Культурология эпохи Возрождения, Италия

Появление термина «Возрождение» (Ренессанс, Renaissance) приходится на XVI век. Писал о «эпохи возрождения» искусства Италии - первый историограф итальянского искусства,  великий живописец, автор известных «Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550 г.) - Джорджо Вазари.

Данное понятие берёт своё начало в основе широко распространенной в те времена исторической концепции, в соответствии с которой эпоха средневековья характеризовалась постоянным варварством, невежеством, которые следовали за падением великой цивилизации классической архаики.

Если же говорить о периоде средневековья как о некотором простое в развитии культуры, то необходимо учесть предположения историков того времени об искусстве. Считалось, что искусство, которое в былые времена процветало в античном мире, обретает своё первое возрождение к новому существованию именно в их время.

В первоначальном осознании термин «возрождение» трактовался не столько как название всей эпохи, сколько точное время (обычно начало XIV века) появления нового искусства. Только спустя некоторый период это понятие обрело более широкую трактовку и стало обозначать в Италии и других странах эпоху формирования и расцвет культуры оппозиционной феодализму.                                                                              Боттичелли. Примавера

Сейчас средневековье не считается перерывом в истории художественной культуры Европы. В прошлом столетии было начато доскональное изучение искусства средневековья, сильно активизировавшееся в последние полвека. Оно и привело к его переоценке и даже показало, что искусство возрождения многим обязано эпохе средневековья.

Но не стоит рассуждать о Возрождении как о тривиальном продолжении средневековья. Некоторые современные западноевропейские историки делали попытки к стиранию грани между средневековьем и Возрождением, но так и не отыскали подтверждения в исторических фактах. В действительности анализ памятников культуры Возрождения говорит об отказе от большинства основных убеждений феодального мировоззрения.

На смену средневековому аскетизму и прозрению ко всему мирскому приходит ненасытный интерес к настоящему миру с величием и красотой природы и, конечно, к человеку. Вера в сверхвозможности человеческого разума как в высший критерий истины, привела к шаткому положению неприкасаемого первенства богословия над наукой, столь характерного для средних веков. Подчинение человеческой личности церковным и феодальным авторитетам заменяется принципом свободного развития индивидуальности.

Члены новоиспеченной светской интеллигенции обращали все внимание к человеческим аспектам в противовес божественным и нарекали себя гуманистами (от понятия времён Цицерона "studia humnanitatis", означающего исследование всего, что связано с природой человека и его духовным миром). Данный термин является отражением нового отношения к действительности,  антропоцентризму культуры Возрождения.

Широкий диапазон для творческих порывов был открыт в период первого героического натиска на феодальный мир. Люди данной эпохи уже отрешились от сетей прошлого, но ещё не обрели новых. Они верили в то, что их возможности безграничны.  Именно из этого и произошло рождение оптимизма, который столь характерен для культуры Возрождения.

Жизнерадостный характер и бесконечная вера в жизнь породили и веру в безграничность возможностей для разума и возможность развития личности гармонически и без барьеров.  
Изобразительное искусство возрождения по многим параметрам контрастно средневековому. Европейская художественная культура получает своё развитие в становлении реализма. Это накладывает отпечаток как на распространение изображений светского характера, развитие пейзажа и портрета, близкого к  жанровому  толкованию иногда религиозных сюжетов, так и на радикальное обновление целой художественной организации.

Средневековое искусство базировалось на представлении об иерархическом строении мироздания, кульминация  которого была вне круга земного бытия, занимавшего в данной иерархии одно из последних мест. Происходило обесценивание земных реальных связей и явлений во времени с пространством, так как основной задачей искусства обозначалось наглядное олицетворение созданной теологией шкалы ценностей.

В эпоху Возрождения умозрительная художественная система угасает, и на её место приходит система, которая основывается на познании и объективном изображении мира,  который представляется человеку. Именно поэтому одной из основных задач художников эпохи возрождения - был вопрос отражения пространства.

В XV веке данный вопрос был осмыслен повсеместно, с тем лишь различием, что север Европы (Нидерланды) шёл к объективному построению пространства поэтапно за счёт эмпирических наблюдений, а фундамент Италии уже в первой половине столетия базировался на геометрии и оптике.

Данное предположение, дающее вероятность построения трёхмерного изображения на плоскости, которое было бы ориентировано на зрителя с учётом его точки зрения, служило победой над концепцией средневековья. Наглядное изображение человека проявляет антропоцентрическую направленность новой художественной культуры. Культура Возрождения ярко демонстрирует характерную связь науки и искусства. Особенная роль была отведена познавательному началу для того, чтобы изобразить мир и человек достаточно правдиво. Разумеется, поиски опоры для художников в науке привело к стимулированию развития самой науки. В эпоху Возрождения появилось множество художников-учёных, во главе которых стоит Леонардо да Винчи.

Новые подходы к искусству диктовали и новую манеру изображения человеческой фигуры и передачи действий. Былое представление средневековья о каноничности жестов, мимики и допустимая произвольность в пропорциях не отвечали объективному взгляду на окружающий мир.

Для произведений Ренессанса присуще поведение человека, подчиняемого не ритуалам или канонам, а психологической обусловленностью и  развитием действий. Художники пытаются приблизить пропорции фигур к реальности. К этому они идут разными способами, так в северных странах Европы это происходит эмпирически, а в Италии изучение реальных форм происходит в совокупности с познанием памятников классической древности (север Европы приобщается лишь позднее).

Идеалы гуманизма пронизывают искусство Возрождения, создавая образ красивого, гармонически развитого человека. Для ренессансного искусства характерными являются: титанизм страстей, характеров и героика.                                                                               Донателло. Давид.

Мастера возрождения создают образы, воплощающие гордую осознанность своих сил,  безграничность человеческих возможностей в области творчества и истинную веру в свободу его воли. Многим творениям искусства Возрождения созвучны данное выражение известного итальянского гуманиста Пико делла Мирандола: «О, дивное и возвышенное назначение человека, которому дано достигнуть того, к чему он стремится, и быть тем, чем он хочет».

Если определяющим для характера изобразительного искусства в большей мере стало стремление к отображению реальности правдиво, то для формирования новых архитектурных форм важную роль сыграло воззвание к классической традиции. Это заключалось не только в воссоздании античной ордерной системы и в отречении от готических конфигураций, но и в классической  пропорциональности, антропоцентрическом нраве новой архитектуры и  в проектировке в храмовом зодчестве центрического типа зданий, где пространством интерьера было легко обозримо.  

                                                                                Леонардо да Винчи. Леда и лебедь.                                                                                   

В области гражданского зодчества было создано особенного много новых творений. Так, в эпоху Возрождения многоэтажные  городские общественные здания: ратуши, университеты, дома купеческих   гильдий,  воспитательные дома, склады рынки, склады получает более нарядное убранство. Появляется тип городского дворца, или иначе палаццо — дом богатого бюргера, а также разновидность загородной виллы. Формируются новые системы фасадного убранства, происходит разработка новой конструктивной системы кирпичного здания (сохранилась  в  европейском строительстве вплоть до XX века), сочетающего кирпичные и деревянные перекрытия. Проблемы планировки города разрешаются новым образом, реконструируются городские центры.

Новый архитектурный стиль обретал жизнь с помощью развитой ремесленной строительной техники, подготовленной эпохой средневековья. В основном архитекторы Ренессанса при проектировке здания принимали непосредственное участие, руководя его осуществлением в реальности. Как правило, они имели и ряд других, смежных с архитектурой специальностей, такие как: скульптор, живописец, иногда декоратор. Совмещение навыков  способствовало росту художественного качества сооружений.

Если сравнивать с эпохой средневековья, когда основными заказчиками произведений выступали крупные феодалы и церковь, то теперь круг заказчиков расширяется с изменением социального состава. Цеховые объединения ремесленников, купеческие гильдии и даже частные лица (знать, бюргеры) наряду с церковью довольно часто дают заказы художникам.

Также изменяется и социальный статус художника. Несмотря на то, что художники в поисках и входят в цехи, но они уже нередко получают награды и высокие почести, занимают места в городских Советах и исполняют дипломатические поручения.  
Происходит эволюция отношения человека к изобразительному искусству. Если раньше оно находилось на планке ремесла, то теперь оно становится в один ряд с науками, а произведения искусства впервые начинают рассматриваться как результат духовной творческой деятельности.

Микеланджело. Страшный суд.                      Появление новых техник и форм искусства спровоцировано расширением спроса и ростом числа светских заказчиков. Монументальным формам сопутствуют станковые: живопись на холсте или дереве, скульптура  из дерева, майолики, бронзы, терракоты. Постоянно растущий спрос на художественные произведения обусловил появление гравюр на дереве и металле — самого недорогого и самого массового вида искусства. Эта техника, впервые позволившая воспроизводить изображения в большом количестве экземпляров. 
Одной из главных особенностей итальянского  Возрождения  выступает широкое применение не умирающих в районе Средиземноморья традиций античного наследия. Здесь заинтересованность в классической древности поилась очень рано — ещё в творениях художников итальянского Проторенессанса от Пикколо и Джованни Пизано до Амброджо Лорснцетти.

Изучение античности в XV веке становится одной из ключевых задач гуманистических студий.  Происходит значительное расширение сведений о культуре древнего мира. В библиотеках старых монастырей было найдено множество рукописей ранее не известных сочинений древних авторов. Поиски произведений искусства позволили обнаружить множество античных статуй, рельефов, а со временем и фресковых росписей Древнего Рима. Их постоянно изучали художники. В качестве примеров можно привести сохранившиеся известия поездки в Рим Донателло и Брунеллески для обмера и зарисовки монументов древнеримской архитектуры и скульптуры, труды Леона Баттисты Альберти, об изучении Рафаэлем вновь открытых рельефов и живописи,  то, как копировал античную скульптуру молодой Микеланджело. Искусство Италии было обогащено (за счёт постоянного воззвания к античности) массой новых для того времени приёмов, мотивов, форм, вместе с тем придавая оттенок героической идеализации, который совершенно отсутствовал в творениях художников Северной Европы.

Существовала и другая основная черта итальянского Возрождения — его рационалистичность. Над образованием научных основ искусства трудились многие итальянские художники. Таким образом, в кругу Брунеллески, Мазаччо и Донателло сформировалась теория линейной перспективы, которая была изложена затем в трактате 1436 года  Леона Баттисты Альберти «Книга о живописи». Большое количество художников участвовало в разработке теории перспективы, в частности Паоло Уччелло и Пьеро делла Франческа, сочинившие в 1484—1487 годах трактат «О живописной перспективе». Именно в нем, наконец, видны попытки применения  математической теории к построению человеческой фигуры.

Дополнением стал Леонардо да Винчи, внеся понятие воздушной перспективы. Более того, с помощью усилий множества итальянских художников на свет появилась теория пропорций человеческого тела, которая впервые была  изложена в 1430-х годах в трактате Леона Баттисты Альберти  «О статуе». На протяжении всего XV века велась работа над формированием научных основ искусства только в Италии, и только в XVI веке теоретические проблемы обратили на себя внимание художников северных стран, которые использовали в своих творениях опыт итальянских предшественников. 
Конечно, в рассказе об особенностях искусства Италии, невозможно не отметить широкое распространение монументальной фресковой живописи. Станковая живопись в XV ч XVI столетиях доминировала в северных странах, в которых готическая архитектура практически сменилась фреской. Тем не менее, в Италии традиция монументальной живописи не прерывалась даже на некоторое время.

Проявляется готический стиль в архитектуре Италии в основном в декорировании зданий. Именно это объясняет храмы сохранность больших поверхностей стен, расписанных фресками. Монументальные росписи широко применялись также и в архитектуре  итальянского Ренессанса. Многообразие социально-политического развития отдельных областей и городов Италии делает образ искусства Возрождения ярким на всём пути своего развития, способствуя возникновению большого числа локальных художественных школ. 
Передовые города средней и северной Италии стали главными центрами новой культуры. Особенно важная роль была отведена Флоренции, где  в ранние периоды сформировалась новая художественная школа, которая изначально была представлена Джотто, а более позднее её развитие охарактеризовано  гениальными мастерами начиная от Мазаччо и Донателло до Леонардо да Винчи и Микеланджело.

Стоит отметить также и другие города и области Италии, сыгравшие видную роль в развитии искусства: в XIV веке — Сиена, в XV веке — Умбрия, Падуя, Венеция, Феррара. В XVI столетии происходит увядание разнообразия локальных школ (исключение составляет лишь самобытная Венеция) и на некоторый период ведущие художественные силы страны сосредоточиваются в Риме.

Различия в формировании и развитии искусства отдельных областей Италии не мешают созданию и подчинению общей закономерности, которая позволяет наметить основные этапы развития итальянского Возрождения. Современное искусствознание историю итальянского Возрождения делит на четыре этапа: Проторенессанс (конец XIII—первая половина XIV века), Раннее Возрождение (XV век), Высокое Возрождение (конец XV — первые три десятилетия XVI век) и Позднее Возрождение (середина и вторая половина XVI века).

Свою кульминацию итальянская культура достигает на стыке XIII и XIV столетий. Так национальная литература на итальянском языке, которая зародилась еще в первой половине XIII века, начинает активно развиваться, а  поэзию «сладостного нового стиля» сменяет величавый герой Данте. Что же касается живописи, скульптуры и архитектуры, то здесь пьедестал почёта занимают Джотто, Пьетро Каваллини, Пикколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио, стиль и мастерство которых во многом и определили дальнейший ход развития итальянского искусства, став фундаментальным началом для его обновления. 

Культура Италии XIII - XIV веков неоднозначна и сложна: сочетая органическую связь с общеевропейской средневековой культурой, в ней возникают совершенно новые черты, предвещающие развитие Ренессанса. Эти тенденции с неравномерной силой проявляются в творчестве поэтов, писателей или художников. Наиболее ярким образцом объединения старых и новых граней является творчество Данте Алигьери. Если детально рассматривать его произведение «Комедия, которая в дальнейшем обретёт названия «Божественной», то красочность образов, живописное описание природы, человеческие страсти говорят о начальном этапе появления отличий от средневековых рассказов о «загробном мире».

Торжество гуманистических черт Ренессанса над средневековыми просматриваются в творчестве писателей следующих поколений: гениального поэта  и одного из первых рядов гуманистов Франчески Петрарки, отца итальянской литературной прозы и автора «Декамерона», Джованни Боккаччо. Главенствующим становится описание настоящего земного и личного мира человека, его отношений, переживаний, мыслей и страстей.

Не так всё просто было и с понятием изобразительного искусства XIII - XIV веков. Ведь когда в странах Западной Европы готический царил готический стиль, в Италии уже стали показываться зачатки нового искусства. Первыми ростками стали живопись и скульптура. Итальянское искусство XIII - XIV веков было воспитано на романской традиции, подвергнутой воздействию Византии и готики. Но всё же оно стало преодолевать характерное для них сверхчувствительное начало и встало на путь создания нового художественного стиля. Кроме того, ведущую роль сыграло воззвание итальянской культуры к наследию античности, искусство которой родственно проторенессансным установкам.

Архитектура того времени заметно отставала от скульптуры и живописи, оставаясь скованной рамками средневековых традиций. Но симптомы выздоровления и попытка обновления в пользу великолепия декоративности зданий была всё же видна и в зодчестве того периода. Проторенессансные тенденции получали своё развитие неравномерно. Точка отчёта приходится на конец XIII и первые десятилетия XIV века, но в середине столетия процесс становления прерывает влияние готики на итальянскую живопись и скульптуру. И лишь в начале XV века реформы Джотто и художников его поколения возрождаются вновь.                                                 

Мартино Симоне. Пизанский полиптих                                                                    

Джотто

Джотто ди Бондоне — виртуозный итальянский художник, представитель флорентийской школы. Его имя предположительно является производным от  Анджолотто (Анджело) или Амброджотто (Амброджо). Источники 14 века сообщают, что живописец проходил обучение у Чимабуэ.

Немного о значимых датах из жизни Джотто. Около 1300 года он работал в Риме и Флоренции, а примерно в 1305-1308 в Падуе.  Работа захлестнула его в Неаполе ориентировочно в 1328-1333 годах и в 1335- 1356 в Милане, а также других итальянских городах. В цех флорентийских живописцев Джотто и его ученики записываются в 1327 году. Руководить строительством флорентийского собора и его колокольни стал в 1334 году.

Джотто, будучи реформатором итальянской живописи, распахнул новый этап в её истории для всей Европы, что и послужило предшествующим шагом искусства Возрождения, преодолевая средневековые итало-византийские традиции.

 Мир Джотто схож с реальностью и облает такими свойствами как: пространственная протяжность и материальность. Известные во времена мастера приёмы  (угловые ракурсы, античные перспективы, внесение в сценическое пространство                                                    подлинной иллюзии глубины и четкости структуры) были максимально идеализированы.                                                      Воскрешение Христа

В тот же время Джотто — разработчик приемов тональной светотеневой моделировки форм с помощью поэтапного обесцвечивания основного колоритного тона. Именно эта находка  позволила наполнить формами и добиться нужной объемности, не пренебрегая  сияющей чистотой цвета с его функциями декора.

Росписи капеллы дель Арена в Падуе (датируемая. 1305-1308 годами) — однонефной церкви, воздвигнутой, по всей вероятности, по проекту Джотто играют главную роль в творческом наследии  мастера. Довольно большой цикл фресок также включает: композицию «Страшный суд» на западной стене, роспись коробового свода: золотые звёзды на синей тверди и заключенные в медальоны лики Христа, Марии, размещенные в три ряда на продолжительных боковых стенах и на      «триумфальной арке» алтаря 34 жизненных сцен Марии и Христа. Благодаря этим работам стало возможным определить характер росписей капеллы. Ритмика интерьера создана строгой упорядоченностью расположения фресок, а заданное красочное цветовое решение предаёт ансамблю праздничный оттенок. В данных композициях перед взором предстаёт жизнь Христа и Марии в качестве связанных размеренным ритмом рассказа ступеней величавого бытия.

Джотто скупился на обозначения предметов мира, представляя его в виде очень условных горок, пятен светлых зданий, лазури неба. Настоящим открытием мастера выступают его колоритные персонажи. Они широколицы, величавы, одеты в плащи и одежду, выполненных из громоздких тканей с драпировкой в виде крупных складок.

История творчества Джотто продолжается в 1320-1325 годах в потрёпанных росписях небольших семейных капелл Барди и Перуцци (на хорах флорентийской церкви Санта Кроче). Прекрасная декорация капелл состоит из  шести сцен, водворенных на боковых стенах по трое друг над другом. По сравнению с капеллой дель Арена они выполнены в более сложной манере.

Архитектурный фон набирает своё значение — ограничивает и четко формирует пространство сцены. Благодаря чему сами постройки приобретают многообразие и  схожесть, характерной для архитектурной эпохи мастера. На арене многофигурных изображений становится значительно больше подробностей, и возникают повествовательные моменты.

Более того, Джотто увлекается сложными пространственными и оптическими эффектами. В качестве примера выступает роспись капеллы Перуцци (посвящение Иоанну Богослову и Иоанну Крестителю). На ней в угловом ракурсе представлена архитектурная декорация, что соответствует  углу  взгляда наблюдателя, который находится у входа в капеллу.                                                        Воскрешение Лазаря

Что касается станковых работ Джотто, то до наших дней дошла только одна —  выполненный примерно в 1310 году монументальный алтарный образ «Мадонна на троне» («Мадонна Оньисанти», Уффици). Некоторые исследователи относят к творчеству Джотто большой цикл живописи «История св. Франциска», находящийся в базилике Сан Франческо в Ассизи (1297- 1299 года), однако другие отвергают  его авторство.

Творчеством Джотто проникнута  мозаичная композиция «Навичелла», расположенная на фасаде римской базилики св. Петра, которая была снесена в начале 16 века. А также колоритные циклы работ «Знаменитые люди» (заказ правителя Милана Аццоне Висконти и  короля Неаполя Роберта).

Безусловно, Джотто оказал сильное влияние на развитие передовых школ итальянской живописи 14 века (в особенности на флорентийскую) и на прекрасных мастеров трудившихся в Падуе и Сиене. Такие великие мастера как Мазаччо и Микеланджело многократно взывали  к его творчеству.

Раннее Возрождение

Вторая половина XV века для итальянского искусства Ренессанса становится переходным периодом. В это время происходит затмение и появление новой художественно культуры. Не вызывает потрясений и тот факт, что творчество данной поры крайне сложно и отличается  преобладанием противоборства различных  направлений. Хотя если не рассматривать самый конец XVI века – время вступления на манеж братьев Карраччи и Караваджо, то можно сузить всё разнообразие искусства к двум основным тенденциям.

Феодально-католическая реакция нанесла смертельный удар Высокому Возрождению, но не смогла убить мощную художественную традицию, которая формировалась на протяжении двух с половиной столетий в Италии.

Если говорить о творениях известных художников второй половины XVI века, то им ещё присущ ренессанский фундамент, но уже с некоторыми изменениями. Канули в лето представления о гармонии мира, правде и всесильности разума. Судьба человека уже не рисовалась столь беззаветной, хотя отголоски темы героической личности, которая готова сражаться со злом  и ощущение реальности всё же до сих пор присутствуют. Основы искусства XVII столетия были заложены в творческих поисках этих мастеров, благодаря которым были созданы новые выразительные средства. К данному течению относятся немногие художники, но зато именитые мастера старшего поколения, пойманные кризисом на кульминации их творчества, такие как Тициан и Микеланджело. В Венеции, которая занимала неповторимое положение в художественной культуре Италии XVI века, это направленность присуща и для художников младшего поколения — Тинторетто, Бассано, Веронезе.

Представителями второго направления являются совершенно разные мастера. Их объединяет лишь субъективность в восприятии мира. На лицо разлад с манерами прежних мастеров, использовавших всю палитру Ренессанса. Они применяли эти средства в своих произведениях отвлечённо, заменяя диалог с реальностью на игру виртуозных форм. Это и повлекло враждебную настроенность к самой сущности ренессансной художественной культуры.        

                             Пармеджанино. Мадонна с длинной шеей

Данное направление получает своё распространение во второй половине XVI века и, не ограничиваясь Италией, перетекает и в большинство европейских стран. В искусствоведческой литературе конца прошлого столетия  именуясь «маньеризмом».   
Маньеристы выражали свою антиренессансную  направленность и в теоретических сочинениях. В целом если говорить о второй половине XVI века, то это бесспорно пора оживления литературной деятельности художников и появления любителей и даже знатоков, с большим удовольствием публикующих свои доводы об искусстве, в дальнейшем вытеснявшие художников в сфере теории искусства.                                 

                           Бенвенуто Челлини. Солонка Франциска I

Жанры такой литературы крайне обширны: мемуары («Жизнь Бенвенуто Челлини»), исторические обобщающие труды («Жизнеописаний» Джордже Вазари), теоретические трактаты («Идея храма живописи» Джан Паоло Ломапцо). Теоретические труды выражают собой идею, которая является фундаментом для творчества маньеристов — искусство возвышается над действительностью и на пьедестале стоит не реальность, а сугубо субъективные представления художника, симбиоз творческой фантазии.  

Для второй половины XVI века характерным является и возникновение бесчисленных художественных академий. Они существенно отличаются  от ранее созданных свободных кружков, которые объединяли художников, стремившихся покончить с цеховым порабощением, и занимались утверждением своего места в социальной  иерархии  общества. Новые превращения предоставляют им статус общественных учреждений, который обладают правом самостоятельно  руководить художественной жизнью.

Италия XVI века насчитывает огромное количество академий. Наиболее знаменитыми являются: витрувианская академия в Риме (основанная в 1542 году), академия рисунка во Флоренции (сформированная Вазари в 1560 году) и  Болонская академия братьев Карраччи (1580 г.), которая дала  жизнь новому этапу развитии европейского искусства.   
В Италии второй половины XVI века маньеризм был распространен повсеместно, но далеко не везде занимал одинаковое место, находясь на лидирующем  положении в художественной культуре.

Одним из известнейших мастеров эпохи Высокого возрождения по заслуге считается  великий художник, скульптор, поэт и философ, Микеланджело Буанаротти.

В ранней юности начальное образование он получил во Флоренции, в Латинской школе. Уроки живописи брал у Гирландайо, а уроки скульптуры у Бертольдо ди Джованни, которые проходили в художественной школе, основанной Лоренцо Медичи. В обучение входило копирование фресок Джотто и Мазаччо, изучение скульптурных работ Донателло, а в 1494 году, в Болонье, работы Якопо делла Кверча. Обучаясь, Микеланджело живет в доме Лоренцо, здесь он знакомится с философией неоплатонизма, влияние которой впоследствии прослеживается в его творчестве и мировосприятии. Он всегда тяготел к укрупненным формам, что отражается уже в первых работах мастера - "Битва Кентавров" и "Мадонна у лестницы". 

По прибытию в Рим он продолжает изучать античную скульптуру, благодаря осознанию принципов которой все его работы обладают прекрасной пластикой. К этому периоду относят статую Вакха, ныне находящуюся в национальном музее во Флоренции (около 1494 года), а так же скульптурную группу "Пьета" (примерно 1498 - 99 годы), которые свидетельствуют о начальном периоде творческой зрелости художника.

Статуя Давида была заказана художнику, вернувшемуся во Флоренцию, правительством республики. Статую, высотой 5,5 метров установили на главной площади Флоренции, неподалеку от Палаццо Веккио. По замыслу градоначальников, она символизировала свободу республики. Микеланджело отошел от традиции изображать Давида хрупким подростком, который попирает отрубленную голову Голиафа, как это было принято у мастеров 15 века. Давид в исполнении Микеланджело только готовится к сражению, это гигант атлет - который полон уверенности и силы.

В 1505 году Микеланджело вызывают в Рим, папа Юлий II поручил ему создавать свое надгробие. В отличие от надгробий, традиционных для Италии - а принято было сооружать надгробия пристенные - Микеланджело спроектировал отдельно стоящий мавзолей, который планировалось украсить 40 фигурами в человеческий рост. Однако сам папа Юлий II быстро утратил интерес к этому проекту, финансирование прекратилось, и Микеланджело демонстративно уехал во Флоренцию в марте 1506 года. Возвращение в Рим состоялось только в 1508 году, с получением заказа на роспись Сикстинской капеллы.

В 1508-1512 годах Микеланджело работает над самым грандиозным из своих творений - фресками Сикстинского плафона. Для начала художник отверг проект, предложенный ему для работы. Проект подразумевал исполнение 12 фигур апостолов в боковых частях свода, основную же часть планировалось заполнить орнаментом. Микеланджело создал свой собственный проект, который и сегодня искусствоведы стараются истолковать.  Роспись свода папской капеллы включает в себя 9 композиций на библейские темы, они располагаются в зеркале свода.  Цикл включает в себя темы из книги Бытия от "Сотворения мира" до "Всемирного потопа". Боковые пояса свода украшены изображениями двенадцати огромных фигур Сивилл и Пророков. В распалубках и люнетах расположился цикл "Предки Христа", в угловых парусах фрески, изображающие спасение иудейского народа. Эта грандиозная работа вмещает в себя многие десятки персонажей, каждый из которых является воплощением духовной энергии.

В 1516 Микеланджело получил задание от папы  Льва X, разработать проект фасада для Флорентийской церкви Сан-Лоренцо, построенной Брунеллески в пятнадцатом веке. Задумка Микеланджело была грандиозной. Он хотел сделать этот фасад "зеркалом Италии", однако работа не состоялась - не хватило средств. В 1520 году кардиналом Джулио Медичи было дано поручение, сделать из Новой сакристии церкви Сан Лоренцо монументальную усыпальницу для рода Медичи. Эта работа шла с перерывами. В 1527 - 1530 годах Микеланджело руководил обороной во время осады Флоренции противниками Медичи. И по отъезду Микеланджело в Рим (1534 году) работа была не готова, статуи установили лишь в 1546 году.

Стиль Микеланджело архитектора окончательно формируется в 1520-1534 годах во Флоренции. Стиль этот крайне живописен и пластичен. Неожиданным решением стала конструкция монументальной лестницы библиотеки Лауренциана. Она начинается прямо у порога читального зала во втором этаже, узкий марш крутых ступеней плавно вытекает из дверного проема, и распределяется на три рукава стремительно и неожиданно, так же круто разворачивается вниз.

В 1534 году Микеланджело перебирается жить в Рим. Здесь начинается последний, но не менее яркий период его творчества. Сближение с кружком поэтессы Виттории Колонна приносит в его творчество идею религиозного обновления. Он проникается новыми идеями, и, в итоге, работая над фреской "Страшный суд" для Сикстинской капеллы Микеланджело отходит от традиционной иконографии. Страшный суд изображается не в момент свершения, когда грешники и праведники уже отделены друг от друга, а самое его начало. Динамика картины создана диссонирующими позами персонажей, они полны отчаяния. В общей массе и грешники, и праведники, их сложно различить.                         По воспоминаниям Вазари, фреска была чрезвычайно близка к уничтожению: папа Павел IV изначально планировал сбить фреску в 1550-е гг., однако впоследствии поручил Даниэле да Вольтерра привести тела святых в приемлемый вид. Изобразить на них одежду или хотя бы набедренные повязки.

Последние работы Микеланджело в живописи пронзены пафосом и трагедией - "Распятие апостола Петра", "Падение Савла" являются тому примером. Живопись этого периода легла в основу формирования маньеризма.

Поздние скульптурные работы, такие как "Пьета с Никодимом" и неоконченная скульптурная группа "Пьета Ронданини" объединяет сложный пластический язык и драматические образы.

В римский период Микеланджело раскрывается как поэт и философ, мастерски владеющий слогом.

Во Флоренцию Микеланджело так и не вернулся, несмотря на многочисленные приглашения от герцога Козимодо Медичи. Но после смерти, его все-таки похоронили во Флоренции, в церкви Санта Кроче, тайно забрав тело из Рима, тайно забрав тело из Рима

Леонардо ди сер Пьеро д’Антонино родился 15 апреля 1452 года, в деревне под названием Анкиано недалеко от города Винчи. Отцом Леонардо был Пьеро да Винчи был нотариусом и воспитал его, дав ему хорошее образование. После смерти деда Леонардо Антонио, вся семья вместе еще маленьким Леонардо переехала во Флоренцию. Одаренность проявилась у начинающего художника очень рано. Со слов Вазари (историк, биограф): «Он уже в детстве настолько преуспел в арифметике, что своими вопросами ставил в затруднительное положение преподавателей. Одновременно Леонардо занимался музыкой, прекрасно играл на лире и божественно пел импровизации. Однако рисование и лепка больше всего волновали его воображение».

Мадонна в скалах

Отец будущего великого мастера отнес его первые работы своему другу, одному известному мастеру — скульптору и живописцу, Андреа Верроккьо, который очень поразился рисунками и посоветовал юному Леонардо посвятить жизнь живописи и искусству. 
 
Формирование творчества Леонардо да Винчи началось в 1466 году во флорентийской мастерской Верроккьо. И вскоре начинающий художник превзошел своего учителя. Верроккьо выполнял множество работ для правителя Флоренции, Лоренцо Великолепного. И вот после множества лет рабства и религиозных споров, настало время восстановления наук и время их изучения. И вот Флоренция оставила Средние века и эпоху феодализма, множество людей стали стремиться в города. Этот замечательный город, заполнился художниками и купцами. И в мастерской Верроккьо произошли некоторые изменения, Ренессанс внес свои коррективы. В мастерской рука об руку трудились большое количество художников, скульпторов и кузнецов, они создавали великолепные механические поделки, музыкальные инструменты. Они изучали инженерное искусство, которое входило в программу обучения, и ремонтировали всевозможные предметы. Будучи учеником Леонардо, изучал мастерство художника и скульптора. Он узнал много новых инструментов для различной деятельности, от копания до проектирования, что поможет ему в его дальнейшей жизни, как бы началом всех его идей и изобретений. Леонардо занимался многими видами искусства, проявляя безграничный интерес и любознательность. Эти качества развивались в нем из-за пристального наблюдения за природой.

Тайная вечеря

Леонардо да Винчи в своей жизни и творчестве воплотил в себе всесторонне развитую личность. Его интересовало многое. В список его увлечений входили живопись, пиротехника, науки и многое, многое другое.

Многие работы из творчества Леонардо да Винчи не дошли до наших дней, некоторые разрушились от старости, некоторые погибли в пожарах и наводнениях, некоторые не были созданы. Единственно, что осталось от наследия Леонардо да Винчи так это его дневники и записные книжки, с чертежами и проектами.

Известно такое мнение, что больших успехов в искусстве Леонардо не смог добиться из-за сильного его увлечения естественными науками. Однако биограф, его современник, отзывается о нем так: «Леонардо имел превосходнейшие замыслы, но создал немного вещей в красках, потому что, как говорят, никогда не был доволен собой». Это высказывание подтверждает биограф Вазари, он говорил «Препятствия лежали в самой душе Леонардо. Именно они побуждали его искать превосходства над совершенством, так что всякое произведение его замедлялось от избытка желаний».

Множество полотен написанных в период ренессанса были написаны на религиозные темы, также встречались и портреты. Пейзажи в большинстве случаев изображались на таких полотнах, как «Крещение Христа». Но для Леонардо рисование пейзажей в качестве фона на полотнах было мало. Его первый рисунок, обнаруженный археологами, является пейзажем «Долина Арно», написанный примерно в 1473 году. Эскиз выполнен карандашом, полный движения природы: свет, сияющий над холмами, шелестение листьев и потоки воды. Леонардо в самом начале своей творческой жизни отошел от общепринятых традиций, создав свой собственный стиль и взгляд на мир природы.

Леонардо да Винчи хотел познать тайные силы природы, зачастую зловещие и смертоносные. Полностью познав ее, он хотел стать властелином природы. 
 
Очень велик был интерес ко всему фантастическому и невероятному у Леонардо да Винчи, с самой юности и до самой старости. И эта мощь помогала творить Леонардо ди сер Пьеро д’Антонино великие дела.