Культура России 18 века

Баженову не удалось, и  со значительными изменениями дворец был достроен архитектором В. Ф. Бренном.

Еще один выдающийся русский  архитектор – Казаков М. Ф. Свое образование  он получил в 

архитектурной школе Д. В. Ухтомского в Москве, большую роль в развитии природного дарования  М. Ф.

Казакова сыграла работа в Твери, а затем семилетнее пребывание в архитектурной команде В. И. Баженова в 

период работы над проектом Большого Кремлевского дворца. Творческим кредо сформировавшегося Казакова

был классицизм в его строгом  проявлении. Ярким примером этому  служит огромное здание Сената в 

Московском Кремле, искусно  сооруженное им в 1776 – 1787 гг. Можно  предположить, что характер

архитектурного решения  этого здания был навеян архитектурой неосуществленного Кремлевского дворца В. И.

Баженова. Следующим крупным  общественным зданием, возведенным  Казаковым в Москве, было

четырехэтажное здание Университета на Моховой улице (1786 – 1793 г.) . Это  здание является прекрасным

образцом классицизма, соответствующее  престижу русской науки, имеющее  строгий и репрезентативный вид.

Важное место в архитектуре  московского классицизма и в  творчестве М. Ф. Казакова занимает известное 

общественное здание –  дом Благородного Собрания, мастерски  перестроенный архитектором. Также  Казаковым 

была выстроена церковь  Филиппа Митрополита на Второй Мещанской  улице (1777-1788 гг.) . В строительстве 

мастер также использовал  классическую круглую композицию применительно  к православному храму.

Еще очень и очень многие выдающиеся русские и иностранные  зодчие трудились на благо России,

именно их стараниями по красоте  городов и величию зданий, Россия в XVIII встала в один ряд с 

западноевропейскими странами.

В XVIII веке в России происходил небывалый размах развития ваяния, появления новой,

западноевропейского типа скульптуры, какой еще не знала Россия. Заметную стилевую перемену в развитии

русской пластики принесла новая  эстетика классицизма эпохи Просвещения. Важную роль в освоении

классической скульптуры в России сыграл приглашенный на русскую  службу французский скульптор Н. Жилле,

долгое время возглавлявший  скульптурный класс Академии. Школу  Н. Жилле, заложившую основы

классического ваяния в России, прошли все ведущие русские скульпторы второй половины XVIII века,

окончившие Петербургскую  Академию художеств: Ф. Гордеев, М. Козловский, И. Прокофьев, Ф. Щедрин, Ф.

Шубин, И. Мартос и другие.

Рассмотрим наиболее известные  работы и стилевые тенденции этих и некоторых других выдающихся

скульпторов того времени. Наиболее полно овладевает принципами зрелого  классицизма Иван Мартос (1752-

1835 гг.) . Он создает вполне  классические произведения, заметно  отличающиеся чистотой и ясностью  своей 

формы от работ других мастеров. После окончания Академии художеств  Мартос для совершенствования

мастерства едет в Рим, где непосредственно соприкасается  с античной скульптурой. Мартос – мастер широкого

диапазона, обращавшийся к  разнообразной тематике. Особенно заметный след он оставил в разработке темы

классического надгробия  и городского монумента. Он был известен и как великолепный мастер декоративно-

лепных работ, пробовал заниматься портретом. Его дарование как  монументалиста в полной мере раскрылось в 

памятнике Минину и Пожарскому в Москве, ставшем эталонным произведением  – он нашел новые пути

соединения монументальной пластики не только с классическими  зданиями, но и с пространственным

городским ансамблем, превзойдя  всех своих предшественников.

Последователен в своей  эволюции к классицизму был и  Иван Прокофьев (1758-1828 гг.) . По сравнению 

с другими мастерами у  Прокофьева сильнее чувствуется  сентименталистская струя, придавшая  особую мягкость

и лиризм его образам. Самое  лучшее в его наследии - это рельефы, созданные для петербургской  Академии

художеств, в которых он достигает исключительного совершенства формы в выражении величавой  тишины,

гармонирующих с классическим строем интерьера.

В этом же контексте развивалось  и искусство скульптора Федота Шубина (1740-1805 гг.) . Благодаря 

своему упорству и способностям он оказывается в Петербургской  Академии художеств, где начинается

блестящий расцвет его  таланта. Ф. Шубин становится непревзойденным  мастером скульптурного портрета. Он

выполнил множество заказных портретов, бюстов. Это были бюсты  А. М. Голицына, З. П. Чернышева и 

других известных деятелей екатерининской эпохи. К концу XVIII века намечались и новые формы образного 

выражения в виде сентименталистских, а затем и романтических настроений. Характерны в этом отношении 

бюсты П. В. Завадовского и А. А. Безбородко (1798 г.) , также выполненные Шубиным. Вместе с тем в поздних

работах художника заметна  и другая тенденция — усиливается  конкретизация портретного образа, а в стиле 

нарастают черты строгости  и простоты. Этими признаками обладают зрелые работы Шубина: бюсты Г. А.

Потемкина (1791 г.) , Е. М. Чулкова (1792 г.) , М. В. Ломоносова (1793 г.) , и др. Ф. Шубин показал своих 

современников в неповторимости индивидуальных особенностей их характера  и склада души. Шубинский

талант обусловил объективность  и глубину его произведений, отразивших все многообразие и 

противоречивость эпохи.

Художником одного творения (созданного для России) можно назвать  французского скульптора Э. М.

Фальконе (1716-1791 гг.) . Созданная  в России им всего одна работа “Медный  всадник” принесла ему славу 

великого мастера. Стремление к максимальному обобщению толкало  на путь отвлеченного от конкретности

истолкования памятника: гранитная скала постамента в  виде морской волны, вздыбленный  конь и 

растоптанная змея становятся олицетворением тех препятствий  и враждебных сил, которые приходилось 

преодолевать Петру I. В  результате родился символ, ставший  олицетворением не только великих деяний Петра,

но и преобразованной  им России.

Еще множество прекрасных мастеров творило в этот период, и как бы подводя итог этой эпохи, хотелось

бы отметить, что XVIII век  стал временем, благоприятствующим развитию русской культуры, определив две 

основные ее линии: профессиональную, ориентированную на общеевропейский  путь, и местную,

продолжающую развивать  традиции народного творчества.

Во второй половине XVII столетия вместе с другими видами искусства  в России, живопись переживает

серьезные изменения. В определенной мере они подготавливают те коренные реформы, которые происходят в 

ней в начале XVIII века. Вступая  на позиции искусства нового времени  со значительным запозданием по

сравнению с другими передовыми в художественном отношении европейскими странами, русская живопись

по-своему отражает общие  закономерности этой стадии развития. На первый план выдвигается светское

искусство. Первоначально  светская живопись утверждается в Петербурге и Москве, но уже со второй половины

XVIII века получает значительное  распространение в других городах  и усадьбах. Традиционное ответвление 

живописи – иконопись  по-прежнему широко бытует во всех слоях  общества.

Русская живопись развивалась  на протяжении всего XVIII века в тесном контакте с искусством

западноевропейских школ, приобщаясь к всеобщему достоянию  – произведениям искусства эпохи  Ренессанса и 

барокко, а также широко используя опыт соседних государств. Вместе с тем, как уже давно  установили

исследователи, искусство  в целом и живопись в частности, на протяжении всего XVIII века связаны  единой

направленностью и имеют  ярко выраженный национальный характер. В этот период в России творили 

величайшие мастера своего дела – представители отечественной  художественной школы и иностранные 

живописцы.

Наиболее интересным явлением в искусстве петровской эпохи  стал портрет. У истоков портретной

живописи нового времени  стоит И. Н. Никитин (ок. 1680 – 1742 гг.) . И. Н. Никитин ярко воплощает силу

человеческих возможностей, открытых петровской эпохой. Крупнейший реформатор русской живописи, он

разделяет с ним триумфы, а под конец – трагические  невзгоды. Портреты, созданные Никитиным  в ранний

период, уже представляют собой вполне европейские по характеру  изображения, наиболее близкие 

произведениям французской  школы начала XVIII века. Используя  общеевропейский опыт, русский художник

реализует свои собственные  представления о мире, красоте  и индивидуальных особенностях модели. Так 

возникает свой вариант портрета — общепонятный и вполне неповторимый. К кисти этого великого

художника принадлежат такие  произведения, как портрет цесаревны  Анны Петровны и царевны Прасковьи 

Иоанновны (предположительно 1714 г.) . Пожалуй, самым сильным произведением  после возвращения 

Никитина из Италии является портрет государственного канцлера Г. И. Головкина (1720-е гг.) . Помимо

возросшей грамотности в  рисунке и технике живописи он демонстрирует духовность выражения  и 

взаимодействие образа со зрителем. Не меньшая серьезность  присуща и “Портрету напольного гетмана” (1720-е 

гг.) . Авторская самостоятельность  проявляется и в портрете С. Г. Строганова (1726 г.) и в картине  “Петр I на

смертном ложе” (1725 г.) . Со смертью Петра трагично закончилась  и жизнь самого художника –  он был судим 

по ложному обвинению  и сослан в Тобольск.

К петровской эпохе по духу принадлежит и творчество другого  русского живописца – Андрея Матвеева

(1701-1739) . По указу Петра  он был послан в Голландию  учиться, что обеспечило необходимый  уровень 

знаний. Еще в период прохождения  обучения им были созданы картины  – “Аллегория живописи” (1725 г.) и 

“Венера и Амур” . Самое  известное произведение Матвеева –  “Автопортрет с женой” (1729 г.) . Произведение

Матвеева рисует новую  для России культуру отношений. Муж  и жена не просто выступают как  равные:

художник бережно и  горделиво представляет зрителю  свою супругу. Заинтересованность в  делах искусства и 

трудолюбие выгодно отличали этого художника.

Живопись последних десятилетий XVIII века отличается значительным разнообразием  и полнотой. В 

первую очередь, это обусловлено  основанием Академии художеств. Русская  школа овладевает теперь теми

жанрами живописи, которые  прежде были представлены лишь работами старых и современных 

западноевропейских мастеров. Наиболее крупные достижения русской  живописи последних десятилетий XVIII

века связаны с искусством портрета.

Творчество Ф. С. Рокотова (1735-1808) составляет одну из самых обаятельных и труднообъяснимых

страниц нашей культуры. Уже  в довольно зрелом возрасте он был  принят в Академию художеств. Его  ранние

произведения – портреты Г. Г. Орлова (1762-1763 гг.) , Е. Б. Юсуповой (1756-1761 гг.) свидетельствуют о его 

причастности к культуре рококо. Признаки этого стиля есть и в коронационном портрете Екатерины II (1763 г.) ,

ставшей образцом для изображения  весьма взыскательной императрицы. Еще много портретов вышло  из-под 

кисти художника – поэт В. И. Майков (1769-1770 гг.) , почти все  семейство Воронцова – он сам (конец 1760-х) ,

его жена М. А. Воронцова и  дети (1770-е) . В период восьмидесятых  годов восемнадцатого века в портретах  Ф.

С. Рокотова преобладает оттенок горделивого сознания собственной значимости, к этому периоду относят:

портрет молодой генеральши В. Е. Новосильцевой (1780 г.) , знатной  дамы Е. Н. Орловой.

Современником Рокотова был Д. Г. Левицкий (1735-1822 гг.) . Около 20 лет Левицкий возглавлял

портретный класс Академии художеств и не только участвовал в воспитании целой школы русских 

портретистов, но задавал  тон и уровень высокой репутации  портретного искусства в России. Сфера его 

живописи шире, чем рокотовская. Ему одинаково хорошо удавались и камерные портреты, и парадное

изображение в рост. Неудивительно, что круг его заказчиков весьма обширен. Это и богач Демидов, чью 

картину он нарисовал в 1773 г., и светская красавица Урсула Мнишек (1782 г.) , и итальянская актриса  Анна

Давиа-Бернуци (1782 г.) . Важное место в творчестве Левицкого занимает работа над портретом Екатерины II,

получившим отражение  в “Видении Мурзы” Г. Р. Державина. Возвышенная, мифологизированная

интерпретация не могла не нравиться императрице, которая  более чем внимательно относилась к своим 

изображениям.

В. Л. Боровиковский (1757-1825 гг.) как бы замыкает плеяду крупнейших русских портретистов XVIII

века. Боровиковский, как и Левицкий, родом с Украины. Уже в первые петербургские годы он сблизился с

кружком, возглавляемый Н. А. Львовым, и неоднократно портретировал  близких к этому обществу лиц.

Довольно быстро при поддержке  друзей, знакомых и пользовавшегося  успехом при дворе австрийского

живописца И. Б. Лампи, Боровиковский становится популярным среди широкого круга петербургского

дворянства. Художник портретирует целые семейные “кланы” — Лопухиных, Толстых, Арсеньевых, Гагариных,

Безбородко, распространявших его известность по родственным  каналам. К этому периоду его  жизни относятся 

портреты Екатерины II, ее многочисленных внуков, министра финансов А. И. Васильева и его жены.

Преобладающее место в  творчестве Боровиковского занимают камерные портреты. Полотна художника очень

нарядны благодаря грациозной постановке моделей, изящным жестам и умелому обращению к костюму. Герои