, мастер, о произведениях которого два века спустя французский живописец Эжен Делакруа сказал: «…правда – самое прекрасное и редкое на свете».

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

«Возвращение  блудного сына»

Эту картину можно  считать эпилогом творчества Рембрандта. В ней с наибольшей полнотой проявились этическая высота и живописное мастерство художника. Сюжет евангельской притчи о беспутном сыне, после многих скитаний возвратившемся в отчий  дом, привлекал Рембрандта и раньше, о чем говорит один из его ранних офортов и нескольких рисунков.

В фигуре упавшего на колени юноши в изношенной одежде и старца, возложившего руки на его  бритую голову, отражены не только предельная напряженность чувств, душевное потрясение, счастье возвращения и обретения, бездонная родительская любовь, но и горечь разочарований, потерь, унижений, стыда, раскаяния. Эта всечеловечность делает сцену примирения отца и сына понятной всем людям во все времена и сообщает ей бессмертие.

Особенно поражает здесь колористическое единство: оранжево-красный тон фона – это  живописный поток, воспринимающийся как  отражение единого чувства. В  картине звучит обещание общей милости, общего прощения. Сам старый Рембрандт, когда-то бездумно тративший свои земные блага, вероятно, должен был чувствовать  и себя накануне смерти «блудным сыном».

В картине с огромной убедительностью звучит надежда  найти утешение у отца, которое  сын и вдали не переставал любить, к которому с начала своей духовной пытки он стремился в уверенности, что его – сына – не прогонят.

Эта картина, написанная в коричневых тонах, несет в себе такую религиозную силу, такой  духовный свет, что стоит самых  возвышенных, самых лучезарных церковных  образов.

 

Что характерно для  Рембрандта – нежную евангельскую притчу о блудном сыне он облек  в монументальную библейскую форму. Итальянцы изображали блудного сына в виде итальянца, фламандцы –  в виде фламандца, лишь Рембрандт передал сцену, происходящую в среде древних представителей «Божьего народа». Всепрощающий отец – тот же состарившийся и умудренный Авраам, его друзья – те же суровые приятели Иова. Сам тон отображения имеет в картине что-то подлинно патриархальное, древнее и вечное.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

«Жертвоприношение Авраама»

В этой композиции главным художественным средством  Рембрандта является свет, который  льется с неба праздничными потоками и заполняет все пространство картины. Проявился здесь и огромный талант Рембрандта-психолога.

В сложных ракурсах предстают перед нами персонажи  этого полотна. От тела Исаака, распростертого на переднем плане и выражающего  беспомощность жертвы, взгляд зрителя  обращается в глубину – к фигуре старца Авраама и вырывающемуся  из облаков посланцу Бога – ангелу.

Композиция в  высшей степени динамична, построена  по всем правилам барокко. Но в картине  есть то, что отличает Рембрандтовский  характер творчества от других художников: глубокое проникновение в душевное состояние Авраама. При внезапном  появлении ангела он еще не успел  почувствовать радость избавления от необходимости принести страшную жертву. Момент духовной борьбы патриарха  уже миновал, и он роняет занесенный нож, но еще не совсем понимает, что  происходит, и во всем его облике чувствуются лишь усталость и  недоумении.

 

 

 

 

 

 

 

«Урок анатомии доктора Тульпа»

В этом произведении автор выступает как глубокий психолог, сумевший передать сложную  картину личностных взаимоотношений. Перед нами группа слушателей-хирургов, одетых в праздничные костюмы. В  Голландии распространенной была разновидность  портрета, изображающего человека за любимым делом. Он требовал использования  элементов бытовой картины –  включение в сюжет окружающих предметов, характеризующих жизнь  портретируемого. Самым сложным было сохранить в рамках жанра преобладание портретного образа над бытовым, и с этой задачей Рембрандт справился блестяще.

Во взглядах персонажей – восхищение от только что прослушанной лекции, обнаружившей удивительно глубокие знания лектора; молодые люди напряжены, сравнивая анатомию вскрытой руки трупа  с тем, что написано в огромной книге, лежащей у его ног. Только выражение лица доктора очень сдержанно. Как настоящий профессионал, он не испытывает ни страха, ни смущения, ни робости. Доктор Тульп спокоен, уверен в себе и не боится смотреть в глаза действительности. Даже слуга, который на заднем плане картины принимает плащ у только что пришедшего хирурга, нисколько не испуган зрелищем, а спокойно взирает на зрителя поверх голов собравшихся врачей.

Это полотно принесло Рембрандту признание амстердамской  публики.

 

 

 

 

 

«Даная»

Судьба этого  произведения загадочна и драматична. Хотя на картине имеется авторская  датировка – 1636 г., знатокам наследия мастера она всегда казалась более  поздней работой. Для раннего  периода его творчества еще не характерны образы такой глубины и силы. Теплая золотистая тональность красок также появляется на полотнах художника лишь начиная с 40-х годов. В 1966 году картину исследовали с помощью рентгеновских лучей в лаборатории Эрмитажа, и эти сомнения разрешились. Произведение действительно было исполнено в 30-е годы, однако десять лет спустя подверглось глубокой авторской переделке.

В древнегреческой  мифологии Даная – дочь аргосского царя Акрисия (Аргос – город в Древней Греции на полуострове Пелопонесс), который, получив предсказание, что погибнет от руки внука, запер ее в медный дворец. Но бог Зевс, влюбленный в Данаю, превратился в золотой дождь и проник в ее покои.

Первоначально Рембрандт  написал золотой дождь в виде сверкающих капель. Однако позднее  художник заменил их потоком света, который льется из глубины, играет на атласе и парче ложа, ласково омывает  тело зачарованной, еще полусонной Данаи. Её фигура также была переписана. Как показали исследования, вначале Рембрандт изобразил в облике Данаи обильно украшенную драгоценностями Саскию. В окончательном варианте внешность героини изменилась, на ней поубавилось украшений, выражение лица стало более поэтичным и естественным, а жест протянутой руки – особенно плавным. Известно, что мастер создал «Данаю» по заказу, но так дорожил этим полотном, что впоследствии выкупил его у наследников заказчика.

 

Прославленный шедевр сменил несколько владельцев, а в 1772 году был приобретен в Париже для российской императрицы Екатерины II и занял почетное место в  коллекции Эрмитажа. В 1985 году картина  пострадала от нападения маньяка, который  разрезал полотно и облил его  кислотой. Реставраторы сделали все  возможное, чтобы возвратить «Данаю»  зрителям. С октября 1997 года она вновь  выставлена в одном из залов Государственного Эрмитажа.