Поп-культура и поп дизайн 60-х. Предпосылки и источники развития. Поиски и эксперименты в предметном дизайне и моде

Также Пантон занимался дизайном текстиля и интерьеров, создав интерьеры для издательских домов «Spiegel» и «Gruner & Jahr» в Гамбурге, а также для отеля «Astoria» в Тронхейме.

Стиль Пантона стал прототипом психоделического дизайна 1970-х годов и производили впечатление скульптур, а не мебели. В своих работал Пантон использовал яркие, ясные цвета. В 1980-х он начал экспериментировать с геометрическими формами, черпая вдохновение в возможностях новых материалов. Не имея чёткой структуры, пластик мог принимать любые формы и цвета, что было невозможно при использовании классических материалов как стекло, дерево и металл. Знакомство с Паулем Хеннингсеном, художником по свету, известным за свои смелые, чёткие эстетические принципы, позволило Пантону начать эксперименты с проектированием мебели. (В 1950 году Пантон женился на дочери Хеннингсена - Туве Кемп, но вскоре развёлся). Также он дружит с дизайнером-ремесленником Хансом Вегнером, известным из-за модернизации классических датских стульев из тика. Благодаря ему Пантон проявил страсть к экспериментам с пластиком и антропогенными материалами для создания динамичного цветового решения в геометрических формах поп-арта. дизайнером ламп, Shell Lamp, была создана в 1964 году и состояла из огромного количества кружков, вырезанных из ракушек. Это редкий пример использования Пантоном натуральных материалов. В большинстве же его светильников главная роль отводилась металлу, пластику, цвету и округлым формам.

Не менее важным было обучение и  сотрудничество Вернера Пантона с Арне Якобсеном с 1950 по 1952 годы. В студии Пантон был не на самом лучшем счету, так как большую часть времени уделял собственным проектам.

Мечтой Пантона было полное слияние функций различной мебели. Мысль о том, что глядя на вещь можно с первого раза определить её функцию, лишала его воображения и желания творить. Кроме того, он мечтал нарушить традиционное деление на пол, стены и потолок, сместив их функции. Его легендарные наброски можно расценивать как зенит его карьеры.

В отличии от других датских дизайнеров у него был революционный, а не эволюционный взгляд на вещи и за свою жизнь он создал множество инновативных, рискованных и игривых вещей. Для их создания потребовались самые современные технологии, что отображало его жизненный оптимизм.

Аллен Джонс родился в Саутгемптоне в 1937 году. Учился в hornsey college of art в Лондоне (1955-59) и Королевский колледж искусств (1959-60) и затем вернулся в hornsey, чтобы пройти курс подготовки на преподователя(1960-61).

В начале 1960-х в Королевский колледж  искусств стал свидетелями зарождения британского поп-арта (поп-арт появился в америке в 1960). Аллен Джонс был одним из группы студентов, которых исключели( дерек boshier , дэвид хокни , рб kitaj и питер филлипс ), Они коренным образом изменили лицо британского искусства, с их преждевременными, нетрадиционными и непочтительными работами, которые были основаны на популярных вещах, их творения из новых форм и из новых материалов производили неоднозначное впечатление у публики. Свое предпочтение Джонс отдал гламуру и его стилю. Он сосредоточелся на красивых женщин и воплощении эротических и стереотипных образов в жизнь. Свое вдохновения он брал в глянцевых журналах, рекламе и в комиксах. Он сочетал с большим мастерством цвета и эффектную технику живописи, работы Джонса колеблется между живописью и скульптурой. Самые известные его работы, это мебель, за основную форму которй, была взята женская фигура. Он использует цвет для описания формы, иногда с графической точностью, или, наоборот, с энергией и свободой жест, который находится недалеко от прямого выражения. аналогичные изменения очевидны в его печатной графики.

Пройдя долгую и успешную карьеру  в качестве художника, , Джонс остался ярким представителе британского поп-искусства. Его работы можно увидеть во многих общественных местах, включая самые модные рестораны. Он выполнял заказы для лондонского сити (1987), британский органом аэропортов ,аэропорт хитроу (1991), челси и вестминстер больницы (1992-93) taikoo место , гонконге (1997), chatsworth, дербишир (2000), glaxosmithkline международная штаб-квартира в лондоне (2001) и taikoo место , гонконг (2002 - 3).

Клас Олденбург (швед. Claes Oldenburg; 28 января 1929, Стокгольм) -- американский скульптор шведского происхождения, классик поп-арта.

Сын шведского дипломата, Олденбург с 1936 г. жил в США (а в 1953 г. получил американское гражданство). Он жил, главным образом, в Нью-Йорке и Чикаго, в 1946--1950 гг. учился в Йельском университете, а затем, до 1954 г., в Институте искусств в Чикаго.

В 1960-е гг. Олденбург много выступал с разного рода хэппенингами. Позднее он стал более привержен объектному искусству. Наиболее характерный приём Олденбурга -- скульптурное изображение достаточно небольшого и совершенно обыденного предмета в несоразмерно гигантском масштабе, а зачастую также причудливо окрашенного и неожиданно расположенного в пространстве. Изначально носившие провокативный характер, произведения Олденбурга сегодня прочитываются как изящная игра, легко вписывающаяся в урбанистический пейзаж, -- поэтому со временем работы Олденбурга активнее задействуются в качестве визуального решения городской среды. Так, вход в рекламное агентство «Chiat\Day» в Лос-Анджелесе выполнен Олденбургом в виде гигантского чёрного бинокля, а в Милане на площади перед железнодорожным вокзалом Кадорна в землю наполовину воткнута гигантская иголка с торчащей из неё яркой красно-жёлто-зелёной ниткой (на противоположной стороне площади имеется другой конец нитки, с узелком).

В 1989 г. Олденбургу была присуждена Премия Вольфа в области искусства, в 1995 г. -- Премия Рольфа Шока.

В сверкающих глянцем обложек журналах рекламировались оригинальные одноразовые  платья из бумаги. Принтом для таких платьев служили комиксы, картины Энди Уорхола, упаковки, комиксы, реклама и портреты поп-героев и героинь. В 1966 году Компания Scott Paper Company изобрела бумажное платье, предназначенное как маркетинговый инструмент в рекламе. За один доллар женщины могли купить платье и также получить купоны со скидками на продукты компании.

Основные черты стиля поп-дизайна:

• Использование различных видов пластика, оргстекла, ПВХ
• Недолгосрочная эксплуатация предметов
• Низкая цена
• Посредственное качество
• Использование ярких радужных цветов
• Оригинальная, забавная форма

Неспроста среди дизайнеров «поп»  особой популярностью пользовался  материал пластик. В 60-х годах было создано много видов пластика и освоены процессы их производства. При этом самым большим преимуществом  была низкая стоимость. Яркие радужные цвета и необычные смелые формы  стиля «поп» вытеснили последние  остатки послевоенного аскетизма  и дали новый стимул шагающему  по миру оптимизму, который поддерживался беспрециндентным экономическим благосостоянием населения.

В связи с тем, что поп-дизайн в основном ориентировался на молодежный рынок, товары были дешевыми, и как  следствие, часто посредственного качества. Этика недолговечности товаров была частью их стоимости, поскольку являлась противоположностью вневременной классики современности.

Поп-дизайн развивал свои собственные  принципы и закономерности формообразования, противоположные идеологии «современного  движения», но при этом не находился  с ним в противоречии. «Поп»  означало быть современным, быть молодым  и в высшей степени соответствовать  времени.

Поп-дизайн был неотъемлемо связан с американской мечтой абсолютно  потребительского мировоззрения неприкрытого материализма, который в начале 60-х овладел всем западным миром. Аппетит к «попу» был ненасытным и всеобъемлющим. Даже объекты «современного мышления» становились воплощением «поп-мечты». Ричард Хамильтон включал электроприборы Браун в свои произведения, повышая их до поп-символов.

Поп-культура не только творилась  из бесчисленных источников, но и создавала  собственные галереи из моментально  возникших героев и героинь. Оформленная  Петером Белеком в 1967 году обложка Битлз «Клуб одиноких сердец сержанта Пеперсона» похожа на своеобразный иконостас поп-героев и героинь.

Художники 60-х видели свою главную  задачу своей работы в том, чтобы  публика принимала участие в  их искусстве. Они стремились сократить  дистанцию между своим произведением  и зрителем, втянув последнего, как  активного участника, в своё произведение.

Поп-дизайн вместе с другими течениями  анти-дизайнерской направленности противостоял "современному движению" (функцианализму, модернизму), заявлявшему "меньше - значит лучше" и привел к радикальному дизайну 70-х. Средства массовой информации способствовали популяризации поп-дизайна. Многие считают, что до сих пор трудно дать точное определение сущности поп-арта и очертить его границы, но никто не сомневается, что поп-арт стал символом признания и одобрения новой "популярной культуры".Черпая вдохновение в самых разных течениях, от ар-нуво и ар-деко до футуризма, сюрреализма, китча, психоделического и космического стилей, сторонники поп-арта оказали огромное влияние на мир искусства и дизайна. Однако сам поп-ар просуществовал не долго: в связи с нефтяным кризисом начала 1970-х гг. возникла необходимость в более рациональном подходе к дизайну, и поп-арт уступил место возрождению ремесел.

Список литературы:

1. «Основы дизайна», Л.М.Михайлов
2. Мировая художественная культура XX в. Изобразительное искусство и дизайн [Текст] / Е. П. Львова и др.. – СПб. : Питер, 2007. – 464 с.
3. Бхаскаран, Ф Дизайн и время : Стили и направления в современном искусстве и архитектуре [Текст] /А. Бхаскаран. – М. :т – Родник , 2006, – 256 с.
4. «История дизайна», том 2, Л.М.Михайлов
5. Sixties Design (Architecture & Design) P. Garner
6. www.Wikipedia.com