Поп-культура и поп дизайн 60-х. Предпосылки и источники развития. Поиски и эксперименты в предметном дизайне и моде

Введение

В 60-е годы теория функционализма подверглась  критике. Прошел всеобщий восторг от массового производства и рационализма в формообразовании. Дизайнеры не хотели видеть себя "продолжением рук  индустрии". Появились первые теории, ставившие в центр культурные, психологические и семантические аспекты, тем самым предвосхитившие постмодернизм. В это же время происходили радикальные изменения во всех областях жизни людей, включая смену ценностей и ориентиров. Кроме того массовые волнения против войны во Вьетнаме в конце 60-х, Пражская весна 68-го и студенческие волнения в крупных европейских городах не оставили равнодушным и дизайн. Задачи дизайна в обществе начала 70-х уже представляли по-новому: «вопрос о функциях предмета в чисто техническом аспекте перерос в символический и социальный». Теория функционализма уже не могла дать ответы на происходящие перемены в обществе. Эстетические образцы искали уже в собственных областях дизайна . Инициативы в основном прибыли из молодежных культур. В США появились первые теории, которые ставили в центр культурные и психологические аспекты.

Глава I

Поп-арт

В конце 50-х в обстановке процветающего  американского «общества потребления» возникает поп-арт. Считается что первое произведение в стиле поп-арт принадлежит кисти художника Ричарда Гамельтона «Что же делает наш дом таким привлекательным?» Оно было показано на выставке «This is tomorrow» в небольшой лондонской галерее « Уаэтчепл» в 1965 году. В нем мелькнуло слово «поп»(англ.- сухо звук хлопка, удару, вылетевшей из бутылки пробки), давшее имя будущему художественному течению. Хотя большинство критиков считают, что идет речь о словосочетании «популярное искусство». Гамельтон считал, что поп-арт обращен к массовой культуре, преимущественно к молодежной публике и что ему присущи эфемерность и быстротечность, виртуозное мастерство превращения. Сторонники поп-арта стремились создать анти-искусство, выведя на сцену цивилизацию потребления, ординарные предметы, которые фабрикуются миллионы. Они черпали вдохновения из так называемого «низменного искусства». Тщательно изучая рекламу, средства массовой информации, они вдохновлялись комиксами, представляли в своих работах машины, электронику, консервные банки, страницы журналов, фотографии, банковские билеты. Взятые отдельно или вмонтированные в коллажи и в ассамбляжи, эти предметы словно насмехались над зрителем, сбивали его с толку порой своими чудовищными размерами, производя впечатление отстраненности, анонимности, свойственной новой городской культуре.

Самые известные представители  поп-арт были Роберт Рашенберг, Джеймс Розенквист, Джаспер Джонс и Рой Лихтенштейн. Последний был ярким представителем американского поп-арта. Лихтенштейн родился в Нью-Йорке, учился в Лиге студенческого искусства в Нью-Йорке, затем в университете Огайо (1940-1943). После периода абстрактного эсприсеонизма, Рой нашел тот стиль искусства, который стал характерным для его творчества в целом. В 1960 году он начал преподавать в Рутгерском университете, где попал под значительное влияние Аллана Капрова. Это способствовало увеличению его интереса к образам поп-арта. В 1961 год Лихтенштейн сделал свои первые работы в стиле поп-арт, используя картинки из комиксов или мультфильмов и технологии, пришедшие из промышленной печати.

Первый успех Лихтенштейну принесли его работы на темы комиксов и журнальной графики. Художник выбирал понравившуюся  ему картинку, вручную увеличивал её, перерисовывая растр, и выполнял в большом формате, используя  трафаретную печать и шелкографию. В самом изображении при этом усиливались черты иронии и сарказма. Его работы не просто воспроизведение: « Я делаю форму -вот что я делаю»,а мощное увеличение и упрощение мотивов изображений давало эффект демистификации, которое побуждало зрителя изменить свое видение.

Но бесспорно отцом поп-арта являлся Энди Уорхол со своей шелкографией. После окончания в 1949 году художественного факультета Технологического института Карнеги,он переезжает в Нью-Йорк, где работает художником-иллюстратором в журналах Vogue, Harper's Bazaar и других менее популярных изданиях. Помимо этого занимается оформлением витрин и плакатов. Уже к 1950 году приходит успех после удачного оформления рекламы обувной компании. В 1956 году он получает почётный приз «Клуба художественных редакторов». Мало, кто знает, что свою карьеру Энди Уорхол начал с того, что работал в рекламе. Он регулярно оформлял витрины, рисовал рекламные плакаты и работал над дизайном бутылок Coca-Cola. Затем Энди стал популярным рекламистом, в середине 50-х годов он зарабатывал 100 тысяч долларов в год, что по тем времена было фантастически солидным капиталам для рекламщика и художника. Уорхола стали называть гением рекламы и начали сравнивать его с другим эпатажным гением Сальвадором Дали.

В 1962 году Энди создаёт картины  «Зелёные бутылки кока-колы» и  «Банки супа „Кэмпбелл“», которые можно в какой то степени отнести к графическому дизайну. Начиная с этого периода, Уорхол, как фотограф и художник сотрудничает со звёздами кино: Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Джимом Моррисоном и Элвисом Пресли. После ухода Монро из жизни он создает свой знаменитый «Диптих Мэрилин», ставший аллегорией жизни и смерти актрисы.

Глава II

Поп-дизайн - культура для молодых

Несмотря на то, что в поп-культуре мастера отталкивались от т.н. «неизменного искусства», это совсем не означало, что «поп» был стилем товаров  повседневного потребления. В отличии от приверженцев «хорошего дизайна» дизайнеры стиля «поп» искали менее серьезный смысл в своих произведениях. Стиль «поп» был стилем для молодых. К 60-м годам идея производства качественных добротных товаров уходит на второй план, уступая место лозунгу «сегодня купил - завтра выбросил». Это был настоящий прорыв в философии промышленности и дизайна.

Например, пятнистый детский стул из гофрокартона Петера Мурдока, который он придумал его еще тогда когда учился в Королевском колледже искусств. Низкая стоимость и сравнительная не долговечность определило объект, как идеально изделие массового производства 60-х гг. В 1967 году Мурдок спроектировал аналогичную группу Thoese Things состоящию из стола, стула и табуретки. За этот комплект он был отмечен Британским консульством промышленного дизайна.

Де Пас, Д Урбино и П. Ломази создали свою собственную студию в 1966 году в Милане, где они работали над архитектурными проектами и промышленным дизайном. Тогда же они начали работать над дизайном надувной мебели из поливинилхлорида, первом их объектом было цветное пневматическое кресло (1967)- мебель массового производства, икона поп-дизайна, или кресло Джо (1970), в виде огромной бейсбольной перчатки в честь легендарного бейсболиста Джо Ди Маджио. "Мы были молоды, полны жизни, и мы хотели порвать с традицией буржуазии", сказал П.Ломази, когда шла речь об их началах. В 70-х гг студия выставляла свои дизайн-проэкты, в итальянском павильоне на Всемирной выставке в Осаке, и на выставке "Италия: Новый внутренний пейзаж" , а так же в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1972 году. Сегодня они по-прежнему продолжают свою работу, но, к сожалению без де Пасса (умер в 1991), их деятельность распространяется в области архитектуры, промышленного дизайна, выставок, дизайна интерьеров и городского пейзажа.

Энзо Мари - один из мастеров итальянского мебельного и промышленного дизайна, художник, теоретик, один из самых мыслящих и интеллектуальных дизайнеров 20 века - мог бы предъявить права более, чем на 1700 проектов, созданных им совместно с итальянскими и иностранными производителями на протяжении своей плодотворной творческой жизни.

Родившись в Новара (Novara) в Италии, Энзо Мари с 1952 по 1956 год изучал классическое искусство и литературу в Академии Изящных искусств (Academia di Brera) в Милане. Во время учебы заинтересовался дизайном. Однако интерес Мари к дизайну был прежде всего теоретическим. Его больше интересовали проблемы роли дизайна в современном искусстве или взаимоотношения дизайнера и покупателя, чем практика. Большую часть 50-х годов Мари посвятил изучению социологии видения и методологии дизайна. И лишь к концу 50-х он сосредоточился на дизайне как таковом. Одним из первых его проектов была образовательная игрушка - детские пазлы, состоявшие из группы деревянных зверюшек (1957, компания Danese). Эта игрушка ознаменовала начало плодотворного сотрудничества Энзо Мари и компании Данезе. В 1959 году Мари начал экспериментировать с пластмассами. Эти эксперименты привели к многочисленным высококачественным изделиям, которые также были выполнены для компании Данезе. Среди них: цилиндрическая подставка для зонтов (1962) из ПВХ, и пластиковая ваза Паго-Паго, модульная система доля выставочного оборудования (1965) и вазы Tortiglione (1969). Мари стремился создавать продукты для массового производства, при этом, не идя на компромисс со своим убеждением в том, что продукт должен быть привлекательным на вид не в ущерб возлагаемых на него функций. К концу 60-х дизайнер достиг такого мастерства в работе с пластмассой, что в его руках она получала почти скульптурную плавность. В1963 году вступил в радикально общество Nouve Tendenze . Как ведущий дизайнер- теоретик , был председателем ассоциации дизайнеров промышленности в период с 1976-1979 гг. Также преподавал в Риме, Милане, Парме. Девизом Энзо Мари был: «хороший, доступный дизайн для всех». Обладатель более сорока наград за архитектуру и дизайн (также трех «Золотых цыркулей»). Энзо говорил: «Я работаю для фабрик, а не для бутиков.» И по сей день он остается востребованным дизайнером.

Джордж Нельсон (George Nelson) - великий американский дизайнер XX века. Джордж Гарольд Нельсон родился в 1908 году в Хартфорде, штат Коннектикут, и в 1928 году окончил Йельский университет, где он изучал архитектуру, с дипломом бакалавра искусств. В 1931 году он получил диплом бакалавра изящных искусств в Йельской школе изящных искусств. Его работы известны всему миру. Мебель, осветительные приборы, выставочный дизайн, часы - в каждой категории он был одним из лучших. Наибольшее внимание привлекли часы выполненные в стиле поп- дизайн. Поистине оригинальные, они украшают самые лучшие дома по всему миру. Часы Джорджа Нельсона представлены в великом множестве вариаций. Впервые они были изобретены абсолютно случайно. Так, Джордж Нельсон с друзьями дурачились и рисовали каракули, подшучивая над тем, что таким образом можно придумать часы. А наутро среди множества зарисовок был замечен один эскиз, который лег в основу часов Ball, пожалуй самых популярных из всей серии дизайнерских творений Джорджа Нельсона.

Радикальная дизайнерская группа “Strum” (бренчание) основана в 1963 году в Турине Жоржио Жиретти (Giorgio Geretti), Петро Деросси (Pietro Derossi), Карла Жиамарко (Carla Giammarco), Риккардо Росси (Riccardo Rosso), Маурицио Воглиацо (Maurizio Vogliazzo). которые использовали свои произведения для высказывания политических и социальных протестов начала 1970-х

Одна из самых известных работ  группы - экзотическая “мебель” для  сидения и лежания из полиуретана  “ объект Pratone сиденье ("Газон")в 1968 г., Pratone был их эмблемой движения хиппи против " общества потребления". «Штрум» сочетали в своем дизайне оригинальную форму, свойственную поп-арту, и комфорт.

Инго Маурера, вдохновленный течениями поп-арт культуры, эмигрировал в США и в 1966 г. и создал легендарный светильник «Bulb». За ним последовали многочисленные инновационные световые дизайнерские решения, которые принесли Инго Мауреру всемирную популярность. Инго испытывал невероятное чувство восторга от «магических и мистических» свойств света, как он их называет сам. Он создает световые атмосферы, которые играют с привычными представлениями о цвете, яркости и тени. Начиная с 1966 г. на счету Инго Маурера более чем 150 разнообразных осветительных приборов и световых систем и множество международных проектов по световому оформлению общественных мест, показов модных коллекций, фасадов общественных зданий и памятников, не говоря уже о частных заказах.

Роберт Индиана родился в  Нью Касле, Индиана, позднее переехал в Индианаполис, где закончил Arsenal Technical High School. В 1954 он переехал в Нью-Йорк, где присоединился к поп-арт движению. Роберт Индиана обратился к образам коммерческой графики, смешивая их с экзистенциализмом, что привело к тому, что сам художник назвал «скульптурные стихи».В 1958 он изменил свою фамилию (Кларк) на Индиана. В 1961 начал серию картин, изобразительный ряд которых близок к графическому дизайну и американской рекламе. Порой затрагивая потребительские тенденции или политические эксцессы в американской культуре, образы Индианы сочетают текст, числа и цветовые поля с четкими контурами. Первая персональная выставка Роберта Индианы в Нью-Йорке прошла в 1962 в галерее Stable Gallery. Его популярный знак «Love» был впервые реализован как живопись в 1966, а позднее повторен в различных медиа, включая скульптуру и почтовые марки, став настоящей поп-иконой 1960-х. С 1978 Индиана живет и работает в Vinalhaven.

Ээро Аарнио (родился 21 июля 1932 г.) знаменитый финский дизайнер интерьера, известный своими инновационными проектами мебели, в частности, его пластиковые и из стекловолокна стулья в стиле поп- дизайна.

Аарнио учился в институте промышленного искусства в Хельсинки, затем основал свое собственное бюро в 1962 году. В следующем году он представил свой «Bubble Chair», большой шар из прозрачного оргстекла на подставке, с отверстием с одной стороны, которое позволяло человеку сидеть внутри. Позднее появился аналогичный «Bubble Chair» с приспособлением, для того чтобы было можно повесить его за цепь, создавалось впечатление будто этот шар парит в воздухе. Другие его инновационные проекты включали в себя ,не менее известный, плавающий «Pastil Chair» и «Tomato Chair» (более устойчивый с сиденьем из трех сфер). «Screw Table», его форма вполне соответствует названию, а со стороны создавалось впечатление, как будто огромный пластиковый винт вкрутили в землю. Он был удостоен награды «American Industrial Design» в 1968 году.

Конструкции Аарнио были очень популярны, и так же являлись яркими представителями стиля поп-дизайн 1960-х гг. Так же его мебель часто использовали для съемок фантастических фильмов о будущем. Действительно, это простая , но в тоже время интересная, форма давала ощущение инопланетного происхождение мебели. И поэтому его конструкции были идеальны для декораций съемок таких фильмов.

Аарнио, в более поздней работе, решил заменить опасное в использовании стекловолокно (особенно для тех, кто непосредственно участвует в его производстве). И стал работать с более безопасными видами пластика. И по сей день он продолжает создавать новые проекты, в том числе игрушек и мебели для детей.

Вернер Пантон родился 13 февраля 1926 года в городе Гамтофт, Дания. После окончания Королевской датской академии изящных искусств работал в архитектурном бюро Арне Якобсона. Там он начал заниматься дизайном мебели, а после открыл собственную студию в 1955 году.

Вернер Пантон считается революционером в области дизайна мебели. Он экспериментировал с такими материалами, как стекло, пластик, сталь и полипропилен и одним из первых стал рассматривать отдельные элементы интерьера как связанные общим пространством.

Пантон много экспериментировал и утверждал, что мебель не обязательно должна иметь традиционную форму. Его знаменитые проекты стульев -- Tivoli, Bachelor и Cone -- считались в своё время самыми необычными стульями в мире. Вернер считал, что стулья должны быть не только удобны, но и интересны. Самый знаменитый стул дизайнера -- Panton Chair был сделан из единого куска формованного пластика[1]. Дизайн стула был настолько необычен, что производство началось только в 1967 году немецкой фирмой «Herman Miller&Fehibaum» и до сих пор производится фирмой «Vitra». Кроме стульев, дизайнер придумал более 25 различных форм для ламп.